Umění - Art


z Wikipedie, otevřené encyklopedie

Po směru hodinových ručiček z levé horní části: a autoportrét od Vincent van Gogh ; ženská postava předchůdce pomocí Chokwe umělce; detail od Zrození Venuše od Sandro Botticelli ; a Okinawan Shisa lev .

Art je pestrá škála lidských činností při vytváření vizuální, sluchové nebo provádění Artefakty ( díla ), vyjadřující autorovu nápadité , koncepční představu , nebo technické dovednosti, které má být oceňován pro svou krásu a emocionální sílu. Ve své nejobecnější formě tyto aktivity zahrnují výrobu uměleckých děl, kritika umění, studium dějin umění a estetický šíření umění.

Tyto tři klasické větve techniky jsou malby , sochařství a architektury . Hudba , divadlo , filmy , tanec a další divadelní umění , stejně jako literatura a jiná média, jako například interaktivních médií , jsou zahrnuty v širší definici umění . Až do 17. století, výtvarné uvedené jakékoliv dovednosti nebo mistrovství a nebyl odlišit od řemesla a vědy . V moderním použití po 17. století, kde estetické důvody jsou prvořadé, výtvarnými jsou odděleny a odlišeny od získaných dovedností obecně, jako jsou ozdobné nebo užitého umění .

I když se definice toho, co představuje umění je sporná a časem změnila, obecné popisy zmiňují představu o nápadité nebo technické dovednosti vyplývající z lidské agentury a tvorby. Povaha uměleckých a související pojmy, jako je tvořivost a interpretace, jsou prozkoumány v odvětví filozofie známé jako estetiku .

Kreativní umění a výtvarné umění

Umělecká díla mohou vyprávět příběhy, nebo jednoduše vyjádřit estetickou pravdu nebo pocit. Panorama na část A Thousand Li z hor a řek , malby ze 12. století, u Song dynastie umělec Wang Ximeng .

V perspektivě dějin umění, umělecká díla existovala pro téměř jak dlouho jako lidstvo: od časného pre-historické umění do současného umění ; Nicméně, některé teorie omezit pojem „uměleckých děl“ do moderních západních společnostech. Jeden časný smysl definice techniky je úzce souvisí s starší latinského významu, který ostře překládá k „dovednosti“ nebo „plavidla“, jak je spojena s výrazy jako „v oboru.“ Anglických slov odvozených od tohoto významu patří artefakt , umělý , vynalézavost , lékařské umění a vojenské umění . Nicméně, existuje mnoho dalších hovorové použití slova, to vše s nějakým vztahu k jeho etymologii .

20. století-rwandská láhev. Umělecká díla mohou sloužit praktické funkce, navíc k jejich dekorativní hodnotu.

V průběhu doby, filozofové jako Platóna , Aristotela , Socrates a Kant , mimo jiné zpochybnil význam umění. Některé dialogy v Plato řešit otázky o umění: Socrates říká, že poezie je inspirován múz a není racionální. Mluví souhlasně to, a jiné formy božského šílenství (opilosti, erotiky a snění) v Phaedrus (265a-c), a přesto v republice chce zakázat Homerovo velké poetické umění a smích stejně. V Ion , Socrates nedává žádný náznak nesouhlasu Homer, že vyjadřuje v republice . Dialog Ion naznačuje, že Homer je Ilias fungoval ve starověkém řeckém světě, protože Bible dnes v moderním křesťanském světě: jak božsky inspirovaný literární umění, které může poskytnout morální vedení, i kdyby jen to může být správně interpretovány.

S ohledem na literární umění a hudebního umění, Aristoteles považován epika , tragédie, komedie, dithyrambic poezii a hudbu, aby mimetický nebo napodobující umění, které se liší v napodobování se střední, objekt, a vhodným způsobem. Například hudební napodobuje s médii rytmu a harmonii, zatímco tanec napodobuje s rytmem sám, a poezie s jazykem. Formy se také liší ve svých objektu napodobování. Komedie, například, je dramatický imitace mužů horší než průměr; vzhledem k tomu, tragédie poskládaných muži o něco lepší než průměr. A konečně, formy se liší ve způsobu jejich imitace-through příběhu nebo charakter, a to prostřednictvím změny nebo beze změny, i přes dramatické nebo ne drama. Aristoteles věřil, že imitace je přirozené pro lidstvo a představuje jednu z výhod lidstva nad zvířaty.

Druhým, a novější, smysl pro slovo umění jako zkratka pro výtvarného umění či výtvarným uměním se objevil na počátku 17. století. Výtvarného umění se odkazuje na dovednosti používané k vyjádření umělce tvořivost, nebo aby se zapojily estetické cítění diváků, nebo k tomu publikum k posouzení jemnější a jemnější umělecké dílo.

V rámci tohoto druhého smyslu, slovo umění může odkazovat se na několik věcí: (i) studijních tvůrčí dovednosti, (ii) procesu za použití tvůrčí dovednosti, (iii) součin tvůrčí dovednosti, nebo (iv) zkušenosti publika s tvůrčí schopnosti. Tvůrčí umění ( umění jako kázeň) je sbírka disciplín, které produkují umělecká díla ( umění jako objekty), které jsou nuceni v osobním pohonem (umění jako činnosti) a předat zprávu, náladu, nebo symboliku pro vnímatel interpretovat (umění jako Zkusenosti). Umění je něco, co stimuluje jednotlivce myšlenky, emoce, víry, nebo nápady skrze smysly. Umělecká díla mohou být explicitně vyrobeny pro tento účel nebo interpretovat na základě obrázků nebo objektů. U některých učenců, jako Kant , vědy a umění mohou být rozlišeny tím, že vědu jako zastupující doménu znalostí a umění jako zastupující doménu svobody uměleckého projevu.

Často, pokud je skill je používán v běžné nebo praktickým způsobem, budou lidé považují za řemeslo místo umění. Podobně, pokud je dovednost používán v komerčním nebo průmyslovým způsobem, se může považovat za komerční umění místo výtvarného umění. Na druhou stranu, řemesel a designu jsou někdy považovány za užité umění . Některé umělecké stoupenci argumentovali, že rozdíl mezi výtvarné umění a užitého umění má více co do činění s hodnotové soudy provedených o umění než jakýkoli jasný definiční rozdíl. Avšak i výtvarné umění často má cíle nad rámec čistě kreativitu a sebevyjádření. Účelem uměleckých děl mohou být sdělit myšlenky, jako je v politicky, duchovně, nebo filozoficky motivované techniky; vytvořit smysl pro krásu (viz estetika ); prozkoumat povahu vnímání; pro potěšení; nebo k vytvoření silné emoce . Účelem může být také zdánlivě neexistuje.

Povaha umění byl popsaný filozofem Richardem Wollheim jako „jeden z nejvíce nepolapitelný z tradičních problémů lidské kultury“. Art byla definována jako prostředek pro vyjádření a komunikace citů a myšlenek, prostředky pro zkoumání a rozpoznávat formálních prvků pro jejich vlastní příčinu, a jako mimikry nebo zastoupení . Umění jako mimikry má hluboké kořeny ve filozofii Aristotela . Lev Tolstoj identifikován umění jako použití nepřímé prostředky ke komunikaci z jedné osoby na druhou. Benedetto Croce a RG Collingwood pokročilé idealistický názor, že umění vyjadřuje emoce, a že umělecké dílo tedy v podstatě existuje v mysli tvůrce. Teorie umění jako forma má své kořeny ve filozofii Kant , a byl vyvinut na počátku dvacátého století Roger Fry a Clive Bell . Více nedávno, myslitele ovlivněné Martin Heidegger vykládají umění jako prostředek, kterým komunita vyvíjí pro sebe médium pro sebevyjádření a interpretaci. George Dickie nabídl institucionální teorii umění , které definuje umělecké dílo jako každý artefakt, na kterém kvalifikovaná osoba nebo osoby jednající jménem sociální instituce běžně označované jako „ uměleckého světa “ přenesl „by status kandidáta na ocenění “. Larry Shiner popsal výtvarného umění jako „ne esence či osud, ale něco, co jsme udělali. Art jak jsme již obecně známo, že je evropský vynález sotva dvě stě let.“

Umění mohou být charakterizovány, pokud jde o mimikry (jeho znázornění skutečnosti), příběhu (příběhů), vyjadřování, komunikace citu, nebo jiných vlastností. Během období romantismu , umění přišel být viděn jako „zvláštní fakulty lidské mysli, se zařazují s náboženstvím a vědou.“

Dějiny

Venuše Willendorf , circa 24,000-22,000  BP

Nejstarší doložený formy umění je vizuální umění , které zahrnují tvorbu obrazů nebo objektů v oblastech, včetně dnes malířství, sochařství, grafiky , fotografií a dalších obrazových médií. Plastiky, jeskynní malby , skalní malby a rytiny z mladého paleolitu datované do doby před zhruba 40.000 roky byly nalezeny, ale přesný význam tohoto umění je často sporný, protože tak málo je známo o kulturách, které je vyrobily. Nejstarší umělecké předměty ve světové sérii drobných, vrtaných šnečí ulity asi 75.000 roků starý, byl objeven v jihoafrické jeskyni. Kontejnery, které mohou být použity k držení barvy byly nalezeny datování jako daleká záda jak 100.000 let. Leptané skořápky od Homo erectus z doby před 430.000 a 540.000 lety byla objevena v roce 2014.

Jeskynní malby koně z Lascaux jeskyních, circa 16,000 BP

Mnoho velkých tradice v umění mají základ v umění jednoho z největších starověkých civilizací: Starověký Egypt , Mezopotámie , Persie , Indie, Čína, Starověké Řecko, Řím, stejně jako Inca , Maya a Olmec . Každé z těchto center rané civilizace vyvinul jedinečný a osobitý styl ve svém oboru. Vzhledem k velikosti a trvání tyto civilizace, více jejich uměleckých děl přežily a více jejich vliv byl předán k jiným kulturám a pozdější době. Některé mají také za předpokladu, první záznamy o tom, jak umělci pracovali. Například toto období řeckého umění vidělo úctu lidské fyzické formy a vytváření rovnocenných schopností zobrazovat svalstvo, vyrovnanost, krásu a anatomicky správných proporcí.

V byzantské a středověké umění západního středověku mnohem umění zaměřil na vyjádření subjektů o biblickém a náboženské kultury a používá styly, které vykazovaly vyšší slávu nebeského světa, jako je například použití zlata v pozadí obrazů, nebo skla v mozaiky nebo okna, které také předložené údaje v idealizovaných, vzorované (byt) forem. Nicméně, klasický realista tradice přetrvává v malých byzantských prací, a realismus stabilně rostl v oboru katolické Evropě .

Renesanční umění měla výrazně zvýšený důraz na realistickém zobrazení hmotného světa, a místo člověka v něm, což se projevilo v tělesnosti v lidském těle, a rozvoj systematické metody grafického pohledu postihnout recesi trojrozměrný picture prostor.

Stylizované podpis sultána Mahmud II části Osmanské říše byla napsána v islámské kaligrafie . To zní „Mahmud Khan syn Abdulhamid je navždy vítězný“.
Velká mešita Kairouan v Tunisku, také volal mešita Uqba, je jedním z nejlepších, nejvýznamnějších a nejlépe dochovaných uměleckých a architektonických příkladů časných velkých mešit. Datováno ve svém současném stavu z 9. století, to je předek a model ze všech mešit v západních islámských zemích.

Na východě, islámské umění ‚s odmítnutí ikonografie vedlo k důrazu na geometrické vzory , kaligrafie a architektury . Dále na východ, náboženství dominuje uměleckých stylů a forem taky. Indie a Tibet viděl důraz na malovaných soch a tance, zatímco náboženské malby půjčoval mnoho konvencí ze sochy a inklinoval jasných kontrastních barvách s důrazem na obrysy. Čína viděl rozkvět mnoha uměleckých forem Jade carving, bronzework, keramiky (včetně úžasné terakotové armády císaře Qin), poezie, kaligrafie, hudba, malování, drama, beletrie, atd. Čínské styly se velmi liší od doby do éry a každá jeden je tradičně pojmenované po vládnoucí dynastii. Tak například dynastie Tang obrazy jsou jednobarevné a rozptýlené, s důrazem na idealizované krajiny, ale Ming dynastie malby jsou zaneprázdněni a barevné, a soustředit se na vyprávění příběhů prostřednictvím nastavení a složení. Japonsko Jména jeho styly po císařských dynastií příliš, a také viděl hodně souhru mezi styly kaligrafie a malby. Deskotisku stal důležitým v Japonsku poté, co 17. století.

Malovat Song dynastie umělce Ma Lin, circa 1250. 24,8 x 25,2 cm

Západní Age of Enlightenment v 18. století došlo umělecké vyobrazení fyzických a rozumových jistot na hodinky vesmíru, stejně jako politicky revoluční vize post-monarchistické celém světě, jako je například Blake je ztvárnění Newtona jako božské geometr nebo David to propagandistické obrazy. To vedlo k Romantic zamítnutí tento ve prospěch fotografií z emocionální a individuality člověka, jejichž příklady jsou uvedeny v románech Goethe . Pozdě 19. století pak viděl celou řadu uměleckých směrů, jako jsou akademické výtvarné , symbolismu , impresionismu a fauvismu mezi ostatními.

Dějiny umění dvacátého století je příběh nekonečných možností a hledání nových standardů, z nichž každá je stržen po sobě následující. Tak parametry impresionismu , expresionismu , fauvismu , kubismu , dadaismus , surrealismus , atd. Nemohou být udržovány velmi hodně za dobou jejich vynálezu. Zvyšování globální vzájemné ovlivňování během této doby vidělo rovnocenný vliv ostatních kultur do západního umění. Tak japonské woodblock tisky (samy ovlivněny západní renesanční kreslířské umění) mělo nesmírný vliv na impresionismu a následný vývoj. Později, africké plastiky byly zvednuty Picasso a do jisté míry Matisse . Podobně, v 19. a 20. století se Západ měl obrovský dopad na východní techniky se původně západních idejí, jako je komunismus a postmodernismu vyvolávat silný vliv.

Modernismus , idealistický hledání pravdy, dával cestu v druhé polovině 20. století k pochopení jeho unattainability. Theodor W. Adorno řekl v roce 1970: „To je nyní považováno za samozřejmé, že nic, co se týká techniky lze považovat za udělené jakékoliv další:. Ani umění samotného, ani umění ve vztahu k celku, dokonce ani právo umění na existenci“ Relativismus byla přijímána jako nevyhnutelná pravda, což vedlo k období současného umění a postmoderní kritiky , kde kultury světa a historie být viděn jako měnící se formy, které mohou být zcela zřejmé, a vyvodit z jen s nedůvěrou a ironie. Dále oddělení kultur je stále více stírají a někteří argumentují, že je nyní více vhodné myslet v podmínkách globální kultury, spíše než ty regionální.

V Původ uměleckého díla , Martin Heidegger , německý filozof a myslitel klíčový, popisuje podstatu umění, pokud jde o pojetí bytí a pravdě. Tvrdí, že umění není jen způsob, jak vyjádřit prvek pravda v kultuře, ale způsob jeho vytvoření a poskytnutí můstek, z nichž „to, co je“ lze vyčíst. Umělecká díla nejsou jen reprezentace jak se věci mají, ale ve skutečnosti vytvářejí sdílené chápání komunity. Pokaždé, když nová díla se přidá ke každé kultuře, význam toho, co to je, že existují je neodmyslitelně ke změně.

Formuláře, žánry, média, a styly

Napoleon I na jeho císařského trůnu by Ingres (French, 1806), olej na plátně

Výtvarném umění jsou často rozděleny do více specifických kategorií, obvykle spolu perceptuálně rozlišitelných kategorií, jako jsou média , žánru, stylu a formy. Umělecká forma se vztahuje na prvky techniky , které jsou nezávislé na jeho výkladu či významu. Vztahuje se na metody, které přijal umělce a fyzikální složení uměleckého díla, zejména non-sémantické aspekty práce (tj figurae ), jako je barva , obrys , rozměry , střední , melodie , prostor , textury a hodnoty . Forma může také zahrnovat principy vizuální konstrukce , jako je například uspořádání, zůstatek , kontrastu , důraz , harmonii , poměru , blízkost a rytmu.

Obecně existují tři školy filozofie týkající se techniky, se zaměřením respektive o formě, obsahu a kontextu. Extrémní formalismus je názor, že všechny estetické vlastnosti oboru jsou formální (to znamená, že součástí umělecké formy). Filozofové téměř všeobecně odmítají tento názor a myslet si, že vlastnosti a estetika umění přesahovat materiálu, techniky a formy. Bohužel, tam je malá shoda ohledně terminologie pro tyto neformální vlastnosti. Někteří autoři odkazují na předmět a obsah - tj významů a konotací - zatímco jiní dávají přednost pojmy jako smyslu a významu .

Extrémní intentionalism si myslí, že autorský záměr hraje rozhodující roli ve smyslu uměleckého díla, dopravování obsahu či zásadní hlavní myšlenku, zatímco všechny ostatní výklady mohou být vyřazeny. Definuje předmět jako osoby či nápadu reprezentované a obsah jako autorova zkušenost toto téma. Například složení Napoleona I. na jeho císařský trůn je částečně vypůjčené od Socha Dia v Olympii . Jak vyplývá z názvu, předmětem je Napoleon , a obsah je Ingres je reprezentace Napoleona jak ‚Emperor-boha mimo čas a prostor‘. Podobně jako extrémní formalismu, filozofové typicky odmítnout extrémní intentionalism, protože umění může mít více nejednoznačné významy a autorský záměr, může být neznámá, a tedy irelevantní. Její restriktivní výklad je „společensky nezdravé, filozoficky neskutečné a politicky nerozumné“.

Nakonec se rozvíjející teorie poststrukturalismem studuje umení význam v kulturním kontextu, takový jako myšlenky, emoce a reakce vyvolanými díla. Kulturní kontext často redukuje na technikách a záměry umělce, v kterémžto případě analýzy pokračuje podél linek podobných formalismu a intentionalism. Nicméně, v jiných případech historické a materiální podmínky může převládat, jako je náboženským a filozofickým přesvědčením, sociálně-politických a ekonomických struktur, nebo dokonce klimatu a geografie. Umělecká kritika i nadále růst a rozvíjet se spolu s uměním.

Dovednost a řemesla

Adam . Detail z Michelangelo je freska v Sixtinské kapli (1511)

Umění může implikovat smysl pro vyškolené schopnosti nebo zvládnutí jednoho média . Umění může také jednoduše odkazovat na rozvinuté a účinné použití jazyka sdělit smysl se bezprostředností a nebo hloubka. Umění může být definováno jako akt vyjadřujících pocitů, myšlenek a postřehů.

Existuje shoda, že je dosaženo s materiálem, v důsledku manipulaci, což usnadňuje něčí myšlenkové procesy. Běžný názor je, že přívlastek „art“, zejména v jeho zvýšené smyslu, vyžaduje jistou úroveň tvořivé odbornosti umělce, ať už se jedná demonstrace technických schopností, což je originalita v stylistický přístup, nebo kombinace těchto dvou. Tradičně dovednost provedení byl považován za kvalitní neoddělitelná od stavu techniky a tudíž nezbytné pro jeho úspěch; na programu Leonardo da Vinci , umění, nic více a nic méně než jeho další úsilí, byl projevem zručnosti. Rembrandt ‚s prací, nyní chválen za jeho pomíjivých ctností, byl nejvíce obdivován svými vrstevníky pro jeho virtuozitu. Na přelomu 20. století, Obratným vystoupení John Singer Sargent byly střídavě obdivoval a pohlíží se skepticismem k jejich ruční plynulost, přesto se téměř současně umělec, který by se stal éře je nejuznávanější a kočovný obrazoborec, Pablo Picasso , byl dokončení tradiční akademické vzdělání, ve kterém exceloval.

Detail of Leonardo da Vinci ‚s Mona Lisa , který ukazuje malířskou techniku Sfumato

Společným současná kritika nějakého současného umění nastane podél řad námitky proti zřejmý nedostatek dovednosti nebo schopnosti potřebného pro výrobu uměleckého objektu. V konceptuálního umění, Marcel Duchamp je‘ Fontána " je jedním z prvních příkladů kusů, kde umělec použité nalezené předměty ( ‚ready-made‘), a vykonávána žádná tradičně uznávaný soubor dovedností. Tracey Emin je Má postel , nebo Damien Hirst je Fyzická nemožnost smrti v mysli někdo žijící následovat tento příklad a rovněž manipulovat hromadné sdělovací prostředky. Emin spal (a se zabýval ostatními aktivitami) v její posteli před uvedením výsledku v galerii jako umělecké dílo. Hirst přišel s koncepčního návrhu pro umělecká díla, ale opustil většinu eventuální vytvoření mnoha prací na zaměstnané řemeslníků. Hirst je celebrita je založena výhradně na své schopnosti produkovat šokující koncepty. Vlastní výroba v mnoha koncepčních a současných uměleckých děl je záležitost shromáždění nalezených objektů. Nicméně, existuje mnoho modernistické a současné umělce, kteří pokračují vyniknout v dovednostech kreslení a malování a vytváření hands-on uměleckých děl.

Účel

Navajo koberec vyrobený kolem roku 1880
Mozarabic Beatus miniaturní . Španělsko, pozdní 10. století

Art měl velké množství různých funkcí v celé své historii, takže jejím účelem obtížně abstraktní nebo kvantifikovat, aby každý jednotlivý koncept. To však neznamená, že smyslem umění je „vágní“, ale že to má mnoho jedinečných, různé důvody, proč vznikají. Některé z těchto funkcí umění jsou uvedeny v následujícím přehledu. Různé účely oboru, mohou být seskupeny podle těch, které nejsou motivováni, a ty, které jsou motivováni (Lévi-Strauss).

Non-motivované funkcemi

Non-motivované účely techniky jsou ty, které jsou nedílnou součástí lidské bytosti, přesahují jedince, nebo nesplňují konkrétní vnější účel. V tomto smyslu je umění, jak kreativitu, je něco, co člověk musí udělat ze své podstaty (tedy žádné jiné druhy vytváří umění), a je tudíž mimo utility.

  1. Základní lidský instinkt pro harmonii, rovnováhu, rytmus . Umění na této úrovni není akce nebo objekt, ale vnitřní zhodnocení rovnováhu a harmonii (kráse), a proto aspekt lidské bytosti mimo nástroj.

    Imitace, pak je jedním instinkt naší přírody. Dále je zde instinkt ‚harmonii‘ a rytmus, jen pár metrů zjevně úseky rytmu. Osob, tedy počínaje tohoto přírodního daru vyvinutého stupních jejich zvláštní schopnosti, dokud jejich hrubý improvizace porodila poezie. - Aristoteles

  2. Zkušenosti z tajemného. Art nabízí možnost poznat sebe sama ve vztahu k vesmíru. Tato zkušenost může přijít nemotivovaný často, jak jednou oceňuje umění, hudbu nebo poezii.

    Nejkrásnější, co můžeme zažít, je tajemný. Je zdrojem veškerého pravého umění a vědy. - Albert Einstein

  3. Vyjádření představivosti. Art nabízí způsob, jak vyjádřit představivost v non-grammatic způsoby, které nejsou vázány na formálnosti mluveného nebo psaného jazyka. Na rozdíl od slov, které přicházejí v sekvencích a každá z nich má určitý význam, art nabízí celou řadu podob, symbolů a myšlenek s významy, které jsou poddajný.

    Jupiter je orel [jako příklad umění] není, jako logický (estetický) atributy objektu, pojetí vznešenosti a majestátu stvoření, nýbrž něco jiného, ​​něco, co dává představivosti podnět k šíření svého letu nad celá řada spřízněných reprezentací, které vyvolávají více pozornosti, než připouští projevu v pojetí určeném slov. Oni poskytnout estetický nápad, který slouží výše uvedené racionální představu jako náhrada za logickou prezentaci, ale s řádnou funkci, nicméně, oživovat mysl otevřením se pro něj vyhlídky do oblasti spřízněných reprezentací táhnoucí se nad jeho chápání. - Immanuel Kant

  4. Rituální a symbolické funkce. V mnoha kulturách, umění se používá v rituálů, představení a tance jako dekorace nebo symbolu. Zatímco tito často nemají konkrétní užitkový (motivované) účel, antropologové vědí, že často slouží svému účelu na úrovni významu v rámci určité kultury. Tento význam není vybavena žádným jednoho jedince, ale je často výsledkem mnoha generací změn a kosmologické vztahů uvnitř kultury.

    Většina vědců, kteří se zabývají skalních maleb nebo objektů získaných z prehistorických kontextů, které nemohou být vysvětleny v utilitární podmínkách a jsou proto zařazeny do kategorie ozdobného, ​​rituál nebo symbolické, jsou si vědomi pasti, kterou představuje pojem ‚umění‘. - Silva Tomášková

motivovaní funkce

Motivované účely umělecké odkazují na úmyslné a vědomé činy ze strany umělců nebo tvůrce. Ty mohou být k dosažení politické změny, aby se vyjádřil k aspektu společnosti, sdělit konkrétní emoce nebo náladu, řešit osobní psychologii, pro ilustraci jinou disciplínu, aby (s komerčními umění) prodat produkt, nebo prostě jako forma komunikace.

  1. Sdělení. Art na své nejjednodušší, je forma komunikace. Jako většina forem komunikace mají záměr nebo cíl zaměřen na jiné osoby, to je motivován účel. Ilustrativní umění, jako jsou vědecké ilustraci, jsou forma umění jako komunikace. Mapy jsou dalším příkladem. Avšak obsah nemusí být vědecký. Emoce, nálady a pocity jsou také sdělovány prostřednictvím umění.

    [Art je sada] artefaktů nebo obrazů s symbolické významy jako komunikační prostředek. - Steve Mithen

  2. Umění jako zábavu . Art může usilovat o určitou emoce a nálady, za účelem odpočinku nebo zábavné diváka. To je často funkce uměleckých odvětvích filmů a videoher.
  3. Avante-Garde. Art po politické změně. Jedním z určujících funkcí umění raného dvacátého století byla pouze vizuální obrazy přinést politické změny. Umělecké směry, které měly tuto goal- dadaismus , surrealismus , ruský konstruktivismem a abstraktního expresionismu , mimo jiné, jsou souhrnně označovány jako Avante-garde umění.

    Naproti tomu realistický postoj, inspirovaný pozitivismus, ze Saint Tomáše Akvinského k Anatole France, jasně se mi zdá, že je nepřátelská vůči jakékoliv intelektuální či mravní rozvoj. Nenávidím to, protože to je tvořeno z průměrnosti, nenávisti a tupou domýšlivost. Je to postoj, který dnes rodí s těmito směšnými knih, tyto urážlivé her. Neustále se živí a pochází sílu z novin a stultifies věda i umění podle vytrvale lichotivé nejnižší chutí; jasnost hraničící s hloupostí, život psa. - André Breton (surrealismus)

  4. Umění jako „volné zóny“ , odstraněny z akce sociálního vyslovení nedůvěry. Na rozdíl od avantgardních hnutí, které chtěli vymazat kulturní rozdíly za účelem vytvoření nových univerzálních hodnot, současné umění rozšířila svou toleranci vůči kulturním rozdílům, stejně jako jeho kritických a osvobozujících funkcí (sociální šetření, aktivismus, podvracení, dekonstrukce ... ), stává otevřenější místo pro výzkum a experimentování.
  5. Art for sociálního šetření, podvratné činnosti a / nebo anarchie. Zatímco podobné techniky pro politické změny, podvratný nebo dekonstruktivistického art může pokoušet zpochybnit aspekty společnosti bez konkrétního politického cíle. V tomto případě se funkce umění může být jednoduše kritizovat některé aspekty společnosti.
    Spray-paint graffiti na zeď v Římě
    Graffiti art a další typy street artu jsou grafiky a obrazy, které sprej-maloval nebo vyražen na veřejně viditelných zdí, budov, autobusů, vlaků a mostů, obvykle bez svolení. Některé umělecké formy, jako jsou graffiti, mohou být také nelegální při porušování zákonů (v tomto případě vandalismu).
  6. Art sociálních příčin. Art lze použít ke zvýšení povědomí o širokou škálu příčin. Řada uměleckých aktivit byla zaměřena na zvyšování povědomí o autismu , rakovina, obchodování s lidmi , a celou řadu dalších témat, jako je zachování oceánu, lidských práv v Dárfúru , zavraždil a chybějící domorodých žen, zneužívání staršího, a znečištění. Trashion pomocí odpadky, aby se módy, cvičil umělci, jako je Marina suti je jedním z příkladů použití techniky s cílem zvýšit povědomí o znečištění.
  7. Art for psychologických a léčebné účely. Art je také používán uměleckých terapeutů, psychoterapeuty a klinickými psychology jako arteterapii . Diagnostic kreslení Series , například se používá k určení osobnosti a emocionální fungování pacienta. Hlavním úkolem v této věci, ale spíše proces hojení konečný produkt není prostřednictvím tvůrčích činů, je požadováno. Výsledný kus předlohy může také nabídnout pohled na problémy zažívají objektu a může navrhnout vhodné postupy pro použití ve více konvenčních forem psychiatrické léčby.
  8. Umění pro propagandu, nebo komerce. Art je často využívána jako forma propagandy, a tak mohou být použity k nepatrně ovlivňovat populární pojetí nebo náladu. Podobným způsobem, umění, které se snaží prodat produkt také ovlivňuje náladu a emoce. V obou případech je cílem umění je zde nenápadně manipulovat diváka do určité emocionální nebo psychologickou reakci vůči konkrétním nápadem nebo objektu.
  9. Art jako indikátor kondice. To bylo argumentoval, že schopnost lidského mozku daleko přesahuje to, co je zapotřebí k přežití v rodové prostředí. Jeden evoluční psychologie vysvětlení je to, že lidský mozek a související rysy (jako umělecké schopnosti a tvořivost) je lidský ekvivalent z paví ocas očím. Účelem extravagantní pavích per bylo argumentoval, že je přilákat ženy (viz také Fisherian utečence a bezbariérový princip ). Podle této teorie vynikajícím výkonem umění byl evolučně důležité, protože to přitahovalo kamarády.

Funkce techniky popsané výše se vzájemně nevylučují, protože mnohé z nich se mohou překrývat. Například, umění za účelem zábavy může také snažit prodat výrobek, tj filmu nebo videohry.

Veřejný přístup

Versailles: Louis Le Vau otevřel vnitřní soud vytvořit expanzivní vstup cour d'honneur , později zkopírované v celé Evropě.

Od dávných dob, mnoho z nejlepších umění reprezentoval úmyslně displej bohatství nebo moc, často dosaženo pomocí masovém měřítku a drahé materiály. Hodně art byl pověřen politických vládců nebo náboženské instituce, s skromnější verze k dispozici pouze pro nejbohatší ve společnosti.

Nicméně, tam bylo mnoho období, kdy byla k dispozici art velmi vysoké kvality, pokud jde o vlastnictví, přes velké části společnosti, a to především v levných médiích, jako je keramika, která přetrvává v půdě a rychle se kazící médií, jako jsou textil a dřevo , V mnoha různých kulturách, keramika indiáni se nacházejí v takovém širokém rozsahu hrobů, které byly zjevně není omezen na společenské elity , ačkoli jiné formy umění může být. Reprodukční metody jako formy také masové produkce jednodušší, a byly použity, aby high-kvalitní starořímských keramiku a řecký tanagra figurky ve velmi širokém trhu. Těsnění válců byly obě umělecké i praktické a velmi široce používán, co lze volně nazývá střední třídy v starověkého Předního východu . Jakmile mince byly široce používány, jedná se také stala uměleckou formu, která dosáhla nejširší spektrum společnosti.

Další důležitou novinkou přišla v 15. století v Evropě, kdy grafika začala s malými dřevoryty , většinou náboženských, které byly často velmi malé a ruka-barevný, a cenově dostupné dokonce i rolníky , kteří slepených je na zdech svých domovů. Tištěné knihy byly zpočátku velmi drahé, ale postupně klesala v ceně až do 19. století, i ti nejchudší si mohli dovolit některé s tištěnými obrázky. Populární tiskne z mnoha různých druhů zdobí domy a jiná místa po staletí.

Veřejné budovy a památky , světské a náboženské, které svou povahou běžně řešit celou společnost, a návštěvníky, diváky a displej pro širokou veřejnost je již dlouho důležitým faktorem v jejich designu. Egyptské chrámy jsou typické, že většina největší a bohaté dekorace byla umístěna na části, které by mohly být vidět na veřejnosti, spíše než oblastí se projevuje pouze kněží. Mnohé oblasti královských paláců, hradů a domů společenské elity byly často všeobecně přístupné, a velké části uměleckých sbírek těchto lidí by mohlo být často vidět, ať už kýmkoliv, nebo ti, kteří mohou zaplatit malou cenu, nebo ty, nosit správné oblečení, bez ohledu na to, kdo to byl, jak na zámku ve Versailles , kde příslušné dodatečné příslušenství (stříbrné boty přezky a mečem), by mohl být najatý z obchodů venku.

Byla provedena zvláštní opatření, která umožní veřejnosti vidět mnoho královských nebo soukromé sbírky umístěné v galeriích, jako u Orleans Collection většinou sídlí v křídle Palais Royal v Paříži, které by mohly být navštívil po většinu 18. století. V Itálii umění cestovního ruchu v Grand Tour se stal významným průmyslem od renesance roku, a vlády a města vynaloženo úsilí, aby jejich klíčové dílo přístupné. Britská Royal Collection zůstává zřetelný, ale velké dary, jako jsou staré Královské knihovně byly vyrobeny z něj do Britského muzea , založená v roce 1753. Uffizi ve Florencii otevřely úplně jako galerii v roce 1765, i když tato funkce byla postupně vezme budovu přes od kanceláří původních státních zaměstnanců na dlouhou dobu předtím. Objekt nyní obsazený Prado v Madridu, byl postaven před francouzskou revolucí pro veřejnou prezentaci částí královské sbírky uměleckých děl a podobných královské galerií přístupných veřejnosti existovaly v Vídni , Mnichově a dalších metropolích. Otevření Musée du Louvre v průběhu francouzské revoluce (v roce 1793) jako veřejný muzeum pro hodně z bývalé francouzské královské sbírce jistě předznamenal významnou etapu ve vývoji přístupu veřejnosti k umění přenecháte republikánského státu, ale bylo pokračováním trendů již dobře zavedená.

Většina moderních veřejných muzeí a umělecké předměty vzdělávací programy pro děti ve školách lze vystopovat k tomuto nutkání mít oboru dostupné pro každého. Muzea ve Spojených státech bývají dárky od velmi bohaté na masy. ( Metropolitní muzeum umění v New Yorku, například, byl vytvořen John Taylor Johnston , manažer železnice jehož osobní sbírka umění naočkuje muzeum.) Ale i přes to všechno, alespoň jedna z důležitých funkcí umění v 21. století zůstává jako marker bohatství a společenského postavení.

Představení Joseph Beuys , 1978: Každý umělec - Na cestě k liberální formu společenského organismu

Tam byly pokusy umělců vytvořit umění, které nemohou být koupil bohatý jako objekt stavu. Jedním z hlavních motivačních původních hodně z umění pozdní 1960 a 1970 bylo vytvořit umění, které nemohly být kupoval a prodával. Je to „nutné předložit něco víc než pouhé objekty“ řekl major poválečná Německý umělec Joseph Beuys. Toto časové období vidělo vzestup takových věcí jako performance art , videoart a konceptuální umění . Hlavní myšlenkou bylo, že v případě, že předloha byl výkon, který by za splní, nebo to byl jen nápad, to nemohlo být kupoval a prodával. „Demokratické přikázání se točí kolem myšlenky, že umělecké dílo je komodita přimělo estetickou inovaci, která vyklíčila v polovině 1960 a byl sklízel v celém roce 1970. Umělci široce identifikované pod hlavičkou konceptuálního umění ... střídání výkonu a publikační činnost pro záběr s oběma materiál a materialistické zájmy malované či prostorovém uspořádání ... [musí] snažili narušit objekt art objekt qua.“

V dekádách, protože tyto nápady byly poněkud ztraceno, protože trh s uměním se naučil prodávat omezené DVD edici obrazových děl, pozvánky na exkluzivní představení uměleckých děl a předmětů, které zbyly z koncepčních kusů. Mnohé z těchto výkonů vytvořit díla, která jsou chápány pouze elity, kteří byli vzdělaní, proč myšlenka nebo videa nebo kus zdánlivé odpadu lze považovat za umění. Marker stavu se stává pochopení díla namísto nutně vlastnit ho, a předloha zůstává aktivita vyšší třídy. „Vzhledem k rozšířenému používání záznamové DVD technologii v časném 2000s, umělci a galerie systému, který odvozuje své zisky z prodeje uměleckých děl získal důležitým prostředkem k regulaci prodeje videoher a počítačových uměleckých děl v limitovaných edicích pro sběratele.“

kontroverze

Art byla dlouho kontroverzní, to znamená disliked některé diváky, pro celou řadu důvodů, ačkoli většina pre-moderní spory jsou matně zaznamenány, nebo zcela ztratila na moderní pohled. Obrazoborectví je zničení umění, které se nelíbí z různých důvodů, včetně těch náboženských. Aniconism je obecná nechuť buď všech obrazových snímků, nebo ty často jen náboženské, a byl nit v mnoha hlavních náboženství. To bylo klíčovým faktorem v historii islámského umění , kde vyobrazení Mohameda zůstávají především kontroverzní. Hodně umění bylo nelíbí čistě proto, že je znázorněno, nebo jinak stál nepopulární pravítka, strany nebo jiné skupiny. Umělecké konvence byly často konzervativní a brát velmi vážně, uměleckých kritiků , i když často mnohem méně, takže by širší veřejnost. Ikonografický obsah oboru by mohl způsobit kontroverzi, protože s pozdně středověkých vyobrazení nové motivem Swoon Panny Marie v scén ukřižování Ježíše . Poslední soud od Michelangela byla sporná z různých důvodů, včetně porušení slušnosti přes nahotu a Apollo -jako pózy Krista.

Obsah hodně formální umění v průběhu dějin byla nařízena patrona nebo komisařem, nikoli jen umělec, ale s příchodem romantismu a ekonomické změny ve výrobě umění, vize umělců se stal obvyklým determinant obsahu jeho art, zvyšuje výskyt spory, i když často snižuje jejich význam. Silné podněty pro vnímané originality a publicita také povzbudil umělce k soudu spor. Théodore Géricault je Raft z Medúzy (c. 1820), byl z části politický komentář k nedávné události. Édouard Manet je Le déjeuner sur l'Herbe (1863), byl považován za skandální není, protože nahé ženy, ale proto, že sedí vedle muže úplně oblečený v oděvu z doby, spíše než v rouchu antické světě. John Singer Sargent je Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884), způsobil spor o načervenalý růžové používá k barvení ženinu ušní lalůček, považován příliš sugestivní a údajně zničil pověst modelu s vysokým společnosti. Postupné opouštění naturalismu a zobrazení realistických reprezentace vzhledu předmětů v 19. a 20. století vedly k postupovému spor trvající déle než sto let. Ve dvacátém století, Pablo Picasso je Guernica (1937) používá aretační kubistické techniky a ostré monochromatické oleje , aby líčí trýznivé důsledky současného bombardování malého starobylého baskické město. Leon Golub je Výslech III (1981) líčí ženský akt, s kapucí zadrženého připoután k židli, nohy otevřené odhalit její pohlavní orgány, obklopen dvěma mučitelů oblečené v každodenním oblečení. Andres Serrano 's Piss Christ (1989) je fotografie krucifix, posvátný pro křesťanství a reprezentovat Christ je oběť a konečné utrpení, ponořený ve sklenici umělcova vlastní močí. Výsledná vřava vedla ke komentáři v senátu Spojených států o veřejné financování umění.

Teorie

Před modernismu, estetika v západním umění byl velmi zaujatý dosáhnout vhodné rovnováhy mezi různými aspekty realismu či pravdě přírody a ideálu ; myšlenky o tom, co vhodná rovnováha se přesunuly sem a tam v průběhu staletí. Tento zájem nevyskytuje v jiných tradice umění. Estetický teoretik John Ruskin , kdo bojoval za to, co on viděl jako naturalismu William Turner , viděl roli umení jako sdělení uměle podstatné skutečnosti, které by mohly nalézt pouze v přírodě.

Definice a hodnocení umění se stala obzvláště problematické již od 20. století. Richard Wollheim rozlišuje tři přístupy pro posouzení estetickou hodnotu umění: realistou , přičemž estetická kvalita je hodnota nezávislá absolutní jakéhokoli lidského pohledu; Objectivist , přičemž je také absolutní hodnota, ale je závislá na obecné lidské zkušenosti; a relativista poloze , přičemž to není absolutní hodnotu, ale závisí na, a mění se, lidský zkušenosti různých lidí.

Příchod modernismu

Složení II v červené, modré a žluté (1930) od Piet Mondrian (holandské, 1872-1944)

Příchod modernismu na konci vedení devatenáctého století k radikálnímu zlomu v pojetí funkce umění, a pak znovu na konci dvacátého století s příchodem postmodernismu . Clement Greenberg ‚s 1960 článek‚Modernistický obraz‘definuje moderního umění jako‚využívání charakteristických metod disciplíny ke kritice disciplíny samotné‘. Greenberg původně platil tuto myšlenku hnutí abstraktního expresionismu a používal to jako způsob, jak pochopit a zdůvodnit bytu (non-illusionistic) abstraktní malbu:

Realistická, naturalistická umění se sklamali médium, za použití v oboru zakrýt umění; modernismus používá umění upozornit na umění. Omezení, která tvoří médiu malby-rovném povrchu, tvar podpory, vlastnosti pigmentu, byli léčeni starých mistrů jako negativní faktory, které by mohly být uznány pouze implicitně, či nepřímo. Pod modernismu titíž omezení přišla být považován za pozitivní faktory, a byly uznány otevřeně.

Po Greenberg, několik důležitých teoretici se objevily, jako je Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin a Griselda Pollock mezi ostatními. I když jen bylo původně zamýšleno jako způsob chápání určitou sadu umělců, definice Greenbergova moderního umění je pro mnohé z myšlenek umění v rámci různých uměleckých letech 20. století a na počátku 21. století důležitá.

Pop umělci jako Andy Warhol stal se tak pozoruhodné a vlivný prostřednictvím práce, včetně a případně kritiku populární kulturu, stejně jako umělecký svět . Umělců roku 1980, 1990 a 2000s rozšířil tuto techniku sebekritiky za vysoké umění všem kulturním image-procesu, včetně módních obrázků, komiksů, billboardů a pornografie.

Duchamp jednou navrhl, že umění je jakákoliv činnost jakékoli kind- všechno. Nicméně způsob, jakým že pouze některé činnosti jsou klasifikovány dnes jako umění je sociální konstrukce. Existují důkazy, že tam může být zrnko pravdy v této oblasti. Vynález umění: Kulturní historie je umění, historie kniha, která se zabývá výstavbou moderního systému umění tj výtvarného umění. Shiner najde důkaz, že starší systém umění před našeho moderního systému (výtvarné umění) držel umění se, že by zkušený lidská činnost, tj starověké řecké společnosti neposedl pojem umění, ale TECHNE . Techne lze chápat ani jako umění nebo řemeslo, důvodem je, že rozdíly umění a řemesla jsou historické výrobky, které přišly později v lidské historii. Techne součástí malby, sochařství a hudbu, ale také; vaření, medicína, jezdectví , geometrie , tesařství , proroctví , a zemědělství atd.

Nová kritika a „úmyslný klam“

Následující Duchamp v první polovině dvacátého století k výraznému posunu k obecné estetické teorie konal který pokoušel se aplikovat estetické teorii mezi různými formami umění, včetně literárních umění a výtvarného umění, k sobě navzájem. To mělo za následek vzestup New kritiky školy a diskuse o úmyslný klam . Sporná otázka, zda estetické záměry umělce při tvorbě umělecké dílo, bez ohledu na její konkrétní podoba by měla být spojena s kritikou a hodnocením konečný produkt uměleckého díla, nebo v případě, že umělecké dílo by mělo být hodnoceno na základě vlastních výsledků nezávislých záměrů umělce.

V roce 1946, William K. Wimsatt a Monroe Beardsley vydával klasické a kontroverzní nové kritické esej s názvem „ Záměrné klam “, v němž argumentoval silně proti významnosti záměru autora , nebo „zamýšlený význam“ v analýze literárního díla , Pro Wimsatt a Beardsley, slova na stránce bylo vše, na čem záleží; dovoz významy ze mimo text byl považován za relevantní, a potenciálně rušivě.

V jiném eseji, „ afektivní klam “, který sloužil jako druh sesterského eseje stránku „Úmyslné klam“ Wimsatt a Beardsley také nebrala čtenáře osobní / emocionální reakci na literární dílo jako platný prostředek analýzy textu. Tento klam by později byl zapuzeny teoretiky z čtenářsky odezvy školy literární teorie. Je ironií, že jeden z předních teoretiků z této školy, Stanley Fish , byl sám trénoval nové kritiky. Ryby kritizuje Wimsatt a Beardsley ve své eseji „literatura v Reader“ (1970).

Jak je shrnuto Gaut a Livingston ve své eseji „vytvoření umění“: „strukturalistické a poststrukturalisty teoretici a kritici byli ostře kritický vůči mnoha aspektech Nové kritiky, začíná s důrazem na estetické zhodnocení a tzv autonomii umění , ale zopakoval útok na předpokladu, životopisný kritiky v to, že činnost a zkušenosti umělcovy byli privilegovaná kritické téma.“ Tito autoři tvrdí, že: „. Anti-Intentionalists, jako formalistů, si myslí, že záměry se podílejí na tvorbě umění jsou nepodstatné nebo periferní správně interpretovat umění Takže podrobnosti aktu vytvoření díla, i když mohou být zajímavé samy o sobě, nemají žádný vliv na správnou interpretaci díla.“

Gaut a Livingston definovat Intentionalists na rozdíl od formalistů uvádí, že: „Intentionalists, na rozdíl od formalistů, myslí, že odkaz na záměry je nezbytné při stanovení správné interpretaci děl“ Uvádějí Richard Wollheim jak říkat, že „Úkolem kritiky je rekonstrukce tvůrčího procesu, kde je tvůrčí proces musí být opět považována za něco ne zastavovat krátký, ale ukončené, dílo samotného umění.“

„Obrat k jazyku“ a jeho debata

Na konci 20. století přispěla rozsáhlá diskuse známý jako lingvistické otočení kontroverze, nebo „nevinné debaty očí“, a obecně označován jako structuralism- poststructuralism debaty ve filozofii umění. Tato diskuse diskutovali setkání na uměleckého díla, jak je dána relativní, do jaké míry koncepční setkání s umělecké dílo převládá nad perceptuální setkání s umělecké dílo.

Rozhodující pro jazykové debatě zase v dějinách umění a humanitní obory byly práce ještě další tradice, a to strukturalismus o Ferdinanda de Saussure a následném pohybu poststructuralism . V roce 1981, umělec Mark Tansey vytvořil umělecké dílo s názvem „Innocent Eye“ jako kritiku převládajícího podnebí neshody ve filosofii umění během posledních desetiletích 20. století. Vlivní teoretici zahrnují Judith Butler , Luce Irigarayová , Julia Kristeva , Michel Foucault a Jacques Derrida . Síla jazyka, konkrétně určitých rétorických tropů, v dějinách umění a historického diskursu byl prozkoumán Haydena Whitea . Skutečnost, že jazyk není transparentní médium myšlení byla zdůrazněna velmi odlišné formy filosofie jazyka , který vznikl v pracích Johann Georg Hamann a Wilhelm von Humboldt . Ernst Gombrich a Nelson Goodman ve své knize Jazyky umění: přístup k teorii symbolů přišel si myslí, že koncepční setkání s uměleckým dílem převažovaly výhradně přes vjemové a vizuální setkání s uměleckým dílem během 1960 a 1970. Byl vyzván na základě výzkumu dělaného u Nobelova cena vyhrávat psycholog Roger Sperry , který tvrdil, že lidský vizuální setkání se neomezuje na pojmy zastoupeny jen v jazyku (jazykové zase), a že jiné formy psychologické reprezentace umělecké dílo byly stejně obhajitelné a prokazatelné. Sperry názor nakonec zvítězil na konci 20. století s estetické filozofové takový jako Nick Zangwill důrazně bránit návratu do středně estetický formalismus mimo jiné alternativy.

klasifikační spory

Původní fontána podle Marcela Duchampa 1917 vyfotografována Alfred Stieglitz na 291 poté, co v roce 1917 společnost nezávislých umělců exponátu. Stieglitz používal kulisu válečníků podle Marsden Hartley fotografovat pisoár. Vstup výstava značku lze jasně vidět.

Spory o tom, zda má nebo nemá klasifikovat něco jako umělecké dílo, jsou označovány jako klasifikačních sporů o umění. Klasifikační spory v 20. století zahrnovaly kubistické a impresionistické malby, Duchamp je Fontána , filmy, superlativ napodobeniny bankovek , konceptuální umění a videohry . Filozof David Novitz tvrdí, že spor o definici umění jsou málokdy jádrem problému. Spíše „vášnivé zájmy a zájmy, které člověka vestu ve svém společenském životě“ jsou „natolik součástí všech klasifikačních sporů o umění“ (Novitz, 1996). Podle Novitz, klasifikační spory jsou častější spory o společenských hodnot a kde se společnost snaží jít než o teorii správný. Například, když je Daily Mail kritizoval Hirst ‚sa Emin ‘ s prací argumentem ‚pro 1000 let umění byl jeden z našich největších civilizačních silami. V současné době, nakládané ovce a znečištěné postele hrozí, že barbaři z nás všech‘, které nejsou postupující definici nebo teorii o umění, ale zpochybňují hodnotu Hirsta je a Emin práce. V roce 1998 Arthur Danto , navrhl myšlenkový experiment ukazuje, že“status artefaktu jako dílo výsledků uměleckých z myšlenek kultura se na něj vztahuje, spíše než jeho vlastní fyzikální nebo znatelných kvalit. Kulturní výklad (AN teorie umění jakési ) je proto konstitutivní arthood objektu.“

Anti-art je označení pro umění, které záměrně zpochybňuje stanovené parametry a hodnoty stavu techniky; to je termín spojený s dadaismu a připsat Marcela Duchampa těsně před první světovou válkou, kdy byl tvorby uměleckých předmětů z nalezených objektů . Jeden z nich, Fountain (1917), obyčejný pisoár, dosáhlo značného postavení a vliv na umění. Anti-art je funkce díla Situacionistické International , v lo-fi hnutí Mail umění, a mladých britských umělců , i když je to forma stále odmítnut Stuckists , kteří popisují sebe jak anti-anti-art .

Architektura je často zahrnuta jako jeden z výtvarného umění; Nicméně, stejně jako užitého umění , nebo výdaje na reklamu, to znamená vytváření objektů, kde je podstatná takovým způsobem, že obvykle nejsou v obraze, například praktické úvahy o použití.

hodnotový soud

Domorodé duté hrobky protokolu. Národní galerie, Canberra , Australia

Poněkud ve vztahu k nahoře, slovo umění je také používán aplikovat mínění se hodnotou, jak v takových výrazech jako „to jídlo bylo umělecké dílo“ (kuchař je umělec), nebo „umění podvodu“ ( vysoce dosažena úroveň znalostí v podvodníkem je chválen). Je to použití slova jako míra vysokou kvalitu a vysokou hodnotu, která dává termín jeho chuť subjektivní. Tvorba rozsudky hodnotou vyžaduje východisko pro kritiku. Na nejjednodušší úrovni, způsob, jak zjistit, zda dopad objektu na smyslech splní kritéria být považovány za umění , je, zda to je vnímáno být přitažlivý nebo odpuzující. Ačkoli vnímání je vždy zabarveno zkušeností, a je nutně subjektivní, to je obecně známo, že to, co není nějak esteticky uspokojující nemůže být uměním. Nicméně, „dobré“ umění není vždy nebo dokonce pravidelně esteticky přitažlivé pro většinu diváků. Jinými slovy, umělcova primární motivace nemusí být snaha o estetický. Také, umění často líčí hrozné obrazy směřoval k společenský, mravní, nebo podnětné důvody. Například, Francisco Goya je malba zobrazující španělské střelby z 3. května 1808 je grafické znázornění popravčí četou vykonávající několik prosící civilisty. Přesto současně, strašné metafor demonstruje horlivý umělecké schopnosti Goyovy složení a výkonu a vyrábí kování společenské a politické rozhořčení. Tak, debata pokračuje, jaký způsob estetického uspokojení, jestliže některý, je vyžadován vymezit ‚umění‘.

Předpoklad o nových hodnotách nebo vzpoura proti uznávanými představami o tom, co je esteticky lepší nemusí nastat souběžně s kompletním odpuštěním od sledování toho, co je esteticky přitažlivý. Ve skutečnosti, opak je často pravdou, že revize toho, co je populárně představil jako esteticky umožňuje opětovné povzbuzení estetické citlivosti, a nové porozumění pro standardy umění sám. Bezpočet školy navrhli své vlastní způsoby, jak definovat kvalitu, ale všichni se však shodují alespoň v jednom bodě: jakmile jsou jejich možnosti estetické přijat, hodnota uměleckého díla je určena jeho schopností přesahovat meze své zvolené médium udeřit nějaký univerzální strunu podle vzácnosti zručnosti umělce nebo v jeho přesném odrazu v čem je pojmenován ducha doby . Art je často zamýšlel oslovit a spojit se s lidskou emocí. To může vzbudit estetické či morální city, a mohou být chápány jako způsob komunikace těchto pocitů. Umělci vyjadřují něco tak, že jejich publikum se vzbudil do jisté míry, ale nemají k tomu vědomě. Reprodukce může být považována za zkoumání lidského stavu ; to znamená, že to, co to znamená být člověkem.

viz též

Poznámky

Bibliografie

  • Oscar Wilde, Intentions , 1891
  • Stephen Davies, definice umění , 1991
  • Nina Felshin, ed. Ale je to umění? 1995
  • Catherine de Zegher (ed.). Uvnitř viditelné . MIT Press, 1996
  • Evelyn Hatcher, ed. Umění jako kultura: Úvod do antropologie umění , 1999
  • Noel Carroll, teorie umění dnes , 2000
  • John Whitehead. Uchopení za Wind , 2001
  • Michael Ann Holly a Keith Moxey (eds.), Historie umění Estetika Visual Studia . New Haven: Yale University Press, 2002. ISBN  0300097891
  • Shiner, Larry. Vynález umění: Kulturní historie . Chicago: University of Chicago Press, 2003. ISBN  978-0-226-75342-3
  • Arthur Danto , zneužívání krása: estetika a pojem umění. 2003
  • Dana Arnold a Margaret Iverson, eds. Umění a myšlení . London: Blackwell, 2003. ISBN  0631227156
  • Jean Robertson a Craig McDaniel, Témata současného umění, výtvarné umění po roce 1980 , 2005,

Další čtení

externí odkazy