Klasifikační spory o umění - Classificatory disputes about art

Claude Monet , Impression, soleil levant ( Impression, Sunrise ), 1872, olej na plátně, Musée Marmottan Monet

Historici umění a filozofové umění dlouhodobě vedou klasifikační spory o umění ohledně toho, zda by konkrétní kulturní forma nebo dílo měly být klasifikovány jako umění . Spory o tom, co platí a co se nepočítá jako umění, se objevují i ​​dnes.

Definice umění

Dong Qichang , krajina 1597. Dong Qichang byl vysoce postavený státní úředník Ming , který v čínské tradici malby literátů maloval imaginární krajiny se sběratelskými pečetěmi a básněmi.

Definování umění může být obtížné. Estetici a filozofové umění často vedou spory o tom, jak definovat umění. Podle své původní a nejširší definice je umění (z latinského ars , což znamená „dovednost“ nebo „ řemeslo “) produktem nebo procesem efektivní aplikace souboru znalostí, nejčastěji s využitím souboru dovedností; tento význam je zachován v takových větách jako „ svobodná umění “ a „ bojová umění “. V moderním používání slova, které se proslavilo po roce 1750, se „uměním“ běžně rozumí dovednost používaná k dosažení estetického výsledku (Hatcher, 1999).

Britannica Online to definuje jako „využití dovednosti nebo představivosti při vytváření estetických předmětů, prostředí nebo zážitků, které lze sdílet s ostatními“. Ale jak nejlépe definovat termín „umění“ dnes je předmětem mnoha sporů; bylo publikováno mnoho knih a časopisů, které se hádají dokonce o základy toho, co rozumíme pod pojmem „umění“ (Davies, 1991 a Carroll, 2000). Theodor Adorno v roce 1969 prohlásil: „Je samozřejmé, že už nic z umění není samozřejmé.“ Není jasné, kdo má právo definovat umění. Umělci, filozofové, antropologové a psychologové všichni používají pojem umění ve svých oborech a dávají mu operativní definice, které se navzájem příliš nepodobají.

Druhý, užší a novější význam slova „umění“ je zhruba zkratkou pro kreativní umění nebo „ výtvarné umění “. Zde máme na mysli, že dovednost se používá k vyjádření umělcovy kreativity nebo k zapojení estetického cítění publika. Pokud je tato dovednost používána k vytváření předmětů s praktickým využitím, spíše než k malbám nebo sochám, které nemají žádnou jinou praktickou funkci než umělecké dílo , bude považováno za spadající pod klasifikaci, jako je dekorativní umění , užité umění a řemeslo spíše než výtvarné umění. Podobně, pokud je dovednost používána komerčním nebo průmyslovým způsobem, bude považována za design namísto umění. Někteří myslitelé tvrdili, že rozdíl mezi výtvarným uměním a užitým uměním má více společného s hodnotovými úsudky o umění než s jakýmkoli jasným definičním rozdílem (Novitz, 1992). Moderní rozlišování nefunguje dobře pro starší období, jako je středověké umění , kde v té době byly nejuznávanějšími uměleckými médii často kovovýroba , ryté drahokamy , textil a další „užité umění“ a vnímaná hodnota uměleckých děl často odrážela náklady na materiál a obrovské množství času stráveného vytvářením díla přinejmenším stejně jako tvůrčí vklad umělce.

Schémata klasifikace umění

Historická schémata

V dynastii Zhou starověké Číny se excelence v liù yì (六藝) neboli „ Šest umění “ očekávala od junzi (君子) neboli „dokonalého gentlemana“, jak jej definovali filozofové jako Konfucius . Protože tato umění zasahovala do civilních i vojenských aspektů života, vynikat ve všech šesti vyžadovalo, aby byl učenec velmi dobře zaoblený a polymatický . Šest umění bylo následující:

Později v historii císařské Číny bylo Šest umění zredukováno a vytvořil podobný systém čtyř umění pro kastu učenců a úředníků :

  • Qín (琴), nástroj představující hudbu
  • Qí (棋), desková hra představující vojenskou strategii
  • Shu (書), nebo čínská kaligrafie , představující gramotnost
  • Hua (畫), nebo čínské malby , které představují vizuální umění

Další pokus systematicky definovat umění jako seskupení oborů ve starověku představují starověké řecké múz . Každý ze standardních devíti múz symbolizoval a ztělesňoval jednu z devíti větví toho, co Řekové nazývali techne , což je termín, který zhruba znamená „umění“, ale byl také přeložen jako „řemeslo“ nebo „řemeslo“ a definice slova také zahrnovala více vědních oborů. Těchto devět tradičních poboček bylo:

Ve středověké křesťanské Evropě , univerzity učil standardní sadu sedmi svobodných umění , definovaný raně středověkých filozofů, jako Boethius a Alcuin Yorka a jako takové soustředěné kolem filozofie. Definice těchto předmětů a jejich praxe byla silně založena na vzdělávacím systému Řecka a Říma. Těchto sedm umění bylo samo rozděleno do dvou kategorií:

V této době, a pokračuje po renesanci , slovo „umění“ v angličtině a jejích příbuzných v jiných jazycích ještě nedosáhlo svého moderního významu. Jedním z prvních filozofů, kteří diskutovali o umění v rámci , kterému dnes rozumíme, byl Georg Wilhelm Friedrich Hegel , který ve svých Přednáškách o estetice popsal žebříček pěti hlavních umění od nejhmotnějšího po nejvýraznější:

  1. architektura
  2. sochařství
  3. malování
  4. hudba
  5. poezie

Hegelův seznam umění se uchytil zejména ve Francii a díky neustálým úpravám zůstal tento seznam relevantní a předmětem debat ve francouzské kultuře až do 21. století. Tuto klasifikaci propagoval Ricciotto Canudo , raný filmový učenec, který v roce 1923 napsal „Manifest sedmého umění“. Epitetika daná každé disciplíně umístěním seznamu se často používají k jejich odkazování pomocí parafráze, zvláště při volání film „sedmé umění“. Francouzské ministerstvo kultury se často účastní rozhodování o definici „nového“ umění. Deset umění je obecně uvedeno následovně:

  1. le premier art: architektura
  2. le deuxième art: sochařství
  3. le troisième art: malba
  4. le quatrième art: hudba
  5. le cinquième art: literatura , včetně poezie a prózy
  6. LE sixième art: na performing arts , včetně tance a divadla
  7. le septième art: film a kino
  8. le huitième art: „les arts médiatiques“, včetně rozhlasu , televize a fotografie
  9. le neuvième art: komiks
  10. le dixième art: videohry nebo obecněji digitální formy umění

Probíhající spor o to, co by mělo představovat další formu umění, se vede více než století. V současné době existuje řada uchazečů o umění le onzième , z nichž mnohé jsou staršími obory, jejichž praktici mají pocit, že jejich médium je jako umění podceňováno. Obzvláště populárním uchazečem o 11. místo je multimédia , která mají spojit deset umění tak, jak Canudo tvrdil, že kino bylo vyvrcholením prvních šesti umění. Performance art , oddělený od múzických umění, se nazývá le douzième , neboli „dvanácté“ umění.

Zobecněné definice umění

Tradiční západní klasifikace od renesance byly variantami hierarchie žánrů na základě míry, do jaké dílo zobrazuje imaginativní vstup umělce, pomocí umělecké teorie, která sahá až do starověkého světa. Takové myšlení získal něco ze široka s estetikou v romantismu . Podobný teoretický rámec aplikovaný v tradičním čínském umění ; například v západní i daleké východní tradici krajinomalby (viz literátská malba ) bylo imaginárním krajinám přiznáno vyšší postavení než realistickým vyobrazením skutečného krajinářského pohledu - na Západě odsunuto do „ topografických pohledů “.

Mnozí tvrdili, že je chybou dokonce se pokusit definovat umění nebo krásu, že nemají žádnou podstatu, a tak nemohou mít žádnou definici. Často se říká, že umění je spíše shluk souvisejících pojmů než jeden koncept. Mezi příklady tohoto přístupu patří Morris Weitz a Berys Gaut.

Andy Warhol vystavoval dřevěné sochy Brillo Boxes jako umění.

Dalším přístupem je říci, že „umění“ je v zásadě sociologická kategorie, že ať už se umělecké školy a muzea nebo umělci dostanou pryč, je považováno za umění bez ohledu na formální definice. Tuto institucionální teorii umění prosazoval George Dickie . Většina lidí nepovažovala pisoár zakoupený v obchodě nebo sochařské vyobrazení Brillo Boxu za umění, dokud je Marcel Duchamp a Andy Warhol (v uvedeném pořadí) nezařadili do kontextu umění (tj. Galerie umění ), který poté poskytl sdružení těchto objektů s hodnotami, které definují umění.

Proceduralisté často naznačují, že je to proces, kterým je umělecké dílo vytvořeno nebo nahlíženo, co z něj dělá umění, nikoli vlastní rys předmětu, nebo jak dobře je přijímán institucemi uměleckého světa po jeho uvedení do společnosti na svobodě. Například pro Johna Deweye , pokud spisovatel zamýšlel kus být básní, je to jeden, ať už to jiní básníci uznávají nebo ne. Zatímco kdyby novinář napsal přesně stejnou sadu slov a zamýšlel je jako zkrácené poznámky, které mu pomohou později napsat delší článek, nebyla by to báseň.

Leo Tolstoy naopak tvrdí, že to, co něco dělá nebo ne, je to, jak to prožívá jeho publikum, nikoli záměr jeho tvůrce. Funkcionalisté, jako Monroe Beardsley, tvrdí, že to, zda se dílo považuje za umění, závisí na tom, jakou funkci v konkrétním kontextu hraje. Například stejná řecká váza může v jednom kontextu plnit neuměleckou funkci (nesoucí víno) a v jiném kontextu uměleckou funkci (pomáhá nám ocenit krásu lidské postavy).

Spory o klasifikaci umění

Filozof David Novitz tvrdil, že neshody ohledně definice umění jsou zřídka jádrem problému, spíše že „vášnivé starosti a zájmy, které si lidé zakládají na svém společenském životě“, jsou „tolik součástí všech klasifikačních sporů o umění“ ( Novitz, 1996). Podle Novitze jsou klasifikační spory častěji spory o naše hodnoty a o to, kam se snažíme jít s naší společností, než o vlastní teorii.

Na druhé straně Thierry de Duve tvrdí, že spory o definici umění jsou nezbytným důsledkem toho, že Marcel Duchamp představil readymade jako umělecké dílo. Ve své knize Kant After Duchamp z roku 1996 reinterpretuje Kantovu kritiku soudu a vyměnil frázi „toto je krásné“ za „toto je umění“, přičemž pomocí kantovské estetiky řeší post-duchampiánské umění.

Konceptuální umění

Hlavní článek: Konceptuální umění

Práce francouzského umělce Marcela Duchampa z 19. a 20. let minulého století vydláždila cestu konceptualistům a poskytla jim příklady prototypicky konceptuálních děl (například readymades ), která se vzpírala předchozím kategorizacím. Konceptuální umění vzniklo jako hnutí v 60. letech minulého století. První vlna hnutí „konceptuálního umění“ trvala přibližně od roku 1967 do roku 1978. Raní „konceptoví“ umělci jako Henry Flynt , Robert Morris a Ray Johnson ovlivnili pozdější, široce přijímané hnutí konceptuálních umělců jako Dan Graham , Hans Haacke a Douglas Huebler .

V nedávné době se „ Mladí britští umělci “ (YBA) pod vedením Damiena Hirsta dostali na výsluní v 90. letech minulého století a jejich práce je vnímána jako konceptuální, přestože se velmi silně spoléhá na umělecký předmět. Termín se ve vztahu k nim používá na základě toho, že objekt není uměleckým dílem nebo je často nalezeným předmětem , který při své výrobě nepotřeboval umělecké dovednosti. Tracey Emin je považována za přední YBA a konceptuální umělkyni, přestože popřela, že je, a zdůraznila osobní emocionální výraz.

Nedávné příklady sporného konceptuálního umění

1991

Charles Saatchi financuje Damiena Hirsta . Následující rok galerie Saatchi vystavuje Hirstovu Fyzickou nemožnost smrti v mysli někoho žijícího , žraloka ve formaldehydu ve vitríně.

1993

Vanessa Beecroft má výkon v Miláně , Itálie . Zde mladé dívky vystupují jako druhé publikum při vystavování jejího deníku jídla.

1999

Tracey Emin je nominována na Turnerovu cenu . Moje postel se skládala z její rozcuchané postele, obklopené troskami, jako jsou kondomy, krví potřísněné kalhotky, lahve a pantofle v její ložnici.

2001

Martin Creed získává Turnerovu cenu za přesně pojmenovaný The Lights Going On and Off , ve kterém se světla zapínala a vypínala v jinak prázdné místnosti.

2002

Miltos Manetas konfrontuje Whitney Biennial se svým Whitneybiennial.com.

2005

Simon Starling získává Turnerovu cenu za Shedboatshed . Špaček představil dřevěnou kůlnu, kterou přeměnil na loď, plavil se po Rýně a poté přepracoval na kůlnu.

Kontroverze ve Velké Británii

Mrtvý žralok není umění , Stuckism International Gallery , 2003

Stuckist skupina umělců, která byla založena v roce 1999, prohlásil sebe „pro-současné figurativní malba s nápady a anti-konceptuální umění, a to především z důvodu jeho nedostatku pojetí.“ Říkali tomu také domýšlivý, „bezvýrazný a nudný“ a 25. července 2002 na ukázce uložili rakev mimo galerii White Cube s nápisem „Smrt konceptuálního umění“. V roce 2003 vystavila mezinárodní galerie Stuckism zachovalého žraloka pod názvem Mrtvý žralok není umění , což jasně odkazuje na dílo Damiena Hirsta (viz spory výše).

V pořadu BBC2 Newsnight dne 19. října 1999 pořádaném Jeremym Paxmanem s Charlesem Thomsonem útočícím na tu letošní Turnerovu cenu a umělec Brad Lochore, který ji bránil, Thomson zobrazoval stuckistické obrazy, zatímco Lochore přinesl plastovou láhev s čisticím prostředkem na lepenkovém podstavci. V jedné fázi Lochore říká: „Pokud lidé říkají, že je to umění, je to umění“. Paxman se ptá: „Takže můžete říci, že cokoli je umění?“ a Lochore odpoví: „Dalo by se říci, že všechno je umění ...“ V tuto chvíli je slyšet Thomsona, který mimo obrazovku říká: „Je moje boty umění?“ a zároveň se jeho bota objevuje před Lochorem, který pozoruje: „Pokud to říkáš. Musím to posoudit podle těchto podmínek.“ Thomsonova odpověď zní: „Nikdy v životě jsem nic tak směšného neslyšel.“

V roce 2002 Ivan Massow , předseda Institute of Contemporary Arts značkové konceptuálního umění „domýšlivý, požitkářský, craftless tat“ av „hrozí zánik svůj vlastní zadek ... v čele s kulturními cary, například v Tate ‚s Sir Nicholas Serota “. Massow byl následně nucen odstoupit. Na konci roku ministr kultury Kim Howells , absolvent umělecké školy, odsoudil Turnerovu cenu jako „chladné, mechanické, koncepční kecy“.

V říjnu 2004 galerie Saatchi sdělila médiím, že „malování je i nadále tím nejrelevantnějším a nejdůležitějším způsobem, jakým se umělci rozhodují komunikovat“. V návaznosti na to Charles Saatchi začal prodávat prominentní díla ze své sbírky YBA ( Young British Artists ).

Počítačové a video hry

Hlavní článek: Videohry jako umělecká forma

Počítačové hry pocházejí již z roku 1947, i když do 70. let 20. století nedosahovaly velkého publika. Bylo by obtížné a zvláštní popřít, že počítačové hry a videohry zahrnují mnoho druhů umění (samozřejmě s ohledem na to, že samotný pojem „umění“ je, jak již bylo naznačeno, otevřen různým definicím). Grafika videohry představuje digitální umění , grafiku a pravděpodobně videoart ; původní zvukový doprovod videohry jasně představuje hudbu . Je však otázkou debaty, zda by videohra jako celek měla být považována za umělecké dílo nějakého druhu, možná za formu interaktivního umění .

Filmový kritik Roger Ebert například zaznamenal, že videohry nejsou umění, a ze strukturálních důvodů bude vždy horší než kinematografie, ale poté přiznal nedostatek znalostí v této oblasti, když prohlásil, že „nikdy nebude hrát hra, kde je k přečtení dobrá kniha nebo dobrý film “. Videoherní designér Hideo Kojima tvrdil, že hraní videohry není umění, ale hry mají umělecký styl a obsahují umění. Návrhář videoher Chris Crawford tvrdí, že videohry jsou umění. Komentátor Esquire Chuck Klosterman také tvrdí, že videohry jsou umění. Tadhg Kelly tvrdí, že hra sama o sobě není umění a že zábava je pro všechny hry konstantní, takže umění ve hrách je spíše umění umístění a místa než interakce.

Viz také

Poznámky a reference

Další čtení

  • Noel Carroll, Theories of Art Today. 2000
  • Thierry de Duve, Kant After Duchamp. 1996
  • Evelyn Hatcher, ed. Umění jako kultura: Úvod do antropologie umění. 1999
  • David Novitz, '' Spory o umění '' Journal of Aesthetics and Art Criticism 54: 2, jaro 1996
  • Nina Felshin , ed. Ale je to umění? 1995
  • David Novitz, Hranice umění. 1992
  • Stephen Davies, Definice umění. 1991
  • Leo Tolstoj , co je umění?