Drama - Drama

Komediální a tragické masky

Drama je specifický režim z fikce zastoupené v provedení : s hrou , opera , pantomima , balet atd provádí v divadle nebo v rozhlase či televizi . Považován za žánr poezie obecně dramatický režim byl v kontrastu s epos a lyrických módy od té doby Aristotela ‚s Poetika (c. 335 př.nl) -The nejstarší dílo dramatické teorie .

Termín „drama“ pochází z řeckého slova „ draō “, které znamená „ dělat / jednat “ ( klasická řečtina : δρᾶμα , drama ), které je odvozeno od „já“ ( klasická řečtina : δράω , drao ). Dvě masky spojené s dramatem představují tradiční generické rozdělení mezi komedií a tragédií .

V angličtině (jako tomu bylo v mnoha jiných evropských jazycích obdobně) bylo slovo hra nebo hra (překlad anglosaského pleġanu nebo latinského ludus ) standardním výrazem pro dramata až do doby Williama Shakespeara -stejně jako jeho tvůrcem byl autor hry spíše než dramatik a budova byla spíše domem heren než divadlem .

Použití „drama“ v užším smyslu k označení konkrétního typu z hracích pochází z moderní doby. „Drama“ v tomto smyslu označuje hru, která není ani komedií, ani tragédií - například Zolova Thérèse Raquin ( 1873 ) nebo Čechovův Ivanov ( 1887 ). Právě v tomto užším smyslu se filmový a televizní průmysl společně s filmovými studiemi ujal popisu „ dramatu “ jako žánru v rámci příslušných médií. Termín „ rozhlasové drama “ byl použit v obou smyslech - původně byl přenášen v živém představení. Může také odkazovat na výraznější a vážnější konec dramatického výstupu rádia .

Přijetí dramatu v divadle v podání herců na jevišti před publikem předpokládá kolaborativní způsoby produkce a kolektivní formu recepce. Struktura dramatických textů , na rozdíl od jiných forem literatury , je přímo ovlivněna touto spolupracovní výrobě a kolektivní recepci.

Pantomima je forma dramatu, kde je děj příběhu vyprávěn pouze pohybem těla. Drama lze kombinovat s hudbou : dramatický text v opeře se obecně zpívá; v některých baletech tanec „vyjadřuje nebo napodobuje emoce, charakter a narativní akci“. Muzikály zahrnují jak mluvený dialog, tak písně ; a některé formy dramatu mají scénickou hudbu nebo hudební doprovod podtrhující dialog (například melodrama a japonské No ). Skříňové drama je forma, která je určena spíše ke čtení než k hraní. V improvizaci drama neexistuje v okamžiku představení; umělci vymyslí dramatický scénář spontánně před publikem.

Dějiny západního dramatu

Klasické řecké drama

Reliéf sedícího básníka ( Menander ) s maskami Nové komedie , 1. století př. N. L. - začátek 1. století n. L., Muzeum umění Princetonské univerzity

Západní drama má původ v klasickém Řecku . Divadelní kultury v městském státě z Atén produkoval tři žánry dramatu: tragédie , komedie , a hry satyr . Jejich původ zůstává nejasný, ačkoli v 5. století př . N. L. Byly institucionalizovány v soutěžích pořádaných v rámci slavností oslavujících boha Dionýsa . Historici znají jména mnoha starověkých řeckých dramatiků, v neposlední řadě Thespisa , kterému je připisována inovace herce („ hypokritů “), který mluví (spíše než zpívá) a vydává se za postavu (spíše než mluvit v jeho vlastní osobě), zatímco interakce se sborem a jeho vůdcem („ coryphaeus “), kteří byli tradiční součástí představení nedramatické poezie ( dithyrambické , lyrické a epické ).

Z práce pěti dramatiků se do dnešních dnů zachoval jen malý zlomek: máme malý počet kompletních textů od tragédů Aischyla , Sofokla a Euripida a komiksových spisovatelů Aristofanese a od konce 4. století Menandera. . Aischylova historická tragédie Peršané je nejstarším dochovaným dramatem, přestože když v roce 472 př. N. L. Získalo první cenu v soutěži City Dionysia , psal hry více než 25 let. Soutěž („ agon “) o tragédie mohla začít již v roce 534 př. N. L .; oficiální záznamy („ didaskaliai “) začínají od roku 501 př. n. l., kdy byla představena satyrská hra . Tragičtí dramatici byli povinni předložit tetralogii her (ačkoli jednotlivá díla nebyla nutně spojena příběhem nebo tématem), která se obvykle skládala ze tří tragédií a jedné satyrské hry (i když byly učiněny výjimky, jako u Euripidesova Alcestise v roce 438 př. N. L. ) . Komedie byla oficiálně uznána s cenou v soutěži od roku 487 do 486 př. N. L.

V City Dionysia soutěžilo pět komiksových dramatiků (ačkoli během peloponéské války to mohlo být sníženo na tři), z nichž každý nabídl jedinou komedii. Starověká řecká komedie se tradičně dělí na „starou komedii“ (5. století př. N. L.), „Střední komedii“ (4. století př. N. L.) A „novou komedii“ (konec 4. století až 2. př. N. L.).

Klasické římské drama

Soška ze slonoviny římského aktéra tragédie , 1. století n. L.

Po expanzi římské republiky (509–27 př. N. L.) Na několik řeckých území mezi lety 270–240 př. N. L. Se Řím setkal s řeckým dramatem . Od pozdějších let republiky a prostřednictvím římské říše (27 př. N. L.-476 n. L.) Se divadlo rozšířilo na západ po celé Evropě, kolem Středozemního moře a dostalo se do Anglie; Římské divadlo bylo pestřejší, rozsáhlejší a propracovanější než jakákoli kultura před ním.

Zatímco řecké drama se nadále hrálo po celé římské období, rok 240 př. N. L. Je počátkem pravidelného římského dramatu . Od počátku říše však zájem o celovečerní drama upadal ve prospěch širší palety divadelních zábav. Prvními důležitými díly římské literatury byly tragédie a komedie, které napsal Livius Andronicus od roku 240 př. N. L. O pět let později začal Gnaeus Naevius také psát drama. Z obou spisovatelů se nedochovaly žádné hry. Zatímco oba dramaturgové skládali v obou žánrech , Andronicus byl nejvíce ceněn pro jeho tragédie a Naevius pro jeho komedie; jejich nástupci měli tendenci se specializovat na jedno nebo druhé, což vedlo k oddělení následného vývoje každého druhu dramatu.

Počátkem 2. století př. N. L. Se v Římě pevně etablovalo drama a byl založen cech spisovatelů ( collegium poetarum ). Všechny římské komedie, které přežily, jsou fabula palliata (komedie založené na řeckých tématech) a pocházejí od dvou dramatiků: Titus Maccius Plautus (Plautus) a Publius Terentius Afer (Terence). Při přepracování řeckých originálů římští komičtí dramatici zrušili roli sboru při dělení dramatu na epizody a zavedli hudební doprovod jeho dialogu (mezi třetinou dialogu v Plautových komediích a dvěma třetinami v těch Terence). Akce všech scén se odehrává ve vnějším umístění ulice a její komplikace často vyplývají z odposlechu .

Plautus, populárnější z těchto dvou, napsal mezi lety 205 a 184 př. N. L. A přežilo dvacet jeho komedií, z nichž jsou jeho frašky nejznámější; byl obdivován pro vtip jeho dialogu a použití různých poetických metrů . Všech šest komedií, které Terence napsal mezi lety 166 a 160 př. N. L., Přežilo; Složitost jeho zápletek, ve kterých často kombinoval několik řeckých originálů, byla někdy odsouzena, ale jeho dvojité zápletky umožnily sofistikovanou prezentaci kontrastního lidského chování. Žádná raná římská tragédie nepřežila, i když byla ve své době velmi ceněná; historici vědí o třech raných tragédiích - Quintus Ennius , Marcus Pacuvius a Lucius Accius .

Z doby říše přežívá dílo dvou tragédů - jeden je neznámý autor, zatímco druhý je stoický filozof Seneca . Přežije devět seneckých tragédií , z nichž všechny jsou fabula crepidata (tragédie převzaté z řeckých originálů); Jeho Phaedra , například, byl založen na Euripides ' Hippolyta . Historici nevědí, kdo napsal jediný dochovaný příklad fabula praetexta (tragédie založené na římských předmětech), Octavia , ale v dřívějších dobách byl mylně připisován Senecovi kvůli jeho vzhledu jako postavy v tragédii.

Středověký

Scénická kresba ze hry lidové morálky z 15. století The Castle of Perseverance (jak je uvedeno v Makro rukopisu ).

Počínaje raným středověkem pořádaly církve dramatizované verze biblických událostí, známé jako liturgická dramata , aby oživily každoroční slavnosti. Nejčasnějším příkladem je velikonoční trope Koho hledáte? (Quem-Quaeritis) (c. 925). Dvě skupiny zpívaly citlivě latinsky , ačkoli se nejednalo o předstírání postav . V 11. století se rozšířil po Evropě do Ruska , Skandinávie a Itálie ; s výjimkou Španělska z islámské éry .

V 10. století, Roswitha z Gandersheimu napsal šest her v latině modelované na Terence komedií ‚s, ale léčit náboženské předměty. Její hry jsou prvními známými, které složila dramaturgyně, a prvním identifikovatelným západním dramatem poklasické éry. Později Hildegarda z Bingenu napsala hudební drama Ordo Virtutum (c. 1155).

Jednou z nejslavnějších raných světských her je dvorský pastorační Robin a Marion , napsaný ve 13. století ve francouzštině Adamem de la Halle . Interlude of the Student and the Girl (c. 1300), jeden z prvních známých v angličtině, se zdá být tónem a formou nejbližší současným francouzským fraškám , jako je Chlapec a Slepý muž .

Mnoho her přežilo z Francie a Německa v pozdním středověku , kdy se téměř v každé evropské zemi hrál určitý druh náboženského dramatu. Mnoho z těchto her obsahovalo komedie , ďábly , padouchy a klauny . V Anglii začaly obchodní spolky provádět lidovétajemné hry “, které byly složeny z dlouhých cyklů mnoha playletů nebo „průvodů“, z nichž čtyři existovaly : York (48 her), Chester (24), Wakefield (32) a takzvané „ N-město “ (42). Hra Druhých pastýřů z cyklu Wakefield je fraškovitý příběh ukradené ovečky, kterou se její hrdina Mak snaží vydávat za své novorozené dítě spící v postýlce; končí, když jsou pastýři, kterým ukradl, povoláni k Ježíšovu narození .

Morální hry (moderní termín) se objevily jako zřetelná dramatická forma kolem roku 1400 a vzkvétaly na počátku alžbětinské éry v Anglii. Znaky byly často používány k reprezentaci různých etických ideálů. Everyman například zahrnuje takové postavy, jako jsou dobré skutky, znalosti a síla, a tato charakteristika posiluje u publika konflikt mezi dobrem a zlem. Castle of Perseverance (c. 1400 - 1425) zobrazuje postup archetypální postavy od narození až do smrti. Horestes (c. 1567), pozdní „hybridní morálka“ a jeden z prvních příkladů anglické pomstychtivé hry , spojuje klasický příběh Orestes se svěrákem ze středověké alegorické tradice, střídá komiksové, groteskové scény s vážnými, tragickými jedničky. V tomto období byla také důležitá lidová dramata Mummers Play , uváděná v období Vánoc . Dvorní masky byly obzvláště oblíbené za vlády Jindřicha VIII .

Alžbětinské a jakobínské

K jednomu z velkých kvetení dramat v Anglii došlo v 16. a 17. století. Mnoho z těchto her bylo napsáno ve verších, zejména jambickém pentametru . Kromě Shakespeara byli v tomto období významnými dramatiky autoři jako Christopher Marlowe , Thomas Middleton a Ben Jonson . Stejně jako ve středověku historické hry oslavovaly životy minulých králů a zlepšovaly obraz tudorovské monarchie. Autoři tohoto období čerpali některé ze svých dějů z řecké mytologie a římské mytologie nebo z her významných římských dramatiků, jako byli Plautus a Terence .

Anglická restaurátorská komedie

Colley Cibber jako extravagantní a afektovaný lord Foppington, „brutální, zlý a chytrý“, ve Vanbrughově filmu Relaps (1696).

Restaurátorská komedie označuje anglické komedie napsané a provedené v Anglii během období restaurování od roku 1660 do roku 1710. Jako synonymum restaurátorské komedie se používá komediální chování . Po veřejné divadlo byl zakázán od puritánské režimem, znovuotevření divadla v roce 1660 se navrácení Charlesa II signalizoval renesanci anglického dramatu . Restaurátorská komedie je známá svou sexuální otevřeností, zdvořilostí, kosmopolitním vtipem , aktuálním tematickým psaním a přeplněnými a rušnými zápletkami. Jeho dramatici volně kradli ze současné francouzské a španělské scény, z anglických jakobejských a karolínských her, a dokonce i z řeckých a římských klasických komedií, kombinujících dobrodružně různé dějové linie. Výsledné rozdíly v tónu v jedné hře byly spíše oceňovány než zamračeny, protože publikum oceňovalo „rozmanitost“ v rámci i mezi hrami. Restaurátorská komedie dosáhla vrcholu dvakrát. Žánr dosáhl velkolepé zralosti v polovině sedmdesátých let 16. století s extravagancí aristokratických komedií. Po tomto krátkém zlatém věku následovalo dvacet hubených let, přestože dosažení první profesionální dramatičky Aphry Behn v 80. letech 16. století je důležitou výjimkou. V polovině devadesátých let minulého století vznikla krátká druhá renesanční komedie restaurování zaměřená na širší publikum. Komedie zlatých špiček 1670 a 1690 se od sebe navzájem výrazně liší.

Nesentimentální nebo „tvrdé“ komedie Johna Drydena , Williama Wycherleye a George Etherege odrážely atmosféru u dvora a upřímně oslavovaly aristokratický macho životní styl neustávajících sexuálních intrik a dobývání. Hrabě z Rochesteru , v reálném životě restaurování hrábě, dvořan a básník, je lichotivě zobrazen v Etherege je člověk režimu (1676) jako neukázněné, vtipný, intelektuální a sexuálně neodolatelný aristokrat, šablonu pro myšlenku potomstvo ze okouzlující navrácení hrábě (vlastně nikdy velmi obvyklá postava v restaurátorské komedii). Jediná hra, která nejvíce podporuje obvinění z obscénnosti, která byla tehdy a nyní v komedii Restoration obnovena, je pravděpodobně Wycherleyho mistrovské dílo The Country Wife (1675), jehož název obsahuje oplzlou slovní hříčku a jehož notoricky známá „čínská scéna“ je sérií trvalých dvojzubců .

Během druhé vlny restaurátorské komedie v devadesátých letech 19. století se „měkčí“ komedie Williama Congreve a Johna Vanbrugha snažily oslovit sociálně rozmanitější publikum se silným prvkem střední třídy a také ženské diváky. Komické zaměření se přesouvá od mladých milenců přechytračujících starší generaci k peripetiím manželských vztahů. Ve filmech Congreve's Love for Love (1695) a The Way of the World (1700) rozdávaly dvojice testující vzájemnou přitažlivost páry v předvečer manželství, stejně jako v předposledním manželství slavná scéna „Proviso“. Vanbrughova Vyprovokovaná manželka (1697) má lehký nádech a více lidsky rozpoznatelných postav, zatímco The Relapse (1696) byla obdivována pro svůj vtip a charakteristiku Lorda Foppingtona, extravagantního a afektovaného burleskního fopu s temnou stránkou. Tolerance pro restaurátorskou komedii i v její upravené podobě docházela do konce 17. století, protože veřejné mínění se k úctyhodnosti a vážnosti obracelo ještě rychleji než dramatici. Na tolik očekávané premiéře všech hvězd v roce 1700 z The Way of the World , první pětileté Congreveho komedie, diváci projevovali jen mírné nadšení pro tuto jemnou a téměř melancholickou práci. Komedii o sexu a důvtipu měla nahradit komedie sentimentální a drama příkladné morálky.

Moderní a postmoderní

Klíčové a inovativní příspěvky norského dramatika 19. století Henrika Ibsena a německého divadelního praktika 20. století Bertolta Brechta dominují modernímu dramatu; každý inspiroval tradici napodobitelů, mezi něž patří mnozí z největších dramatiků moderní doby. Díla obou dramatiků jsou svými způsoby modernistická i realistická a zahrnují formální experimentování , meta-teatrálnost a sociální kritiku . Pokud jde o tradiční teoretický žánrový diskurz, Ibsenova práce byla popisována jako vrchol „ liberální tragédie “, zatímco Brechtova tvorba byla v souladu s historizovanou komedií.

Mezi další významné dramatiky moderní doby patří Antonin Artaud , August Strindberg , Anton Čechov , Frank Wedekind , Maurice Maeterlinck , Federico García Lorca , Eugene O'Neill , Luigi Pirandello , George Bernard Shaw , Ernst Toller , Vladimir Mayakovsky , Arthur Miller , Tennessee Williams , Jean Genet , Eugène Ionesco , Samuel Beckett , Harold Pinter , Friedrich Dürrenmatt , Dario Fo , Heiner Müller a Caryl Churchill .

Opera

Západní opera je dramatická umělecká forma, která vznikla během renesance ve snaze oživit klasické řecké drama, ve kterém byly spojeny dialogy, tanec a píseň. Jelikož je opera silně provázána se západní klasickou hudbou , prošla za poslední čtyři století obrovskými změnami a dodnes je důležitou formou divadla. Pozoruhodný je hlavní vliv německého skladatele 19. století Richarda Wagnera na operní tradici. Podle jeho názoru v operách jeho doby neexistovala správná rovnováha mezi hudbou a divadlem, protože hudba se zdála být důležitější než dramatické aspekty těchto děl. Aby obnovil spojení s klasickým dramatem, zcela obnovil operní formu, aby zdůraznil stejný význam hudby a dramatu v dílech, které nazýval „ hudební dramata “.

Čínská opera zaznamenala konzervativnější vývoj v poněkud delší době.

Pantomima

Pantomima (neformálně panto ), je druh hudební komediální jevištní produkce, určené pro rodinnou zábavu. Byl vyvinut v Anglii a stále se provádí po celém Spojeném království, obvykle v období Vánoc a Nového roku a v menší míře i v dalších anglicky mluvících zemích. Moderní pantomima zahrnuje písně, roubíky, grotesku a tanec, zaměstnává herce překračující pohlaví a kombinuje aktuální humor s příběhem volně založeným na známé pohádce, bajce nebo lidové pohádce . Jedná se o participativní formu divadla, ve které se očekává, že publikum bude zpívat spolu s určitými částmi hudby a vykřikovat fráze umělcům.

Tyto příběhy navazují na tradici bajek a lidových pohádek . Obvykle se poučí a s trochou pomoci publika zachrání hrdina/hrdinka den. Tento druh hry využívá akciové postavy viděné v maskách a opět commedia dell'arte , mezi tyto postavy patří padouch (doktor), klaun/sluha (Arlechino/Harlequin/knoflíky), milenci atd. Tyto hry obvykle kladou důraz na morálku dilemata a dobro vždy vítězí nad zlem, tento druh hry je také velmi zábavný, což z něj činí velmi účinný způsob, jak dosáhnout mnoha lidí.

Pantomima má v západní kultuře dlouhou divadelní historii sahající až do klasického divadla. Vyvinul se částečně z 16. století commedia dell'arte tradice Itálie, stejně jako z dalších evropských a britských jevištních tradic, jako jsou masky ze 17. století a hudební sál . Důležitou součástí pantomimy, až do konce 19. století, byla harlequináda . Mimo Británii se slovo „pantomima“ obvykle používá spíše jako napodobování , než jako divadelní forma, o níž se zde hovoří.

Mim

Pantomima je divadelní médium, kde je děj příběhu vyprávěn pohybem těla, bez použití řeči. Představení pantomimy se odehrálo ve starověkém Řecku a slovo převzal jediný maskovaný tanečník jménem Pantomimus , ačkoli jejich vystoupení nebylo nutně tiché. Ve středověké Evropě, časných forem mima, jako pouličním her a později dumbshows , se vyvinul. Na počátku devatenáctého století v Paříži , Jean-Gaspard Deburau zpevnil mnoha atributy, které jsme poznali, v moderní době, včetně tiché postavy v whiteface.

Jacques Copeau , silně ovlivněný Commedia dell'arte a japonským divadlem Noh , používal při výcviku svých herců masky. Étienne Decroux , jeho žák, byl tím velmi ovlivněn a začal zkoumat a rozvíjet možnosti pantomimy a rafinovaného tělesného pantomimy do vysoce sochařské podoby, vynesl ji mimo říši naturalismu . Jacques Lecoq svými tréninkovými metodami významně přispěl k rozvoji pantomimy a fyzického divadla .

Balet

Zatímco některý balet zdůrazňuje „samotné linie a vzorce pohybu,„ dramatický tanec “vyjadřuje nebo napodobuje emoce, charakter a narativní akci“. Takové balety jsou divadelní díla, která mají charaktery a „vyprávějí příběh“, taneční pohyby v baletu „často úzce souvisejí s každodenními formami fyzického projevu, [takže] téměř ve všech tancích je výrazová kvalita,“ a toto je slouží k přenosu akce i emocí; používá se také mim. Jako příklady lze uvést Petr Iljič Čajkovskij je Labutí jezero , který vypráví příběh Odette, princezna proměnil v labuť tím prokletím zlého čaroděje, Sergej Prokofjev s baletu Romeo a Julie , založený na Shakespearovy slavné hry a Igora Stravinského ‚s Petrušku , který vypráví o láskách a žárlivosti tří loutek.

Kreativní drama

Tvořivá dramatika zahrnuje dramatické činnosti a hry používané především ve vzdělávacích prostředích s dětmi. Jeho kořeny ve Spojených státech začaly na počátku 20. století. Winifred Ward je považován za zakladatele tvůrčí dramatiky ve vzdělávání a zakládá první akademické využití dramatu v Evanston, Illinois.

Asijské drama

Indie

Scéna z dramatu Macbeth od Kalidasa Kalakendram ve městě Kollam , Indie
Umělec hrající Sugrivu v sanskrtském divadle v podobě Koodiyattam .

Nejranější formou indického dramatu bylo sanskrtské drama . Mezi 1. stoletím n. L. A 10. bylo v historii Indie období relativního míru, během kterého byly napsány stovky her. S islámskými výboji, které začaly v 10. a 11. století, bylo divadlo odradeno nebo zcela zakázáno. Později, ve snaze znovu prosadit domorodé hodnoty a myšlenky, bylo vesnické divadlo podporováno na celém subkontinentu a vyvíjelo se v různých regionálních jazycích od 15. do 19. století. Hnutí Bhakti mělo vliv na představení v několika regionech. Kromě regionálních jazyků viděl Assam vzestup vaišnavského dramatu v uměle smíšeném literárním jazyce zvaném Brajavali . Zřetelná forma jednoaktových her s názvem Ankia Naat se vyvinula v dílech Sankardeva , jejichž konkrétní představení se nazývá Bhaona . Moderní indické divadlo se vyvíjelo v období koloniální nadvlády pod britským impériem , od poloviny 19. století do poloviny 20. století.

Sanskrtské divadlo

Nejstarší dochované fragmenty sanskrtského dramatu pocházejí z 1. století našeho letopočtu. Bohatství archeologických důkazů z dřívějších období nenasvědčuje existenci divadelní tradice. Staří Védy ( písně od mezi 1500 a 1000 před naším letopočtem, které jsou mezi nejstarší příklady literatury ve světě), neobsahují žádný náznak toho (ačkoli malé množství jsou složeny ve formě dialogu ) a rituály z Vedic období ne Zdá se, že se vyvinuli v divadlo. Mahābhāṣya tím Patanjali obsahuje První zmínka o tom, co může být semena sanskrtského dramatu. Toto pojednání o gramatice z roku 140 př. N. L. Poskytuje proveditelné datum pro počátky divadla v Indii .

Hlavním zdrojem důkazů pro sanskrtské divadlo je Pojednání o divadle ( Nātyaśāstra ), kompendium, jehož datum složení je nejisté (odhady se pohybují od 200 př. N. L. Do 200 n. L. ) A jehož autorství je přičítáno Bharatovi Munimu . Pojednání je nejúplnější práce dramaturgie v antice. Oslovuje herectví , tanec , hudbu , dramatickou stavbu , architekturu, kostýmy , líčení , rekvizity , organizaci společností, publikum, soutěže a nabízí mytologický popis vzniku divadla.

Jeho drama je považováno za nejvyšší úspěch sanskrtské literatury . Využíval akční postavy , jako je hrdina ( nayaka ), hrdinka ( nayika ) nebo klaun ( vidusaka ). Herci se mohou specializovat na určitý typ. Záštitu nad ním měli králové i vesnická shromáždění. Slavné brzy dramatici zahrnují Bhasa , Kalidasa (slavný vikrama a Urvashi , Malavika a Agnimitra a uznání Shakuntala ), Šúdraka (známý pro The Little Clay košíku ), Asvaghosa , Dandin a císař Harša (slavný Nagananda , Ratnavali , a Priyadarsika ). Śakuntalā (v anglickém překladu) ovlivnil Goetheho Fausta (1808–1832).

Moderní indické drama

Rabíndranáth Thákur byl průkopnickým moderním dramatikem, který psal hry proslulé jejich zkoumáním a zpochybňováním nacionalismu, identity, spiritualismu a materiální chamtivosti. Jeho hry jsou psány bengálsky a zahrnují Chitra ( Chitrangada , 1892), The King of the Dark Chamber ( Raja , 1910), The Post Office ( Dakghar , 1913) a Red Oleander ( Raktakarabi , 1924). Girish Karnad je známý dramatik, který napsal řadu her, které využívají historii a mytologii, ke kritice a problematizování myšlenek a ideálů, které mají současný význam. Karnad Četná hraje, jako Tughlaq , Hayavadana , Taledanda a Naga-mandaly jsou významné příspěvky k indického dramatu. Vijay Tendulkar a Mahesh Dattani patří k významným indickým dramatikům 20. století. Mohan Rakesh v hindštině a dánský Iqbal v Urdu jsou považováni za architekty dramatu nové doby. Aadhe Adhoore Mohana Rakeshe a Dara Shikoh dánského Iqbala jsou považovány za moderní klasiku.

Moderní urdské drama Indie a Pákistánu

Urdu Drama se vyvinulo z převládajících dramatických tradic severní Indie formujících Rahas nebo Raas, jak je praktikovali exponenti jako Nawab Wajid Ali Shah (1822 - 1887) z Awadhu . Jeho dramatické experimenty vedly ke slavnému Inderu Sabhovi z Amanatu a později tato tradice získala podobu divadla Parsi. Agha Hashr Kashmiri je vyvrcholením této tradice.

Tradice urdského divadla velmi ovlivnila moderní indické divadlo . Divadlo vzkvétalo v Urdu (kterému raní spisovatelé říkali hindština ) spolu s Gujrati , Marathi a Bengali . Drama Urdu mělo důležitý vliv na filmový průmysl v Bombaji a všechna raná díla divadla Urdu (provádí Parsi Companies) byla zpracována do filmů. Urdská dramatická tradice existuje více než 100 let.

Prof Hasan, Ghulam Jeelani, JN, Kaushal, Shameem Hanfi, Jameel Shaidayi atd. Patří ke staré generaci, současní spisovatelé jako dánský Iqbal, Sayeed Alam, Shahid Anwar, Iqbal Niyazi a Anwar jsou několika postmoderními dramatiky, kteří aktivně přispívají pole Urdu Drama.

Sayeed Alam je známý svým vtipem a humorem, zejména hrami jako 'Ghalib v Novém Dillí', 'Big B' a mnoha dalšími díly, které se pravidelně konají pro široké spektrum diváků. Maulana Azad je jeho nejdůležitější hrou jak pro obsah, tak pro styl.

Hra dánského Iqbala Dara Shikoh v režii MS Sathyu je moderní klasikou, která využívá novější divadelní techniky a současnou perspektivu. Jeho další hry jsou Sahir . na slavného textaře a revolučního básníka. Kuchh Ishq kiya Kuchh Kaam je další hra napsaná dánštiny, který je v podstatě oslavou Faiz ‚s poezie, představovat události z rané fázi svého života, zejména události a případy pre-dělících dny, které utvářely jeho život a ideály. Chand Roz Aur Meri Jaan - další hra inspirovaná Faizovými dopisy napsanými z různých vězení během dnů Rawalpindi Conspiracy . Napsal 14 dalších her včetně Dilli Jo Ek Shehr Thaa a Main Gaya Waqt Nahin Hoon . Shahid's Three B je také významná hra. Byl spojován s mnoha skupinami jako 'Natwa' a dalšími. Zaheer Anwar ponechal vlajku urdského divadla v Kalkatě . Na rozdíl od spisovatelů předchozí generace Sayeed, Shahid, dánský Iqbal a Zaheer nepíší knižní hry, ale jejich práce je výsledkem předvádění tradice. Iqbal Niyazi z Bombaje napsal několik her v Urdu, jeho hru AUR KITNE JALYANWALA BAUGH? získal národní cenu a další ocenění. Jedná se tedy o jedinou generaci po Amanatovi a Agha Hashrovi, kteří ve skutečnosti píšou pro jeviště a ne pro knihovny.

Čína

Poštovní známka SSSR z roku 1958 připomínající Guana Hanqinga , jednoho z velkých čínských dramatiků, který je proslulý svými hramizaju “.

Čínské divadlo má dlouhou a složitou historii. Dnes je často nazývána čínskou operou, i když to obvykle odkazuje konkrétně na populární formu známou jako pekingská opera a Kunqu ; v Číně existuje mnoho dalších forem divadla, například zaju .

Japonsko

Japonské drama No je vážnou dramatickou formou, která kombinuje drama, hudbu a tanec do úplného estetického představení. Vyvinul se ve 14. a 15. století a má vlastní hudební nástroje a techniky provádění, které se často předávaly z otce na syna. Účinkující byli obecně muži (pro mužské i ženské role), ačkoli ženské amatérky také hrají žádná dramata. No drama bylo podporováno vládou, a zejména armádou, s mnoha vojenskými veliteli, kteří měli své vlastní skupiny a někdy vystupovali sami. V Japonsku se hraje dodnes.

Kyōgen je komickým protějškem dramatu No. Soustředí se více na dialogy a méně na hudbu, i když se v Kyōgenu někdy objevují také No instrumentalisté. Kabuki drama, vyvinuté od 17. století, je další komickou formou, která zahrnuje tanec.

Viz také

Poznámky

Prameny

  • Banham, Martin, ed. 1998. Cambridgeský průvodce divadlem. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN  0-521-43437-8 .
  • Baumer, Rachel Van M. a James R. Brandon, eds. 1981. Sanskritské divadlo ve výkonu. Dillí: Motilal Banarsidass, 1993. ISBN  978-81-208-0772-3 .
  • Bevington, David M. 1962. Od lidstva k Marlowe: Růst struktury v populárním dramatu tudorovské Anglie. Cambridge, MA: Harvard University Press.
  • Bhatta, S.Krishna. 1987. Drama indické angličtiny: Kritická studie. Nové Dillí: Sterling.
  • Brandon, James R. 1981. Úvod. In Baumer a Brandon (1981, xvii – xx).
  • Brandon, James R., ed. 1997. Cambridgeský průvodce asijským divadlem. “ 2., rev. vyd. Cambridge: Cambridge NAHORU. ISBN  978-0-521-58822-5 .
  • Brockett, Oscar G. a Franklin J. Hildy. 2003. Dějiny divadla . Deváté vydání, mezinárodní vydání. Boston: Allyn a Bacon. ISBN  0-205-41050-2 .
  • Brown, Andrew. 1998. „Starověké Řecko.“ In The Cambridge Guide to Theatre. Ed. Martin Banham. Cambridge: Cambridge NAHORU. 441–447. ISBN  0-521-43437-8 .
  • Burt, Daniel S. 2008. Drama 100: Žebříček největších her všech dob. Fakta o souboru ser. New York: Fakta o souboru/infobase. ISBN  978-0-8160-6073-3 .
  • Callery, Dympha. 2001. Prostřednictvím těla: Praktický průvodce fyzickým divadlem. Londýn: Nick Hern. ISBN  1-854-59630-6 .
  • Carlson, Marvin. 1993. Teorie divadla: Historický a kritický průzkum od Řeků po současnost. Rozšířené vyd. Ithaca a Londýn: Cornell University Press. ISBN  978-0-8014-8154-3 .
  • Cartledge, Paule. 1997. "'Hluboké hry': Divadlo jako proces v řeckém občanském životě." Ve Easterlingu (1997c, 3–35).
  • Chakraborty, Kaustav, ed. 2011. Indické anglické drama. Nové Dillí: PHI Learning.
  • Deshpande, GP, ed. 2000. Moderní indické drama: Antologie. Nové Dillí: Sahitya Akedemi.
  • Dillon, Janette. 2006. Cambridge Úvod do raného anglického divadla. Cambridge Úvod do literatury ser. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN  978-0-521-83474-2 .
  • Duchartre, Pierre Louis. 1929. Italská komedie . Nezkrácená republika. New York: Dover, 1966. ISBN  0-486-21679-9 .
  • Dukore, Bernard F., ed. 1974. Dramatická teorie a kritika: Řekové . Florence, Kentucky: Heinle a Heinle. ISBN  0-03-091152-4 .
  • Durant, Will a Ariel Durant. 1963 Příběh civilizace, svazek II: Život Řecka . 11 sv. New York: Simon & Schuster.
  • Easterling, PE 1997a. „Show pro Dionýsa.“ Ve Easterlingu (1997c, 36–53).
  • Easterling, PE 1997b. "Forma a výkon." Ve Easterlingu (1997c, 151–177).
  • Easterling, PE, ed. 1997c. Cambridgeský společník řecké tragédie . Cambridge Companions to Literature ser. Cambridge: Cambridge NAHORU. ISBN  0-521-42351-1 .
  • Ehrlich, Harriet W. 1974. „ Kreativní dramatika jako technika výuky ve třídě “. Elementární angličtina 51: 1 (leden): 75–80.
  • Elam, Keire. 1980. V Sémiotika divadla a dramatu . Nové akcenty Ser. Londýn a New York: Methuen. ISBN  0-416-72060-9 .
  • Fergusson, Francis . 1949. Idea divadla: Studie deseti her, dramatické umění v měnící se perspektivě. Princeton, New Jersey: Princeton UP, 1968. ISBN  0-691-01288-1 .
  • Goldhille, Simone. 1997. „Publikum aténské tragédie“. Ve Easterlingu (1997c, 54–68).
  • Gordon, Mel. 1983. Lazzi : Komické rutiny Commedia dell'Arte . New York: Performing Arts Journal Publications. ISBN  0-933826-69-9 .
  • Gutzwiller, Kathryn. 2007. Průvodce po helénistické literatuře. Londýn: Blackwell. ISBN  0-631-23322-9 .
  • Drsný, Philip Whaley. 1944. Příručka klasického dramatu . Stanford: Stanford UP; Oxford: Oxford UP.
  • Johnstone, Keith . 1981. Impro: Improvizace a divadlo Rev. vyd. London: Methuen, 2007. ISBN  0-7136-8701-0 .
  • Ley, Grahame. 2006. Krátký úvod do starověkého řeckého divadla. Vyd. Vyd. Chicago and London: U of Chicago P. ISBN  0-226-47761-4 .
  • O'Brien, Nicku. 2010. Stanislavski v praxi . Londýn: Routledge. ISBN  978-0415568432 .
  • O'Brien, Nicku. 2007. Teatrálnost řecké tragédie: Hraní prostoru a sboru. Chicago and London: U of Chicago P. ISBN  0-226-47757-6 .
  • Pandey, Sudhakar a Freya Taraporewala, eds. 1999. Studie v současné Indii. Nové Dillí: Prestige.
  • Pfistere, Manfrede. 1977. Teorie a analýza dramatu . Trans. John Halliday. Evropská studia v anglické literatuře Ser. Cambridige: Cambridge University Press, 1988. ISBN  0-521-42383-X .
  • Rémy, Tristane. 1954. Jean-Gaspard Deburau. Paris: L'Arche.
  • Rehm, Rush . 1992. Řecké tragické divadlo. Studie divadelní produkce ser. Londýn a New York: Routledge. ISBN  0-415-11894-8 .
  • Richmond, Farley. 1998. „Indie.“ V Banhamu (1998, 516–525).
  • Richmond, Farley P., Darius L. Swann a Phillip B. Zarrilli, eds. 1993. Indické divadlo: Tradice představení. U of Hawaii P. ISBN  978-0-8248-1322-2 .
  • Spivack, Bernard. 1958. Shakespeare a alegorie zla: Historie metafory ve vztahu k jeho hlavním padouchům. NY a Londýn: Columbia UP. ISBN  0-231-01912-2 .
  • Spolin, Viola . 1967. Improvizace pro divadlo . Třetí rev. vyd. Evanston, Il .: Northwestern University Press, 1999. ISBN  0-8101-4008-X .
  • Taxidou, Olga. 2004. Tragédie, moderna a smutek . Edinburgh: Edinburgh UP. ISBN  0-7486-1987-9 .
  • Wickham, Glynne . 1959. Rané anglické etapy: 1300—1660. Sv. 1. Londýn: Routledge.
  • Wickham, Glynne . 1969. Shakespearovo dramatické dědictví: Souhrnná studia středověku, tudorovského a shakespearovského dramatu. Londýn: Routledge. ISBN  0-710-06069-6 .
  • Wickham, Glynne , ed. 1976. Anglická morální mezihra. Londýn: Dent. ISBN  0-874-71766-3 .
  • Wickham, Glynne . 1981. Rané anglické etapy: 1300—1660. Sv. 3. Londýn: Routledge. ISBN  0-710-00218-1 .
  • Wickham, Glynne . 1987. Středověké divadlo. 3. vyd. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN  0-521-31248-5 .
  • Weimann, Robert. 1978. Shakespeare a populární tradice v divadle: Studie sociální dimenze dramatické formy a funkce. Baltimore a Londýn: Johns Hopkins University Press. ISBN  0-8018-3506-2 .
  • Weimann, Robert. 2000. Autorské pero a herecký hlas: Hra a psaní v Shakespearově divadle . Ed. Helen Higbee a William West. Cambridgeská studia renesanční literatury a kultury. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN  0-521-78735-1 .

externí odkazy