Edvard Munch - Edvard Munch

Edvard Munch
Munch na nedatované fotografii
narozený	( 1863-12-12 )12. prosince 1863 Ådalsbruk , Løten , Norsko
Zemřel	23.ledna 1944 (1944-01-23)(ve věku 80) Oslo , Norsko
Národnost	Norský
Známý jako	Malíř a grafik
Pozoruhodná práce
Hnutí	Expresionismus , symbolismus

Edvard Munch ( / m ʊ ŋ k / MUUNK , norský:  [ˈɛ̀dvɑɖ ˈmʊŋk] ( poslech ) ; 12. prosince 1863 - 23. ledna 1944) byl norský malíř . Jeho nejznámější dílo The Scream se stalo jedním z ikonických obrazů světového umění.

Jeho dětství bylo zastíněno nemocí, úmrtím a hrůzou zdědit duševní stav, který v rodině probíhal. Munch studoval na Královské škole umění a designu v Kristianii (dnešní Oslo) a začal žít bohémsky pod vlivem nihilisty Hanse Jægera , který ho nutil, aby namaloval svůj vlastní emocionální a psychologický stav („malování duší“). Z toho vzešel jeho osobitý styl.

Cestování přineslo nové vlivy a výstupy. V Paříži se hodně naučil od Paula Gauguina , Vincenta van Gogha a Henriho de Toulouse-Lautreca , zejména o jejich používání barev. V Berlíně se setkal se švédským dramatikem Augustem Strindbergem , kterého namaloval, když se pustil do svého hlavního kánonu The Frieze of Life , zobrazujícího řadu hluboce procítěných témat, jako je láska, úzkost, žárlivost a zrada, ponořená do atmosféry.

Výkřik byl počat v Kristianii. Podle Muncha byl na procházce při západu slunce, když „slyšel ten obrovský, nekonečný výkřik přírody“. Agonizovaná tvář obrazu je široce identifikována s úzkostí moderního člověka. V letech 1893 až 1910 vytvořil dvě malované verze a dvě v pastelových barvách a také řadu tisků. Jeden z pastelů by nakonec ovládl čtvrtou nejvyšší nominální cenu zaplacenou za obraz v aukci.

Jak jeho sláva a bohatství rostly, jeho emocionální stav zůstal nejistý. Krátce uvažoval o svatbě, ale nemohl se zavázat. Rozpad v roce 1908 ho přinutil vzdát se těžkého pití a byl potěšen jeho rostoucím přijetím lidmi z Kristianie a expozicí v městských muzeích. Jeho pozdější roky strávil prací v míru a soukromí. Ačkoli jeho díla byla v nacistickém Německu zakázána, většina z nich přežila druhou světovou válku a zajistila mu tak dědictví.

Život

Dětství

Edvard Munch se narodil na statku v obci Ådalsbruk v Løten , Norsku , na Laura Catherine Bjølstad a Christian žvýká, syn kněze. Christian byl lékař a lékař, který se oženil s Laurou, ženou polovičního věku, v roce 1861. Edvard měl starší sestru Johanne Sophie a tři mladší sourozence: Peter Andreas, Laura Catherine a Inger Marie. Laura byla umělecky nadaná a možná povzbudila Edvarda a Sophie. Edvard byl příbuzný malíře Jacoba Muncha a historika Petera Andrease Muncha .

Rodina se přestěhovala do Christianie (přejmenována na Kristiania v roce 1877 a nyní Oslo ) v roce 1864, kdy byl Christian Munch jmenován lékařem v pevnosti Akershus . Edvardova matka zemřela na tuberkulózu v roce 1868, stejně jako Munchova oblíbená sestra Johanne Sophie v roce 1877. Po matčině smrti vychovávali sourozenci Muncha jejich otec a teta Karen. Edvard byl často nemocný po většinu zim a nebyl ve škole, proto kreslil, aby se zabavil. Učili ho jeho spolužáci a teta. Christian Munch také učil svého syna v historii a literatuře a bavil děti živými příběhy duchů a příběhy amerického spisovatele Edgara Allana Poea .

Jak si to Edvard pamatoval, Christianovo pozitivní chování k jeho dětem bylo zastíněno jeho morbidním pietismem . Munch napsal: "Můj otec byl temperamentně nervózní a posedle nábožensky založený - až na hranici psychoneurózy. Po něm jsem zdědil semínka šílenství. Andělé strachu, smutku a smrti stáli po mém boku ode dne mého narození." Christian napomenul své děti tím, že jim řekl, že jejich matka hledí z nebe dolů a truchlí nad jejich špatným chováním. Tísnivé náboženské prostředí, Edvardovo špatné zdraví a živé příběhy duchů pomohly inspirovat jeho děsivé vize a noční můry; chlapec cítil, že smrt na něj neustále postupuje. Jedna z Munchových mladších sester Laura byla v raném věku diagnostikována s duševní nemocí. Z pěti sourozenců se oženil pouze Andreas, ale zemřel pár měsíců po svatbě. Munch později napsal: „Zdědil jsem dva z nejděsivějších nepřátel lidstva - dědictví spotřeby a šílenství.“

Armádní plat Christiana Muncha byl velmi nízký a jeho pokusy vyvinout soukromou praktiku selhaly a udržovaly jeho rodinu v jemné, ale trvalé chudobě. Často se stěhovali z jednoho levného bytu do druhého. Munchovy rané kresby a akvarely zobrazovaly tyto interiéry a jednotlivé objekty, jako jsou lahve od léků a kreslící nástroje, plus některé krajiny. V jeho mladistvém věku umění dominovalo Munchovým zájmům. Ve třinácti letech se Munch poprvé vystavil jiným umělcům v nově vzniklé Umělecké asociaci, kde obdivoval práci norské krajinářské školy. Vrátil se, aby kopíroval obrazy, a brzy začal malovat oleji.

Studie a vlivy

Autoportrét se Skeleton Arm , 1895

V roce 1879 se Munch zapsal na technickou školu ke studiu inženýrství, kde vynikal ve fyzice, chemii a matematice. Naučil se kreslit v měřítku a perspektivě, ale studium mu přerušily časté nemoci. Následující rok, hodně ke zklamání svého otce, Munch opustil školu s odhodláním stát se malířem. Jeho otec považoval umění za „bezbožný obchod“ a jeho sousedé hořce reagovali a posílali mu anonymní dopisy. Na rozdíl od vzteklého pietismu svého otce zaujal Munch nedogmatický postoj k umění. Svůj cíl si zapsal do deníku: „Ve svém umění se pokouším vysvětlit život a jeho smysl sám sobě.“

V roce 1881 se Munch zapsal na Královskou školu umění a designu Kristianie, jejímž zakladatelem byl jeho vzdálený příbuzný Jacob Munch. Jeho učiteli byli sochař Julius Middelthun a naturalistický malíř Christian Krohg . Ten rok Munch prokázal svou rychlou absorpci tréninku postavy na Akademii na svých prvních portrétech, včetně jednoho z jeho otce a jeho prvního autoportrétu. V roce 1883 se Munch zúčastnil své první veřejné výstavy a sdílel ateliér s ostatními studenty. Jeho celovečerní portrét Karla Jensena-Hjella, proslulého bohémského města, si vysloužil kritickou odmítavou odpověď: „Je to impresionismus přenesený do extrému. Je to výsměch umění.“ Munchovy nahé obrazy z tohoto období přežívají pouze v náčrtech, s výjimkou Standing Nude (1887). Možná mu je zabavil otec.

Od mládí byl Munch ovlivňován impresionisty jako Édouard Manet a později postimpresionistickými umělci včetně Vincenta van Gogha a Paula Gauguina . Během těchto raných let experimentoval s mnoha styly, včetně naturalismu a impresionismu . Některá raná díla připomínají Manet. Mnoho z těchto pokusů mu přineslo nepříznivou kritiku ze strany tisku a sklidilo mu neustálé výtky od jeho otce, který mu však poskytoval malé částky na životní náklady. V jednom okamžiku však Munchův otec, pravděpodobně ovlivněný negativním názorem Munchovho bratrance Edvarda Diriksa (zavedeného, ​​tradičního malíře), zničil alespoň jeden obraz (pravděpodobně akt) a odmítl poskytnout další peníze na výtvarné potřeby.

Munch také přijal hněv svého otce za vztah s Hansem Jægerem , místním nihilistou, který žil podle kódu „vášeň ničit je také tvůrčí vášeň“ a který prosazoval sebevraždu jako konečnou cestu ke svobodě. Munch se dostal do svého zlovolného kouzla proti usazování. „Moje myšlenky se vyvinuly pod vlivem bohémů nebo spíše pod Hansem Jægerem. Mnoho lidí mylně tvrdilo, že moje myšlenky byly vytvořeny pod vlivem Strindberga a Němců ... ale to je špatně. Do té doby už byly vytvořeny.“ V té době, na rozdíl od mnoha jiných bohémů, Munch stále respektoval ženy, byl také zdrženlivý a dobře vychovaný, ale začal podlehnout nadměrnému pití a rvačce svého kruhu. Byl znepokojen sexuální revolucí, která v té době probíhala, a nezávislými ženami kolem něj. Později se stal cynickým ohledně sexuálních záležitostí, vyjádřených nejen svým chováním a uměním, ale i svými spisy, příkladem je dlouhá báseň s názvem Město volné lásky . Munchův vztah s otcem, který byl stále závislý na své rodině na mnoha jídlech, zůstal napjatý kvůli obavám z jeho bohémského života.

Po mnoha experimentech Munch dospěl k závěru, že impresionistický idiom neumožňuje dostatečné vyjádření. Zjistil, že je to povrchní a příliš podobné vědeckému experimentování. Cítil potřebu jít hlouběji a zkoumat situace překypující emocionálním obsahem a expresivní energií. Pod Jægerovým přikázáním, aby Munch „napsal svůj život“, což znamená, že Munch by měl prozkoumat svůj vlastní emocionální a psychologický stav, zahájil mladý umělec období reflexe a sebezkoumání a zaznamenával své myšlenky do svého „deníku duše“. Tato hlubší perspektiva mu pomohla posunout se k novému pohledu na jeho umění. Napsal, že jeho obraz Nemocné dítě (1886), založený na smrti jeho sestry, byl jeho prvním „obrazem duše“, jeho první přestávkou od impresionismu. Obraz získal negativní odezvu od kritiků a od jeho rodiny a způsobil další „násilný výbuch morálního rozhořčení“ od komunity.

Pouze jeho přítel Christian Krohg ho bránil:

Maluje, nebo spíše nahlíží na věci způsobem, který je odlišný od ostatních umělců. Vidí jen to podstatné, a to je přirozeně vše, co namaluje. Z tohoto důvodu jsou Munchovy obrázky zpravidla „neúplné“, jak lidé s potěšením objevují sami. Ach ano, jsou kompletní. Jeho kompletní ruční práce. Umění je dokončeno, jakmile umělec skutečně řekl vše, co měl na mysli, a to je právě ta výhoda, kterou má Munch oproti malířům jiné generace, že opravdu ví, jak nám ukázat, co cítil a co ho sevřelo, a tomu podřizuje vše ostatní.

Munch pokračoval v používání různých technik tahu štětcem a barevných palet po celé 80. a počátku 90. let 19. století, když se snažil definovat svůj styl. Jeho idiom se stále pohyboval mezi naturalistickým , jak je vidět na Portrét Hansa Jægera , a impresionistickým , jako v Rue Lafayette . Jeho Inger On the Beach (1889), která způsobila další bouři zmatků a kontroverzí, naznačuje, že přijdou zjednodušené formy, těžké obrysy, ostré kontrasty a emocionální obsah jeho zralého stylu. Začal pečlivě vypočítávat své skladby, aby vytvořil napětí a emoce. Post-impresionisté , kteří se stylově ovlivnili , se vyvinuli v obsahu, který byl symbolický v obsahu a zobrazoval spíše stav mysli než vnější realitu. V roce 1889 Munch představil svoji první one-man show téměř všech jeho dosavadních děl. Uznání, kterého se mu dostalo, vedlo k dvouletému státnímu stipendiu na studium v ​​Paříži u francouzského malíře Léona Bonnata .

Zdá se, že Munch byl jedním z prvních kritiků fotografie jako umělecké formy a poznamenal, že „nikdy nebude soutěžit se štětcem a paletou, dokud nebude možné pořizovat fotografie v nebi nebo v pekle!“

Munchova mladší sestra Laura byla předmětem jeho vnitřní melancholie z roku 1899 : Laura . Amanda O'Neill o díle říká: „V této vyhrocené klaustrofobické scéně Munch zobrazuje nejen Laurinu tragédii, ale i jeho vlastní hrůzu ze šílenství, které možná zdědil.“

Paříž

Munch dorazil do Paříže během slavností Exposition Universelle (1889) a ubytoval se dvěma kolegy norskými umělci. Jeho obraz Morning (1884) byl vystaven v norském pavilonu. Ráno strávil v rušném ateliéru Bonnat (který zahrnoval modelky) a odpoledne na výstavě, galeriích a muzeích (kde se od studentů očekávalo, že budou kopírovat jako způsob učení techniky a pozorování). Munch zaznamenal malé nadšení pro Bonnatovy hodiny kresby - „Unavuje mě to a nudí - je to otupující“ - ale během výletů do muzea si mistrův komentář užil.

Munch byl okouzlen rozsáhlou ukázkou moderního evropského umění, včetně děl tří umělců, kteří se ukázali vlivní: Paula Gauguina , Vincenta van Gogha a Henriho de Toulouse-Lautreca- pozoruhodných tím, jak pomocí barev zprostředkovali emoce. Munch byl zvláště inspirován Gauguinovou „reakcí proti realismu“ a jeho krédem, že „umění bylo lidskou prací a ne napodobeninou přírody“, víra, kterou dříve uvedl Whistler . Jak později řekl jeden z jeho berlínských přátel o Munovi, „nemusí se vydat na Tahiti, aby viděl a zažil primitiva v lidské přirozenosti. Nosí v sobě své vlastní Tahiti.“ Ovlivněn Gauguinem, stejně jako lepty německého umělce Maxe Klingera , Munch experimentoval s tisky jako médiem pro vytváření grafických verzí svých děl. V roce 1896 vytvořil své první dřevoryty - médium, které se ukázalo jako ideální pro Munchovy symbolické obrazy. Spolu se svým současníkem Nikolajem Astrupem je Munch považován za inovátora dřevorytského média v Norsku.

V prosinci 1889 jeho otec zemřel, takže Munchova rodina byla opuštěná. Vrátil se domů a sjednal velkou půjčku od bohatého norského sběratele, když bohatí příbuzní nepomohli, a od té doby převzal finanční odpovědnost za svou rodinu. Christianova smrt ho deprimovala a sužovaly ho sebevražedné myšlenky: „Žiji s mrtvými - moje matka, moje sestra, můj dědeček, můj otec ... Zabijte se a pak je konec. Proč žít?“ Munchovy obrazy následujícího roku zahrnovaly útržkovité krčmové scény a sérii jasných městských scenérií, ve kterých experimentoval s pointilistickým stylem Georgese Seurata .

Berlín

Melancholie , 1891, olej, tužka a pastelka na plátně, 73 × 101 cm, Munchovo muzeum , Oslo

Munch v roce 1902, v zahradě svého patrona Dr. Maxe Linde v Lübecku ; v pozadí je odlitek sochy Auguste Rodina Iron Era .

V roce 1892 Munch formuloval svou charakteristickou a originální syntetickou estetiku , jak je patrné z Melancholie (1891), ve které je symbolem symbolem nabitý prvek. Považován umělcem a novinářem Christianem Krohgem za první symbolistický obraz norského umělce, Melancholie byla vystavena v roce 1891 na podzimní výstavě v Oslu. V roce 1892 Adelsteen Normann jménem Svazu berlínských umělců pozval Muncha, aby vystavoval na své listopadové výstavě, první výstavě pro jednoho člověka ve společnosti. Jeho obrazy však vyvolaly hořkou polemiku (přezdívaná „Munchova aféra“) a po týdnu byla výstava uzavřena. Munch byl potěšen „velkým rozruchem“ a v dopise napsal: „Nikdy jsem neměl tak zábavný čas - je neuvěřitelné, že něco tak nevinného, ​​jako je malování, mělo vyvolat takový rozruch.“

V Berlíně se Munch zapojil do mezinárodního okruhu spisovatelů, umělců a kritiků, včetně švédského dramatika a předního intelektuála Augusta Strindberga , kterého namaloval v roce 1892. Setkal se také s dánským spisovatelem a malířem Holgerem Drachmannem , kterého namaloval v roce 1898. Drachmann byl 17 let Munchův senior a společník na pití v Zum schwarzen Ferkel v letech 1893–94. V roce 1894 Drachmann napsal o Munovi: „Tvrdě bojuje. Hodně štěstí s tvými zápasy, osamělý Noro.“

Během čtyř let v Berlíně Munch načrtl většinu myšlenek, které by zahrnovaly jeho hlavní dílo Vlys života , nejprve určené pro knižní ilustraci, ale později vyjádřené v obrazech. Prodával málo, ale vydělal si na poplatcích za vstup na prohlížení svých kontroverzních obrazů. Už Munch projevoval neochotu rozloučit se se svými obrazy, které nazýval svými „dětmi“.

Jeho další obrazy, včetně scén z kasina, ukazují zjednodušení formy a detailu, které poznamenaly jeho raný dospělý styl. Munch také začal upřednostňovat mělký obrazový prostor a minimální pozadí pro své frontální postavy. Protože pózy byly vybrány tak, aby vytvářely nejpřesvědčivější obrazy stavů mysli a psychologických podmínek, jako v Ashes , předávají figury monumentální, statickou kvalitu. Zdá se, že Munchovy postavy hrají role na divadelním jevišti ( Smrt v nemocničním pokoji ), jehož pantomima pevných poloh znamená různé emoce; protože každá postava ztělesňuje jedinou psychologickou dimenzi, jako ve filmu The Scream začali Munchovi muži a ženy působit spíše symbolicky než realisticky. Napsal: „Už by se neměly malovat interiéry, lidé četli a ženy pletly: budou tu živí lidé, dýchající a cítící, trpící a milující.“

Křik

Výkřik (1893)

Výkřik existuje ve čtyřech verzích: dva pastely (1893 a 1895) a dva obrazy (1893 a 1910). Existuje také několik litografií The Scream (1895 a novější).

Pastel z roku 1895 prodaný v aukci dne 2. května 2012 za 119 922 500 USD včetně provize. Je to nejbarevnější ze všech verzí a je charakteristický sestupným postojem jedné ze svých postav na pozadí. Je to také jediná verze, kterou norské muzeum nedrží.

Verze z roku 1893 byla v roce 1994 ukradena z Národní galerie v Oslu a obnovena. Obraz z roku 1910 byl ukraden v roce 2004 z Munchova muzea v Oslu, ale v roce 2006 byl obnoven s omezeným poškozením.

The Scream je Munchovo nejslavnější dílo a jeden z nejznámějších obrazů v celém umění. To bylo široce interpretováno jako reprezentující univerzální úzkost moderního člověka. Je namalován širokými pruhy křiklavých barev a vysoce zjednodušených tvarů a díky vysokému hledisku redukuje agonizovanou postavu na odělenou lebku v záchvatech emocionální krize.

Tímto obrazem Munch splnil svůj deklarovaný cíl „studium duše, to znamená studium mého vlastního já“. Munch o tom, jak obraz vznikl, napsal: „Šel jsem po silnici se dvěma přáteli, když zapadalo slunce; obloha se najednou zbarvila do červena jako krev. Zastavil jsem se a opřel se o plot, cítil jsem se nevýslovně unavený. Ohnivé jazyky a krev se táhla přes namodralý černý fjord. Moji přátelé pokračovali v chůzi, zatímco já jsem zaostával a třásl se strachem. Potom jsem uslyšel obrovský, nekonečný výkřik přírody. “ Později popsal osobní úzkost za obrazem: „Několik let jsem byl téměř šílený ... Znáte můj obrázek„ Výkřik? “ Byl jsem natažený až na hranici možností - příroda mi křičela v krvi ... Poté jsem se vzdal naděje, že budu moci znovu milovat. “

Při shrnutí efektů obrazu autorka Martha Tedeschi uvedla:

Whistlerova matka , Woodova americká gotika , Leonardo da Vinciho Mona Lisa a Výkřik Edvarda Munchadosáhly něčeho, čeho většina obrazů - bez ohledu na jejich historicko -umělecký význam, krásu nebo peněžní hodnotu - nedosáhla: téměř okamžitě sdělují konkrétní význam téměř každý divák. Těchto několik děl úspěšně provedlo přechod z elitní říše návštěvníka muzea do obrovského dějiště populární kultury.

Vlys života - báseň o životě, lásce a smrti

Ačkoli se jedná o velmi neobvyklé vyobrazení, tento obraz může být Panny Marie . Je sporné, zda je obraz konkrétně určen jako zobrazení Marie. Munch použil více než jeden titul, včetně Loving Woman a Madonny . Munch není proslulý náboženskými uměleckými díly a nebyl znám ani jako křesťan. Příbuznost k Marii by však mohla být zamýšlena jako důraz na krásu a dokonalost jeho přítelkyně Dagny Juel-Przybyszewské , model díla a výraz jeho uctívání jako ideálu ženství. (1894, olej na plátně, 90 cm × 68 cm ( 35+1 / 2  v x  26+3 / 4  palce), Munchovo muzeum , Oslo)

V prosinci 1893 se v berlínské Unter den Linden uskutečnila výstava Munchova díla, která mimo jiné ukázala šest obrazů s názvem Studie pro sérii: Láska. Tím začal cyklus, který později nazval Frieze of Life - báseň o životě, lásce a smrti . Motivy Frieze of Life , jako jsou The Storm a Moonlight , jsou prosyceny atmosférou. Další motivy osvětlují noční stránku lásky, například Rose a Amelie a Upír . V Death in the Sickroom je předmětem smrt jeho sestry Sophie, kterou přepracoval v mnoha budoucích variantách. Dramatické zaměření obrazu, zobrazující celou jeho rodinu, je rozptýleno v oddělených a oddělených postavách smutku. V roce 1894 rozšířil spektrum motivů přidáním Úzkosti , Popelu , Madony a Ženy ve třech fázích (od neviny po stáří).

Kolem začátku 20. století Munch pracoval na dokončení „Frieze“. Namaloval řadu obrazů, několik z nich ve větším formátu a do určité míry představovalo tehdejší secesní estetiku. Vyrobil dřevěný rám s vyřezávanými reliéfy pro velký obraz Metabolismus (1898), původně nazvaný Adam a Eva . Tato práce odhaluje Munchovo zaujetí „pádem člověka“ a jeho pesimistickou filozofii lásky. Motivy jako Prázdný kříž a Golgota (oba kolem roku  1900 ) odrážejí metafyzickou orientaci a také odrážejí Munchovu pietistickou výchovu. Celý Frieze byl poprvé uveden na secesionistické výstavě v Berlíně v roce 1902.

Témata „Frieze of Life“ se v Munchově tvorbě opakují, ale zvláště se na ně zaměřil v polovině 90. let 19. století. V náčrtcích, obrazech, pastelech a grafikách využil hloubku svých pocitů, aby prozkoumal své hlavní motivy: životní fáze, femme fatale, beznaděj lásky, úzkosti, nevěry, žárlivosti, sexuálního ponižování a odloučení v životě. smrt. Tato témata jsou vyjádřena v obrazech jako Nemocné dítě (1885), Láska a bolest (retitled Vampire ; 1893–94), Ashes (1894) a Most . Ten ukazuje bezvládné postavy s nevýraznými nebo skrytými tvářemi, nad nimiž se rýsují hrozivé tvary těžkých stromů a skličujících domů. Munch zobrazoval ženy buď jako křehké, nevinné trpící (viz puberta a Láska a bolest ), nebo jako příčinu velké touhy, žárlivosti a zoufalství (viz Separace , žárlivost a popel ).

Munch často kolem svých postav používá stíny a barevné kruhy, aby zdůraznil auru strachu, hrozby, úzkosti nebo sexuální intenzity. Tyto obrazy byly interpretovány jako reflexe umělcových sexuálních obav, i když lze také tvrdit, že představují jeho turbulentní vztah se samotnou láskou a jeho obecný pesimismus ohledně lidské existence. Mnoho z těchto skic a obrazů bylo provedeno v několika verzích, jako například Madonna , Hands a Puberty , a také přepsané jako tisk dřevěných bloků a litografie. Munch se nerad rozcházel se svými obrazy, protože svou práci považoval za jediné výrazové těleso. Aby vydělal na své produkci a vydělal nějaký příjem, obrátil se ke grafice, aby reprodukoval mnoho svých obrazů, včetně těch z této série. Munch přiznal osobní cíle své práce, ale také nabídl své umění širšímu účelu: „Moje umění je opravdu dobrovolnou zpovědí a pokusem si vysvětlit svůj vztah k životu - je to tedy vlastně jakýsi egoismus "Ale neustále doufám, že díky tomu mohu pomoci ostatním dosáhnout jasnosti."

Zatímco přitahoval silně negativní reakce, v devadesátých letech minulého století začal Munch trochu porozumět svým uměleckým cílům, jak napsal jeden kritik: „S nemilosrdným pohrdáním formou, jasností, elegancí, celistvostí a realismem maluje nejvíce intuitivní silou talentu. jemné vize duše “. Jedním z jeho velkých příznivců v Berlíně byl Walther Rathenau , pozdější německý ministr zahraničí , který výrazně přispěl k jeho úspěchu.

Paříž, Berlín a Kristiania

Nemocné dítě (1907)

V roce 1896 se Munch přestěhoval do Paříže, kde se zaměřil na grafické znázornění svých témat Frieze of Life . Svůj dřevoryt a litografickou techniku ​​dále rozvíjel. Munchův autoportrét se Skeleton Arm (1895) se provádí metodou leptání jehlou a inkoustem, kterou používá i Paul Klee . Munch také produkoval vícebarevné verze The Sick Child , týkající se tuberkulózy , které se dobře prodávaly, stejně jako několik aktů a více verzí Kiss (1892). Mnoho pařížských kritiků stále považovalo Munchovo dílo za „násilné a brutální“, ale jeho výstavám se dostalo vážné pozornosti a dobré návštěvnosti. Jeho finanční situace se výrazně zlepšila a v roce 1897 si Munch koupil letní dům s výhledem na fjordy Kristianie, malé rybářské chatky postavené na konci 18. století v malém městě Åsgårdstrand v Norsku. Tento domov nazval „Happy House“ a vracel se sem téměř každé léto na dalších 20 let. Právě toto místo mu chybělo, když byl v zahraničí a když se cítil deprimovaný a vyčerpaný. „Procházet se po Åsgårdstrandu je jako procházet se mezi svými obrazy - jsem tak inspirován k malování, když jsem tady“.

Harald Nørregaard (namaloval Munch v roce 1899, Národní galerie ) byl jedním z Munchových nejbližších přátel od dospívání, poradce a právník

V roce 1897 se Munch vrátil do Kristianie, kde také přijal neochotné přijetí - jeden kritik napsal: „Těchto obrázků bylo již vystaveno slušné množství. Podle mého názoru tyto zlepšují známost.“ V roce 1899 zahájil Munch intimní vztah s Tullou Larsenovou, „osvobozenou“ ženou z vyšší třídy. Společně odcestovali do Itálie a po návratu zahájil Munch další plodné období svého umění, které zahrnovalo krajinu a jeho finální obraz ze série „Vlys života“, Tanec života (1899). Larsen toužil po svatbě a Munch prosil. Jeho pití a špatné zdraví posílily jeho obavy, protože ve třetí osobě napsal: "Už jako dítě nenáviděl manželství. Jeho nemocný a nervózní domov mu dával pocit, že nemá právo se ženit." Munch se Tulle téměř podvolil, ale v roce 1900 před ní uprchl, odvrátil se také od svého značného majetku a přestěhoval se do Berlína. Jeho Girls on the Jetty , vytvořené v osmnácti různých verzích, demonstrovaly téma ženského mládí bez negativních konotací. V roce 1902 vystavoval svá díla tematicky v sále berlínské secese a vytvořil „symfonický efekt - vyvolal velký rozruch - mnoho antagonismu - a velké uznání“. Berlínští kritici začali oceňovat Munchovu práci, přestože veřejnost stále považovala jeho práci za cizí a podivnou.

Dobré tiskové pokrytí získalo Munchovi pozornost vlivných mecenášů Alberta Kollmana a Maxe Linde . Ve svém deníku popsal vývoj událostí: „Po dvaceti letech boje a utrpení mi v Německu konečně přicházejí na pomoc síly dobra - a otevírají se mi světlé dveře“. Navzdory této pozitivní změně ho však Munchovo sebezničující a nevyrovnané chování zahrnovalo nejprve násilnou hádkou s jiným umělcem, poté náhodným střelbou za přítomnosti Tully Larsenové, která se vrátila na krátké usmíření, což zranilo dva jeho prsty. Munch později viděl autoportrét zachycující jeho a Larsena na polovinu v důsledku střelby a následných událostí. Nakonec ho opustila a vdala se za mladšího kolegu Muncha. Munch to vzal jako zradu a nějakou dobu se ponížením pozastavoval a část hořkosti směřoval do nových obrazů. Jeho obrazy Zátiší (Vražedkyně) a Smrt Marata I. , provedené v letech 1906–07, jasně odkazují na incident při střelbě a emocionální následky.

V letech 1903–04 Munch vystavoval v Paříži, kde přicházející fauvisté , známí svými odvážně falešnými barvami, pravděpodobně viděli jeho díla a možná v nich našli inspiraci. Když v roce 1906 uspořádali Fauves svůj vlastní exponát, byl pozván Munch a vystavil svá díla s těmi svými. Poté, co studoval sochu Rodina , Munch možná experimentoval s plastelínou jako pomůckou při navrhování, ale vytvořil malou sochu. Během této doby získal Munch mnoho provizí za portréty a tisky, které zlepšily jeho obvykle nejistou finanční situaci. V roce 1906 namaloval obrazovku pro Ibsenovu hru v malém divadle Kammerspiele umístěném v berlínském Deutsches Theatre , ve kterém visel Frieze of Life . Ředitel divadla Max Reinhardt jej později prodal; nyní je v berlínské národní galerii . Po dřívějším období krajiny v roce 1907 obrátil svou pozornost opět na lidské postavy a situace.

Rozpis a obnova

Munch v roce 1933

Na podzim 1908 se Munchova úzkost, umocněná nadměrným pitím a rvačkami, stala akutní. Jak později napsal: „Můj stav byl na hranici šílenství - bylo to dotykem a pryč“. S výhradou halucinací a pocitů pronásledování vstoupil na kliniku Daniela Jacobsona. Terapie Munch obdržel za dalších osm měsíců zahrnuta strava a „elektrifikace“ (léčba pak módní pro nervové podmínky, nesmí být zaměňována s elektrokonvulzivní terapie ). Munchov pobyt v nemocnici stabilizoval jeho osobnost a po návratu do Norska v roce 1909 se jeho práce stala barevnější a méně pesimistická. Další rozjasnění jeho nálady, široká veřejnost Kristianie se konečně zahřála na jeho práci a muzea začala kupovat jeho obrazy. Byl jmenován rytířem královského řádu svatého Olava „za služby v umění“. Jeho první americká výstava byla v roce 1912 v New Yorku.

V rámci svého uzdravení doktor Jacobson doporučil Munhovi, aby se stýkal pouze s dobrými přáteli a vyhýbal se pití na veřejnosti . Munch se této rady řídil a během toho vytvořil několik celovečerních portrétů vysoké kvality přátel a mecenášů-poctivá vyobrazení postrádající lichotky. Vytvořil také krajiny a scény lidí při práci a hře, a to novým optimistickým stylem - širokými, volnými tahy štětcem zářivých barev s častým využíváním bílého prostoru a vzácným používáním černé - s pouze příležitostnými odkazy na jeho morbidní témata. S větším příjmem byl Munch schopen koupit několik nemovitostí, které mu poskytly nové výhledy pro jeho umění, a nakonec byl schopen zajistit svou rodinu.

Po vypuknutí první světové války jsem našel Muncha s rozdělenou loajalitou, jak uvedl: „Všichni moji přátelé jsou Němci, ale miluji Francii.“ Ve třicátých letech minulého století jeho němečtí patroni, mnozí Židé, při vzestupu nacistického hnutí přišli o jmění a někteří i o život. Munch našel norské tiskárny, aby nahradili Němce, kteří tiskli jeho grafické práce. Vzhledem ke své špatné zdravotní historii měl Munch v roce 1918 štěstí, že přežil záchvat španělské chřipky , celosvětové pandemie toho roku.

Pozdější roky

Munchův hrob na hřbitově našeho Spasitele , Oslo

Munch strávil většinu ze svých posledních dvou desetiletích o samotě v jeho téměř soběstačný panství v Ekely na Skøyen , Oslo. Mnoho z jeho pozdních obrazů oslavuje život na farmě, včetně několika, ve kterých jako model použil svého pracovního koně „Rousseau“. Bez jakéhokoli úsilí přitahoval Munch stálý proud ženských modelů, které maloval jako náměty mnoha nahých obrazů. S některými z nich měl pravděpodobně sexuální vztahy. Munch občas opustil svůj domov, aby na zakázku namaloval nástěnné malby, včetně těch, které byly provedeny pro čokoládovnu Freia .

Do konce svého života Munch pokračoval v malování nešetřících autoportrétů, což přispělo k jeho sebezpytujícímu cyklu jeho života a jeho neochvějné sérii převzetí jeho emocionálních a fyzických stavů. Ve 30. a 40. letech 20. století nacisté označili Munchovo dílo za „ degenerované umění “ (spolu s Picassem , Kleem , Matisse , Gauguinem a mnoha dalšími moderními umělci) a odstranili jeho 82 děl z německých muzeí. Adolf Hitler v roce 1937 oznámil: „Co nás zajímá, ti prehistoričtí barbaři z doby kamenné a koktatelé umění se mohou vrátit do jeskyní svých předků a tam mohou uplatnit své primitivní mezinárodní škrábání“.

V roce 1940 Němci napadli Norsko a nacistická strana převzala vládu. Munchovi bylo 76 let. S téměř celou sbírkou svého umění ve druhém patře svého domu žil Munch ve strachu z nacistické konfiskace. Sedmdesát jedna z obrazů, které nacisté dříve pořídili, bylo vráceno do Norska nákupem sběratelů (dalších jedenáct nebylo nikdy nalezeno), včetně Výkřiku a Nemocného dítěte , a také byly nacistům skryty.

Munch zemřel ve svém domě v Ekely poblíž Osla dne 23. ledna 1944, asi měsíc po jeho 80. narozeninách. Jeho pohřeb řízený nacisty Norům naznačil, že je nacistickým sympatizantem, což je druh přivlastnění nezávislého umělce. Město Oslo koupilo panství Ekely od Munchových dědiců v roce 1946; jeho dům byl zbořen v květnu 1960.

Dědictví

Munchovo muzeum , Oslo

Munchovo muzeum, Oslo

Když Munch zemřel, jeho zbývající práce byly odkázány do města Oslo, který stavěl Munch muzeum u Tøyen (to se otevřelo v roce 1963). V muzeu je sbírka přibližně 1100 obrazů, 4500 kreseb a 18 000 tisků, což je nejširší sbírka jeho děl na světě. Munchovo muzeum slouží jako Munchovovo oficiální panství; působí aktivně v reakci na porušení autorských práv a na odstraňování autorských práv k dílu, jako je například Munchův Výkřik v reklamní kampani M&M z roku 2006 . Americkým zástupcem autorských práv pro Munchovo muzeum a panství Edvarda Muncha je společnost pro práva umělců .

Munchovo umění bylo vysoce personalizované a málo učil. Jeho „soukromá“ symbolika byla mnohem osobnější než u jiných symbolistických malířů, jako byli Gustave Moreau a James Ensor . Munch byl stále velmi vlivný, zejména u německých expresionistů , kteří následovali jeho filozofii: „Nevěřím v umění, které není nutkavým důsledkem Manovy touhy otevřít mu srdce“. Mnoho z jeho obrazů, včetně The Scream , má kromě vysoce osobního významu také univerzální přitažlivost.

Munchova díla jsou nyní zastoupena v mnoha významných muzeích a galeriích v Norsku i v zahraničí. Jeho kabinu, „Šťastný dům“, dostala obec Åsgårdstrand v roce 1944; slouží jako malé Munchovo muzeum. Inventář byl veden přesně tak, jak jej opustil.

Jedna verze filmu The Scream byla ukradena z Národní galerie v roce 1994. V roce 2004 byla další verze filmu The Scream spolu s jednou z Madonny ukradena z Munchova muzea při odvážné loupeži za denního světla. Všichni byli nakonec získáni zpět, ale obrazy ukradené při loupeži v roce 2004 byly značně poškozeny. Byly pečlivě restaurovány a jsou znovu k vidění. V roce 2005 byla hotelu Refsnes Gods odcizena tři díla Muncha ; byli brzy vzpamatováni, přestože jedno z děl bylo při loupeži poškozeno.

V říjnu 2006 barevný dřevoryt Dva lidé. The lonely ( To mennesker. De ensomme ) vytvořil nový rekord pro své tisky, když byl prodán na aukci v Oslu za 8,1 milionu korun (1,27 milionu USD, což odpovídá 1 600 000 USD v roce 2020). Rovněž vytvořil rekord v nejvyšší ceně zaplacené v aukci v Norsku. Dne 3. listopadu 2008 obraz Upír vytvořil nový rekord pro své obrazy, když byl prodán za 38 162 000 USD (ekvivalent 45 900 000 USD v roce 2020) v Sotheby's New York.

Munchův obraz se objevuje na norské bankovce 1 000 korun spolu s obrázky inspirovanými jeho uměleckými díly.

V únoru 2012 proběhla velká výstava Munchů, Edvard Munch. Moderní oko , otevřené v Schirn Kunsthalle Frankfurt ; výstavu zahájila Mette-Marit, korunní princezna Norska .

V květnu 2012 se The Scream prodal za 119,9 milionu USD (ekvivalent 135 200 000 USD v roce 2020) a je druhým nejdražším uměleckým dílem, které kdy bylo v otevřené aukci prodáno. (V listopadu 2013 byl překonán třemi studiemi Luciana Freuda , které se prodávaly za 142,4 milionu USD).

V roce 2013 byly čtyři Munchovy obrazy vyobrazeny v sérii známek norskou poštovní službou , aby si v roce 2014 připomněli 150. výročí jeho narození.

Dne 14. listopadu 2016 se verze Munchových Dívek na mostě prodala za 54,5 milionu USD (ekvivalent 58 800 000 USD v roce 2020) v Sotheby's v New Yorku, což z něj činí druhou nejvyšší cenu dosaženou za jeden z jeho obrazů.

V dubnu 2019 uspořádalo Britské muzeum výstavu Edvard Munch: Love and Angst , která obsahuje 83 uměleckých děl a obsahuje vzácný originální tisk filmu The Scream .

Univerzita Aula

Aula s historií (vlevo), Slunce (vpředu), Alma Mater (vpravo), menší obrazy na rozích

V roce 1911 se mezi Munchem a Emanuelem Vigelandem konala závěrečná soutěž na výzdobu velkých zdí University of Oslo Aula (montážní hala) . Tato epizoda je známá jako „kontroverze Auly“. V roce 1914 byl Munch konečně pověřen výzdobou Auly a práce byla dokončena v roce 1916. Toto hlavní dílo v norské monumentální malbě zahrnuje 11 obrazů o rozloze 223 m ² (2 400 čtverečních stop). Slunce , historie a Alma Mater jsou klíčovými díly této sekvence. Munch prohlásil: „Chtěl jsem, aby dekorace tvořily úplný a nezávislý svět idejí, a chtěl jsem, aby jejich vizuální vyjádření bylo jak výrazně norské, tak univerzálně lidské“. V roce 2014 bylo navrženo, aby obrazy Auly měly hodnotu nejméně 500 milionů korun.

Hlavní práce

Life by Munch, at the Rådhuset (City Hall) in Oslo. Místnost se nazývá The Munch room

• 1885–1886: Nemocné dítě
• 1892: Večer na Karlovi Johanovi
• 1893: Výkřik
• 1894: Popel
• 1894–1895: Madonna
• 1895: Puberta
• 1895: Autoportrét s cigaretou
• 1895: Smrt v Sickroomu
• 1899–1900: Tanec života
• 1899–1900: Mrtvá matka
• 1903: Vesnice v měsíčním světle
• 1940–1942: autoportrét. Mezi hodinami a postelí

Vybraná díla

• 

  Popel , 1894, olej na plátně, 120,5 cm × 141 cm ( 47+1 / 2  v x  55+1 / 2  palce). Nasjonalgalleriet , Oslo

• 

  Tanec života , 1899–1900, olej na plátně, 126 cm × 191 cm ( 49+1 / 2  v x 75 in), Nasjonalgalleriet , Oslo

• 

  U stolu rulety v Monte Carlu , 1892, 74,5 cm × 116 cm ( 29+1 / 4  v x  45+3 / 4  palce), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Smrt na ošetřovně , 1893, 134 cm × 160 cm ( 52+3 / 4  v x 63 in), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Hvězdná noc , 1893, 135,6 cm × 140 cm ( 53+1 / 2  na x 55 in), J. Paul Getty Museum

• 

  Úzkost , 1894, 94 cm × 74 cm (37 palců ×  29+1 / 4  palce), Munch muzeum , Oslo

• 

  Láska a bolest (Upír) , 1895, 91 cm × 109 cm ( 35+3 / 4  v x 43 in), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Smrt v nemocnici , c. 1895, olej na plátně, 150 cm × 168 cm (59 palců × 66 palců), Nasjonalgalleriet , Oslo

• 

  Separace , 1896, 96 cm × 127 cm ( 37+3 / 4  v x 50 in), Munch muzeum , Oslo

• 

  Hlas / letní noc , 1896, 90 cm × 119 cm ( 35+1 / 2  v x  46+3 / 4  palce), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Červená a bílá , 1899–1900, 93 cm × 129 cm ( 36+1 / 2  v x  50+3 / 4  palce), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Golgota , 1900, olej na plátně, Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Polibek IV , 1902, dřevoryt tisk na dřevo, 47 cm × 47 cm ( 18+1 / 2  v x  18+1 / 2 palce  ), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Čtyři dívky v Åsgårdstrand , 1903, 87 cm × 111 cm ( 34+1 / 4  v x  43+3 / 4  palce), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Brož, Eva Mudocci , 1903, litografický tisk na papíře, 76 cm × 53,2 cm (30 palců × 21 palců), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Portrét Friedricha Nietzscheho , 1906, Thiel Gallery , Stockholm

• 

  Žárlivost , 1907, 75 cm × 98 cm ( 29+1 / 2  v x  38+1 / 2 palce  ), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Slunce , 1910–1911, 450 cm × 772 cm ( 177+1 / 4  v × 304 in), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Cválající kůň , 1910–12, 148 cm × 120 cm ( 58+1 / 4  v ×  47+1 / 4  palce), Munch muzeum , Oslo

• 

  The Yellow Log , 1912, 129,5 cm × 159,5 cm (51 palců ×  62+3 / 4  palce), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Dělníci na cestě domů , 1913–14, 227 cm × 201 cm ( 89+1 / 4  v x  79+1 / 4  palce), Munch muzeum , Oslo

Akty

• 

  Ruce , 1893, olej na plátně, 91 x 77 cm, Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Puberta , 1894–1895, olej na plátně, 151,5 x 110 cm, Národní galerie (Norsko)

• 

  Dáma od moře (detail), 1896, olej na plátně. 100 cm × 320 cm ( 39+1 / 2  v x 126 v)

• 

  Metabolismus , 1898–1899, 172 cm × 142 cm ( 67+3 / 4  v x 56 in), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Death of Marat I 1907, 150 x 199 cm, Munch Museum , Oslo

• 

  Bathing Men , 1907–1908, olej na plátně, 206 x 227,5 cm, Ateneum , Helsinky

• 

  Plačící žena , 1907–1909, olej na plátně, soukromá sbírka

• 

  Ranní zívání , 1913, olej na plátně, 108 × 98 cm, Muzea umění v Bergenu

• 

  Plačící akt , 1913–1914, 110 cm × 135 cm ( 43+1 / 4  v x  53+1 / 4  palce), Munch muzeum , Oslo

• 

  Model proutěného křesla , 1919–1921, olej na plátně, 122,5 × 100 cm, Munchovo muzeum , Oslo

Autoportréty

• 

  Autoportrét , 1882, 26 cm × 19 cm ( 10+1 / 4  v x  7+1 / 2 palce  ), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Autoportrét v pekle , 1903, 82 cm × 66 cm ( 32+1 / 4  v x 26 in), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Autoportrét s kartáči , 1904, 197 cm × 91 cm ( 77+1 / 2  v x  35+3 / 4  palce), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Autoportrét s lahví vína , 1906, 110 cm × 120 cm ( 43+1 / 4  v ×  47+1 / 4  palce), Munch muzeum , Oslo

• 

  Autoportrét se španělskou chřipkou , 1919, olej na plátně, 150 x 131 cm, Národní galerie (Norsko)

• 

  Autoportrét. Mezi hodinami a postelí , c. 1940–1943, Munchovo muzeum , Oslo

Krajiny

• 

  Malé jezero s lodí ', 1880, olej na papíře na desce, 12 x 18 cm, Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Od Sandviken , c. 1882, olej na lepence, 20 x 25 cm, Flaten Art Museum

• 

  Ze Saxegårdsgate , c. 1882, olej na plátně, Lillehammer Art Museum , Lillehammer

• 

  Skica pro 'Popel' , 1894, olej na plátně, Bergen Kunstmuseum

• 

  Train Smoke , 1900, 84 cm × 109 cm (33 palců × 43 palců), Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Shore with Red House , 1904, olej na plátně, 69 × 109 cm, Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Krajina u moře , 1918, olej na plátně, 120,9 x 160, Kunstmuseum Basel

• 

  Hvězdná noc , 1922-1924, olej na plátně, 120,5 x 100 cm, Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Zimní noc, Ekely , 1930-1931, olej na plátně

Fotografie

• 

  Autoportrét na 53 am Strom ve Warnemünde , 1907, Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Edvard Munch na pláži ve Warnemünde , 1907, Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Autoportrét „à la Marat“ , 1908–09, Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Autoportrét někde na kontinentu I , 1906, Munchovo muzeum , Oslo

• 

  Portrét ve věku 26 let

• 

  Portrét Edvarda Muncha 1902

• 

  Portrét Edvarda Muncha

• 

  Munch v roce 1912

• 

  Rosa Meissner v hotelu Rohn ve Warnemünde , 1907, fotografie, Munchovo muzeum , Oslo

Viz také

• Edvard Munch , životopisný film z roku 1974

Reference

Poznámky

Citace

Prameny

Další čtení

externí odkazy

• Edvard Munch v Muzeu moderního umění
• Oslo jde vysoko na Old Munch
• Munch at Olga's Gallery - velká online sbírka Munchových děl (více než 200 obrazů)
• Munch v artcyklopedii
• Edvard Munch na WikiGallery.org
• Výstava „Edvard Munch L'oeil moderne“ - Centrum Pompidou, Paříž 2011
• Edvard Munch v norském Národním muzeu umění, architektury a designu