Umění Evropy - Art of Europe

Apelles maluje Campaspe , umělecké dílo, které ukazuje lidi obklopené výtvarným uměním; od Willem van Haecht ; C. 1630; olej na panelu; výška: 104,9 cm, šířka: 148,7 cm; Mauritshuis ( Haag , Nizozemsko )
Umění malby ; od Johannesa Vermeera ; 1666–1668; olej na plátně; 1,3 x 1,1 m; Kunsthistorisches Museum ( Vídeň , Rakousko )

Umění Evropy nebo západní umění , zahrnuje historii a výtvarného umění v Evropě . Evropská prehistorické umění začalo jako mobilní mladého paleolitu skály a jeskyně, malování a Petroglyph umění a byla charakteristická pro období od paleolitu a starší doby železné . Písemné dějiny evropského umění často začínají uměním starověkého Izraele a starověkých egejských civilizací , pocházející z 3. tisíciletí před naším letopočtem. Souběžně s těmito významnými kulturami umění té či oné formy existovalo po celé Evropě, ať už tam byli lidé, zanechávající znaky jako řezby, zdobené artefakty a obrovské stojící kameny. Konzistentní vzor uměleckého vývoje v Evropě se však vyjasňuje až s uměním starověkého Řecka , přijatým a transformovaným Římem a neseným; s Římskou říší , napříč velkou částí Evropy, severní Afriky a západní Asie .

Vliv umění klasického období narůstal a slábl v průběhu příštích dvou tisíc let, zdálo se, že v částech středověku sklouzl do vzdálené paměti , znovu se objevil v renesanci , trpěl obdobím, jaké někteří raní historici umění vnímán jako „úpadek“ v období baroka , znovu se objevit v rafinované podobě v neoklasicismu a znovuzrození v postmoderně .

Před 19. stoletím měla křesťanská církev velký vliv na evropské umění, církevní zakázky, architektonické, malířské a sochařské, poskytující umělcům hlavní zdroj práce. Během této doby se dějiny církve velmi odrážely v dějinách umění. Ve stejném období se obnovil zájem o hrdiny a hrdinky, příběhy mytologických bohů a bohyň, velké války a bizarní stvoření, která nebyla spojená s náboženstvím. Většina umění za posledních 200 let byla vytvořena bez odkazu na náboženství a často s žádnou konkrétní ideologií , ale umění bylo často ovlivněno politickými problémy, ať už odrážely obavy patronů nebo umělce.

Evropské umění je uspořádáno do řady stylových období, která se historicky navzájem překrývají, protože v různých oblastech vzkvétaly různé styly. Obecně jde o období klasického , byzantského , středověkého , gotického , renesančního , barokního , rokokového , neoklasického , moderního , postmoderního a nového evropského malířství .

Pravěké umění

Evropské prehistorické umění je důležitou součástí evropského kulturního dědictví. Prehistorická historie umění je obvykle rozdělena do čtyř hlavních období: doba kamenná , neolit , doba bronzová a doba železná . Většina zbývajících artefaktů tohoto období jsou malé sochy a jeskynní malby.

Venuše z Willendorfu ; C. 26 000 př. N. L. (Gravettienské období); vápenec s okrovým zbarvením; Naturhistorisches Museum ( Vídeň , Rakousko)

Hodně přežívajícím prehistorickým uměním jsou malé přenosné sochy s malou skupinou ženských figur Venuše , jako je Venuše z Willendorfu (24 000–22 000 př. N. L.), Která se nachází ve střední Evropě; 30 cm vysoká Löwenmenschova figurka asi 30 000 př. n. l. nemá téměř žádné kousky, které by s ní mohly souviset. Plavání Sobí asi 11,000 BCE je jedním z nejlepších řady magdalénienu řezbářské v kostech a paroží zvířat v umění mladého paleolitu , ačkoli oni jsou v menšině rytými kousků, které jsou někdy klasifikovány jako sochy. Se začátkem mezolitu v Evropě se figurální sochařství značně omezilo a zůstalo v umění méně obvyklým prvkem než reliéfní výzdoba praktických předmětů, a to navzdory některým dílům, jako je například kotel Gundestrup z evropské doby železné a doby bronzové Trundholm sluneční vůz .

Nejstarší evropské jeskynní umění pochází ze 40 800 a najdete ho v jeskyni El Castillo ve Španělsku. Mezi další jeskynní malířská místa patří Lascaux , Cave of Altamira , Grotte de Cussac , Pech Merle , Cave of Niaux , Chauvet Cave , Font-de-Gaume , Creswell Crags, Nottinghamshire, England, (Cave leptů a basreliéfů objevených v roce 2003), Jeskyně Coliboaia z Rumunska (považována za nejstarší jeskynní malbu ve střední Evropě ) a Magura, Belogradchik, Bulharsko. Skalní malba byla také prováděna na stěnách útesů, ale méně z nich přežilo kvůli erozi. Známým příkladem jsou skalní malby Astuvansalmi ve finské oblasti Saimaa. Když se Marcelino Sanz de Sautuola v roce 1879 poprvé setkal s magdalénskými malbami jeskyně Altamira ve španělské Kantábrii, tehdejší akademici je považovali za podvody. Nedávná přehodnocení a řada dalších objevů od té doby prokázaly jejich autenticitu a současně stimulovaly zájem o umění mladopaleolitických národů. Jeskynní malby prováděné pouze s těmi nejzákladnějšími nástroji mohou také poskytnout cenný vhled do kultury a přesvědčení té doby.

Rock umění Iberského Středomoří představuje velmi odlišný styl s lidskou postavu hlavním zaměřením, často viděn ve velkých skupinách, s bitvách, tanec a lov zastoupeny, jakož i dalšími aktivitami a podrobnosti, jako je oblečení. Postavy jsou obecně dosti útržkovitě znázorněny tenkou barvou, přičemž vztahy mezi skupinami lidí a zvířat jsou zobrazeny pečlivěji než jednotlivé figury. Jiné méně početné skupiny skalního umění, mnohé spíše ryté než malované, vykazují podobné vlastnosti. Věří se, že iberské příklady pocházejí z dlouhého období, které pravděpodobně pokrývalo svrchní paleolit, mezolit a raný neolit.

Prehistorické keltské umění pochází z velké části Evropy z doby železné a přežívá hlavně ve formě vysoce kvalitních kovových děl dovedně zdobených složitými, elegantními a většinou abstraktními vzory, často využívajícími zakřivené a spirálové tvary. Existují lidské hlavy a některá plně zastoupená zvířata, ale celovečerní lidské postavy jakékoli velikosti jsou tak vzácné, že jejich absence může představovat náboženské tabu. Když Římané dobyli keltská území, téměř úplně zmizeli, ale tento styl pokračoval v omezeném používání na Britských ostrovech a s příchodem křesťanství tam ožil v ostrovním stylu raného středověku.

Starověký

Minojské

Minojské civilizace na Krétě je považován za nejstarší civilizace v Evropě. Minojské umění je poznamenáno nápaditými obrazy a výjimečným zpracováním. Sinclair Hood popsal „základní kvalitu nejlepšího minojského umění, schopnost vytvořit atmosféru pohybu a života, i když se řídí souborem vysoce formálních konvencí“. Tvoří součást širšího seskupení egejského umění a v pozdějších obdobích přišel na nějaký čas dominantní vliv na kykladské umění . Dřevo a textil se rozložily, takže nejvíce dochovanými příklady minojského umění jsou keramika , složitě vyřezávané minojské pečetě , .palácové fresky zahrnující krajinu), malé sochy z různých materiálů, šperky a zámečnické práce.

Vztah minojského umění k vztahu jiných současných kultur a pozdějšího starověkého řeckého umění byl hodně diskutován. To jasně dominovalo mykénskému umění a kykladskému umění stejných období, dokonce i poté, co byla Kréta okupována Mykény, ale jen některé aspekty tradice přežily řecký temný věk po rozpadu mykénského Řecka .

Minojské umění má různé náměty, většina z nich se objevuje v různých médiích, ačkoli pouze některé styly keramiky obsahují figurální scény. Bull-skákající se objevuje v malbě a několika typech soch a předpokládá se, že měl náboženský význam; býčí hlavy jsou také oblíbeným předmětem terakoty a dalších sochařských materiálů. Neexistují žádné postavy, které by se zdály být portréty jednotlivců, nebo by byly zjevně královské, a identity náboženských osobností jsou často orientační, přičemž učenci si nejsou jisti, zda jde o božstva, duchovenstvo nebo oddané. Stejně tak zdaleka není jasné, zda malované místnosti byly „svatyně“ nebo světské; o jedné místnosti v Akrotiri se tvrdí, že je to ložnice se zbytky postele nebo svatyně.

Často jsou zobrazována zvířata, včetně neobvyklé rozmanitosti mořské fauny; „ Marine Style “ je druh malované palácové keramiky z MM III a LM IA, která maluje mořské tvory včetně chobotnice šířící se po celé lodi, a pravděpodobně pochází z podobných scén s freskami; někdy se tyto objevují v jiných médiích. Scény lovu a válčení a koní a jezdců se většinou nacházejí v pozdějších obdobích, v pracích, které snad vyrobili Kréťané pro mykénský trh nebo mykénští vládci Kréty.

Zatímco minojské postavy, ať už lidské nebo zvířecí, mají velký smysl pro život a pohyb, často nejsou příliš přesné a druh je někdy nemožné identifikovat; ve srovnání se staroegyptským uměním jsou často živější, ale méně naturalistické. Ve srovnání s uměním jiných starověkých kultur existuje vysoký podíl ženských postav, ačkoli myšlenka, že Minojci měli pouze bohyně a žádné bohy, je nyní zlevněna. Většina lidských postav je v profilu nebo ve verzi egyptské konvence s hlavou a nohama v profilu a trupem viděným čelně; ale minojské postavy přehánějí rysy, jako je štíhlý mužský pas a velká ženská prsa.

Klasická řečtina a helénistika

Starověké Řecko mělo skvělé malíře, skvělé sochaře a skvělé architekty. Parthenon je příkladem jejich architektury, která trvala do moderních dnech. Řecká mramorová socha je často popisována jako nejvyšší forma klasického umění. Malba na keramiku starověkého Řecka a keramiku poskytuje obzvláště informativní pohled na způsob fungování společnosti ve starověkém Řecku. Váza s černou figurou a váza s červenou figurou poskytuje mnoho dochovaných příkladů toho, co byla řecká malba. Někteří slavní řečtí malíři na dřevěných panelech, kteří jsou zmíněni v textech, jsou Apelles , Zeuxis a Parrhasius , ale žádné příklady starověké řecké deskové malby nepřežily, pouze písemné popisy jejich současníky nebo pozdějšími Římany. Zeuxis žil v letech 5–6 př. N. L. A údajně jako první používal sfumato . Podle Plinia staršího byl realismus jeho obrazů takový, že se ptáci pokusili jíst pomalované hrozny. Apelles je popisován jako největší malíř starověku pro perfektní techniku ​​kresby, brilantních barev a modelování.

římský

Římské umění bylo ovlivněno Řeckem a může být částečně považováno za potomka starověké řecké malby a sochařství, ale bylo také silně ovlivněno místnějším etruským uměním Itálie. Římské sochařství je především portrétem odvozeným z vyšších vrstev společnosti a také vyobrazením bohů. Římská malba však má důležité jedinečné vlastnosti. Mezi dochovanými římskými malbami jsou nástěnné malby, mnohé z vil v Kampánii , v jižní Itálii, zejména v Pompejích a Herculaneum . Taková malba může být seskupena do čtyř hlavních „stylů“ nebo období a může obsahovat první příklady trompe-l'oeil , pseudo-perspektivy a čisté krajiny.

Téměř všechny dochované malované portréty ze starověkého světa jsou velkým počtem rakevních portrétů podoby poprsí, které se nacházejí na pozdně antickém hřbitově Al-Fayum . Poskytují představu o kvalitě, jakou muselo mít nejlepší antické dílo. Velmi malý počet miniatur z ilustrovaných knih z pozdní antiky také přežil a jejich větší počet kopií z období raného středověku. Rané křesťanské umění vyrostlo z římského populárního a později císařského umění a přizpůsobilo svou ikonografii z těchto zdrojů.

Středověký

Nejvíce přežívající umění ze středověku bylo zaměřeno na náboženství, často financované církví , mocnými církevními jednotlivci, jako jsou biskupové , komunální skupiny jako opatství nebo bohatí světští patroni . Mnohé měly specifické liturgické funkce - například procesní kříže a oltářní obrazy .

Jedna z ústředních otázek středověkého umění se týká jeho nedostatku realismu. S pádem Říma se ztratilo velké množství znalostí o perspektivě v umění a porozumění lidské postavě . Realismus však nebyl hlavním zájmem středověkých umělců. Jednoduše se pokoušeli vyslat náboženské poselství, úkol, který vyžaduje přesně ikonické obrazy namísto přesně vykreslených.

Časové období : 6. století až 15. století

Raně středověké umění

Umění období migrace je obecný termín pro umění „barbarských“ národů, kteří se přestěhovali do dříve římských území. V keltském umění v 7. a 8. století došlo ke spojení s germánskými tradicemi prostřednictvím kontaktu s anglosasy a vzniklo to, čemu se říká hiberno-saský styl nebo ostrovní umění , které mělo mít ve zbytku středověku velký vliv. Merovingian art popisuje umění Franks před asi 800, kdy karolínské umění kombinovalo ostrovní vlivy s vědomým klasickým oživením, které se vyvinulo do ottonského umění . Anglosaské umění je umění Anglie po ostrovním období. Iluminované rukopisy obsahují téměř všechny dochované malby z této doby, ale důležitými médii byla také architektura, zámečnické práce a drobné vyřezávané práce ze dřeva nebo slonoviny.

byzantský

Byzantské umění se překrývá nebo splývá s tím, čemu říkáme rané křesťanské umění, až do obrazoboreckého období 730-843, kdy byla zničena drtivá většina uměleckých děl s postavami; zbývá tak málo, že dnes jakýkoli objev vrhá nové porozumění. Po roce 843 až do roku 1453 existuje jasná byzantská umělecká tradice. Často je to nejlepší umění středověku, pokud jde o kvalitu materiálu a zpracování, přičemž výroba je zaměřena na Konstantinopol. Vrcholem byzantského umění byly monumentální fresky a mozaiky uvnitř klenutých kostelů, z nichž většina nepřežila kvůli přírodním katastrofám a přivlastnění kostelů k mešitám.

románský

Románské umění se vztahuje k období od asi 1000 do vzestupu gotického umění ve 12. století. Bylo to období rostoucí prosperity a první, kdo viděl souvislý styl používaný v celé Evropě, od Skandinávie po Sicílii. Románské umění je dynamické a přímé, původně bylo pestrobarevné a často velmi sofistikované. Vitráže a smalt na kovářství se staly důležitými médii a vyvinuly se větší sochy v kole, ačkoli hlavní technikou byl vysoký reliéf . Jeho architektuře dominují silné zdi a okna a oblouky s kulatou hlavou s hodně vyřezávanou výzdobou.

gotický

Gotické umění je proměnlivý termín v závislosti na řemesle, místě a čase. Termín vznikl s gotickou architekturou v roce 1140, ale gotická malba se objevila až kolem roku 1200 (toto datum má mnoho kvalifikací), kdy se odchýlilo od románského slohu. Gotická socha se zrodila ve Francii v roce 1144 s rekonstrukcí opatského kostela S. Denis a rozšířila se po celé Evropě, do 13. století se stala mezinárodním stylem, který nahradil románský. Mezinárodní gotika popisuje gotické umění zhruba od roku 1360 do roku 1430, načež gotické umění splývá s uměním renesančním v různých dobách na různých místech. Během tohoto období se formy, jako je malba, na fresce a na panelu, stávají nově důležitými a konec období zahrnuje nová média, jako jsou tisky.

renesance

Leonardo da Vinci ‚s Vitruvian Man ( Uomo Vitruviano ) (c. 1490), vlivné dílo z období renesance. Kresba je inspirovat a následně pojmenoval podle prvního století před naším letopočtem římským architektem -author Vitruvius a jeho představami o „ideální“ lidských tělesných proporcí , jež byly shledány v jeho De architectura . Kresba zdůrazňuje fascinaci hnutí řecko-římskými civilizacemi a přivlastňování klasického umění a jeho snahu o korelaci mezi stavbou těla a přírodou.

Renaissance se vyznačuje důrazem na umění starověkého Řecka a Říma , což vedlo k mnoha změnám v obou technických aspektů malířství a sochařství, stejně jako k jejich předmětu. Začalo to v Itálii , zemi bohaté na římské dědictví i materiální blahobyt pro financování umělců. Během renesance začali malíři vylepšovat realismus své práce pomocí nových technik v perspektivě , čímž autentičtěji představovali tři dimenze . Umělci také začali používat nové techniky v manipulaci se světlem a tmou, například kontrast tónu evidentní v mnoha Titianových portrétech a vývoj sfumata a šerosvitu od Leonarda da Vinciho . Sochaři také začali znovu objevovat mnoho starověkých technik, jako je contrapposto . V souladu s humanistickým duchem doby se umění stalo předmětem více sekulárním a kromě křesťanských témat zobrazovalo i starověkou mytologii . Tento žánr umění je často označován jako renesanční klasicismus . Na severu bylo nejdůležitější renesanční novinkou rozšířené používání olejových barev , které umožňovalo větší barvu a intenzitu.

Od gotiky po renesanci

Během pozdní 13. století a počátku 14. století, hodně z malby v Itálii byl byzantského charakteru, zejména to Duccio Siena a Cimabue z Florencie, zatímco Pietro Cavallini v Římě byl více gotický ve stylu. V průběhu 13. století začali italští sochaři čerpat inspiraci nejen ze středověkých prototypů, ale také z antických děl.

V roce 1290 začal Giotto malovat způsobem, který byl méně tradiční a více vycházel z pozorování přírody. Jeho slavný cyklus v kapli Scrovegni v Padově je považován za počátky renesančního stylu .

Ostatní malíři 14. století byli přeneseni gotickým stylem do velkého propracovanosti a detailu. Mezi tyto malíře patří Simone Martini a Gentile da Fabriano .

V Nizozemsku vedla technika malby v olejích spíše než v temperách k formě zpracování, která nebyla závislá na aplikaci plátkového zlata a ražení, ale na drobném zobrazení přírodního světa. V této době se vyvinulo umění malování textur s velkým realismem. Nizozemští malíři jako Jan van Eyck a Hugo van der Goes měli mít velký vliv na pozdně gotickou a raně renesanční malbu.

Raná renesance

Myšlenky renesance se poprvé objevily v městském státě Florencie v Itálii . Sochař Donatello se vrátil ke klasickým technikám, jako je contrapposto a klasickým předmětům, jako je nepodporovaný akt-jeho druhá socha Davida byla první volně stojící bronzovou aktem vytvořenou v Evropě od dob Římské říše. Sochař a architekt Brunelleschi studoval pro inspiraci architektonické myšlenky starověkých římských staveb. Masaccio zdokonalilo prvky, jako je kompozice, individuální výraz a lidská forma, k malování fresek, zejména těch v Brancacciho kapli , s překvapivou elegancí, dramatičností a emocemi.

Pozoruhodný počet těchto významných umělců pracoval na různých částech florentské katedrály . Brunelleschiho dóm pro katedrálu byl jednou z prvních skutečně převratných architektonických novinek od gotické vzpěry. Donatello vytvořil mnoho svých soch. Do katedrály přispěli také Giotto a Lorenzo Ghiberti .

Vysoká renesance

Mezi umělce vrcholné renesance patří postavy jako Leonardo da Vinci , Michelangelo Buonarroti a Raffaello Sanzio .

Umělecký vývoj v 15. pro 16. století. Přestože vrcholnou renesanci necharakterizuje žádný singulární styl, umění těch, kteří jsou s tímto obdobím nejvíce spojeni - Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo a Titian - předvádí ohromující mistrovství, technické i estetické. Vysoce renesanční umělci vytvářeli díla s takovou autoritou, že se generace těchto pozdějších umělců při výuce spoléhaly na tato díla. Tyto ukázkové umělecké výtvory ještě zvýšily prestiž umělců. Umělci se mohli hlásit k božské inspiraci, čímž pozvedli výtvarné umění do stavu, který byl dříve dán pouze poezii. Na své si tak přišli malíři, sochaři a architekti, kteří si pro svoji práci úspěšně nárokovali vysoké postavení mezi výtvarným uměním. V jistém smyslu mistři 16. století vytvořili novou profesi s vlastními právy na vyjádření a se svým ctihodným charakterem.

Severní umění až do renesance

Raná holandská malba vyvinula (ale striktně nevymýšlela) techniku olejomalby, která umožňovala větší kontrolu při malování drobných detailů s realismem - Jan van Eyck  (1366–1441) byl postavou v pohybu od iluminovaných rukopisů k deskovým obrazům .

Hieronymus Bosch (1450? - 1516), holandský malíř, je další důležitou postavou severní renesance . Ve svých obrazech používal náboženská témata, ale kombinoval je s groteskními fantaziemi, barevnými obrazy a rolnickými lidovými legendami. Jeho obrazy často odrážejí zmatek a úzkost související s koncem středověku.

Albrecht Dürer představil italský renesanční styl do Německa na konci 15. století a ovládl německé renesanční umění.

Časové období :

  • Italská renesance: Konec 14. století až začátek 16. století
  • Severní renesance: 16. století

Manýrismus, baroko a rokoko

Rozdíly mezi barokním a rokokovým uměním
Barokní umění bylo charakterizováno silně náboženskými a politickými tématy; společné vlastnosti zahrnovaly bohaté barvy se silným kontrastem světla a tmy. Obrazy byly propracované, emocionální a dramatické povahy. Na snímku Caravaggio ‚s Kristem na sloupci ( Cristo alla Colonna )
Rokokové umění se vyznačovalo lehčími, často jokulárními tématy; společné rysy zahrnovaly bledé, krémové barvy, květinové dekorace a zálibu v bukolické krajině. Obrazy byly ozdobnější než jejich barokní protějšek a byly obvykle půvabné, hravé a odlehčené povahy.

V evropském umění vytvořil renesanční klasicismus dvě různá hnutí - manýrismus a baroko . Manýrismus, reakce proti idealistické dokonalosti klasicismu, využíval zkreslení světelných a prostorových rámců, aby zdůraznil emocionální obsah obrazu a emoce malíře. Dílo El Greca je zvláště jasným příkladem manýrismu v malbě na konci 16., na počátku 17. století. Severní manýrismus se vyvíjel déle a byl z velké části hnutím poslední poloviny 16. století. Barokní umění pozvedlo renesanční reprezentaci na novou úroveň a při hledání krásy klade důraz na detaily, pohyb, osvětlení a drama. Snad nejznámějšími barokními malíři jsou Caravaggio , Rembrandt , Peter Paul Rubens a Diego Velázquez .

Docela odlišné umění se vyvinulo ze severních realistických tradic v holandské malbě zlatého věku 17. století , která měla velmi málo náboženského umění a malířství historie , místo toho hrála klíčovou roli při rozvoji sekulárních žánrů, jako je zátiší , žánrové obrazy každodenních scén a krajinomalba . Zatímco barokní povaha Rembrandtova umění je jasná, etiketa je pro Vermeera a mnoho dalších holandských umělců méně využitelná . Na tomto trendu se podílela vlámská barokní malba a pokračovala ve výrobě tradičních kategorií.

Barokní umění je často vnímáno jako součást protireformace- uměleckého prvku oživení duchovního života v římskokatolické církvi . Navíc důraz, který barokní umění kladlo na vznešenost, je v přírodě považován za absolutista . V barokním uměleckém kontextu byla široce zkoumána náboženská a politická témata a obrazy i sochy se vyznačovaly silným prvkem dramatu, emocí a teatrálnosti. Mezi slavné barokní umělce patří Caravaggio nebo Rubens . Artemisia Gentileschi byla dalším pozoruhodným umělcem, který se inspiroval Caravaggiovým stylem. Barokní umění bylo v přírodě obzvláště ozdobené a propracované, často používalo bohaté, teplé barvy s tmavými podtóny. Pompéznost a vznešenost byly obecně důležitými prvky barokního uměleckého hnutí, jak je vidět, když Ludvík XIV. Řekl: „Jsem vtělenost vznešenosti“; mnoho barokních umělců sloužilo králům, kteří se snažili dosáhnout tohoto cíle. Barokní umění bylo v mnoha ohledech podobné umění renesančnímu; ve skutečnosti byl tento termín původně používán derogativně k popisu post-renesančního umění a architektury, které byly příliš komplikované. Barokní umění lze považovat za propracovanější a dramatičtější přestavbu pozdně renesančního umění.

V 18. století však barokní umění vypadávalo z módy, protože ho mnozí považovali za příliš melodramatické a také ponuré, a vyvinulo se do rokoka , které se objevilo ve Francii. Rokokové umění bylo ještě propracovanější než baroko, ale bylo méně závažné a hravější. Zatímco baroko používalo bohaté a výrazné barvy, rokoko používalo světlé, krémovější odstíny. Umělecké hnutí již nekladlo důraz na politiku a náboženství, místo toho se zaměřovalo na lehčí témata, jako je romantika, oslavy a oceňování přírody. Rokokové umění také kontrastovalo s barokem, protože často odmítlo symetrii ve prospěch asymetrických návrhů. Kromě toho hledala inspiraci v uměleckých formách a ozdobách Dálné východní Asie , což vedlo k nárůstu ve prospěch porcelánových figurek a chinoiserie obecně. Styl 18. století na krátkou dobu vzkvétal; nicméně rokokový styl brzy upadl v nemilost, protože byl mnohými považován za křiklavé a povrchní hnutí zdůrazňující estetiku nad významem. Neoklasicismus se v mnoha ohledech vyvinul jako protipohyb rokoka, jehož impulsem byl pocit znechucení směřující k jeho floridním vlastnostem.

Manýrismus (16. století)

Baroko (počátek 17. století až polovina počátku 18. století)

Rokoko (počátek až polovina 18. století)

Neoklasicismus, romantismus, akademismus a realismus

Neoklasické umění, inspirované různými klasickými tématy, se vyznačovalo důrazem na jednoduchost, řád a idealismus. Na snímku Antonio Canova je psychika oživil Cupid Kiss (1787-1793)

Skrz 18. století se v různých částech Evropy objevilo pultové hnutí proti rokoku, běžně známé jako neoklasicismus . Pohrdala vnímanou povrchností a lehkomyslností rokokového umění a toužila po návratu k jednoduchosti, řádu a „purismu“ klasického starověku, zejména starověkého Řecka a Říma. Hnutí bylo částečně ovlivněno také renesancí, která sama byla silně ovlivněna klasickým uměním. Neoklasicismus byl uměleckou složkou intelektuálního hnutí známého jako osvícenství ; osvícenství bylo idealistické a kladlo důraz na objektivitu, rozum a empirickou pravdu. Neoklasicismus se v Evropě rozšířil po celé 18. století, zejména ve Velké Británii , kde během tohoto období vznikala velká díla neoklasicistní architektury; Neoklasicistickou fascinaci klasickou antikou lze vidět na popularitě Grand Tour během tohoto desetiletí, kdy bohatí aristokraté cestovali do starobylých ruin Itálie a Řecka. Nicméně rozhodující okamžik neoklasicismu nastal během francouzské revoluce na konci 18. století; ve Francii bylo rokokové umění nahrazeno preferovaným neoklasicistním uměním, které bylo považováno za vážnější než dřívější hnutí. V mnoha ohledech lze neoklasicismus vnímat jako politické hnutí, tak jako umělecké a kulturní hnutí. Neoklasické umění klade důraz na řád, symetrii a klasickou jednoduchost; mezi běžná témata neoklasického umění patří odvaha a válka, jak se běžně zkoumalo ve starověkém řeckém a římském umění. Ingres , Canova a Jacques-Louis David patří k nejznámějším neoklasicistům.

Stejně jako manýrismus odmítal klasicismus, tak romantismus odmítal myšlenky osvícenství a estetiku neoklasicistů. Romantismus odmítl vysoce objektivní a uspořádanou povahu neoklasicismu a rozhodl se pro individuálnější a emocionálnější přístup k umění. Romantismus kladl důraz na přírodu, zvláště když chtěl vykreslit sílu a krásu přírodního světa a emoce, a hledal vysoce osobní přístup k umění. Romantické umění bylo o individuálních pocitech, nikoli o běžných tématech, jako například v neoklasicismu; takovým způsobem romantické umění často používalo barvy k vyjádření pocitů a emocí. Podobně jako neoklasicismus, romantické umění čerpalo velkou část inspirace ze starověkého řeckého a římského umění a mytologie, přesto, na rozdíl od neoklasicismu, byla tato inspirace primárně používána jako způsob vytváření symboliky a obraznosti. Romantické umění také čerpá velkou část svých estetických kvalit ze středověku a gotiky , stejně jako z mytologie a folkloru . Mezi největší romantické umělce patřili Eugène Delacroix , Francisco Goya , JMW Turner , John Constable , Caspar David Friedrich , Thomas Cole a William Blake .

Většina umělců se pokusila zaujmout centristický přístup, který přijal různé rysy neoklasicistických a romantických stylů, aby je syntetizoval. Různé pokusy proběhly ve Francouzské akademii a souhrnně se jim říká akademické umění . Adolphe William Bouguereau je považován za hlavní příklad tohoto proudu umění.

Na počátku 19. století se tvář Evropy radikálně změnila industrializací . Chudoba, bída a zoufalství měly být osudem nové dělnické třídy vytvořené „revolucí“. V reakci na tyto změny probíhající ve společnosti se objevilo hnutí realismu . Realismus se snažil přesně vykreslit podmínky a útrapy chudých v naději na změnu společnosti. Na rozdíl od romantismu, který byl vůči lidstvu v zásadě optimistický, nabízel realismus ostrou vizi chudoby a zoufalství. Podobně, zatímco romantismus oslavoval přírodu, realismus zobrazoval život v hlubinách městské pustiny. Stejně jako romantismus byl realismus literárním i uměleckým hnutím. Mezi velké realistické malíře patří mimo jiné Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Gustave Courbet , Jean-François Millet , Camille Corot , Honoré Daumier , Édouard Manet , Edgar Degas (oba považováni za impresionisty ) a Thomas Eakins .

Odezva architektury na industrializaci, v příkrém kontrastu k ostatním uměním, směřovala k historismu. Ačkoli železniční stanice postavené v tomto období jsou často považovány za nejpravdivější odlesky jeho ducha - někdy se jim říká „katedrály doby“ - hlavní pohyby v architektuře v průmyslovém věku byly oživení stylů z dávné minulosti, jako např. Gothic Revival . Související pohyby byly Prerafaelitské bratrstvo , které se pokusilo vrátit umění do stavu „čistoty“ před Rafaelem , a Hnutí umění a řemesel , které reagovalo proti neosobnosti hromadně vyráběného zboží a zasazovalo se o návrat ke středověkému řemeslu.

Časové období :

Moderní umění

Impresionismus byl známý pro jeho použití světla a pohybu v jeho obrazech, jak v Claude Monet je 1902 budovy parlamentu, západ slunce

Umění a jazyk jsou známé svým hlavním přínosem pro konceptuální umění.

Z naturalistické etiky realismu vyrostlo hlavní umělecké hnutí, impresionismus . Impresionisté propagovali používání světla v malbě, když se pokoušeli zachytit světlo z lidského oka. Edgar Degas , Édouard Manet , Claude Monet , Camille Pissarro a Pierre-Auguste Renoir byli všichni zapojeni do impresionistického hnutí. Jako přímý následek impresionismu přišel vývoj postimpresionismu . Paul Cézanne , Vincent van Gogh , Paul Gauguin , Georges Seurat jsou nejznámější postimpresionisté.

V návaznosti na impresionisty a postimpresionisty přišel fauvismus , často považovaný za první „moderní“ žánr umění. Stejně jako impresionisté způsobili revoluci ve světle, také fauvisté přehodnotili barvu a namalovali svá plátna v jasných, divokých odstínech. Po fauvistech se moderní umění začalo rozvíjet ve všech jeho formách, od expresionismu , zabývajícího se vyvoláváním emocí přes objektivní umělecká díla, přes kubismus , umění transpozice čtyřrozměrné reality na ploché plátno, až po abstraktní umění . Tyto nové umělecké formy posunuly hranice tradičních pojmů „umění“ a odpovídaly podobným rychlým změnám, které probíhaly v lidské společnosti, technologii a myšlení.

Surrealismus je často klasifikován jako forma moderního umění. Samotní surrealisté však vznesli námitky proti studiu surrealismu jako éry dějin umění a tvrdí, že nadměrně zjednodušuje složitost hnutí (což podle nich není umělecké hnutí), nesprávně představuje vztah surrealismu k estetice a falešně charakterizuje pokračující surrealismus jako hotová, historicky zapouzdřená éra. Jiné formy moderního umění (z nichž některé hraničí se současným uměním ) zahrnují:

Časové období :

  • Impresionismus: konec 19. století
  • Ostatní: První polovina 20. století

Současné umění a postmoderní umění

Moderní umění předznamenalo několik charakteristik toho, co bude později definováno jako postmoderní umění; ve skutečnosti lze několik moderních uměleckých hnutí často klasifikovat jako moderní i postmoderní, jako je pop art . Postmoderní umění například klade velký důraz na ironii, parodii a humor obecně; moderní umění začalo rozvíjet ironičtější přístup k umění, který později postoupil v postmoderním kontextu. Postmoderní umění vidí rozostření mezi vysokým a výtvarným uměním s low-endovým a komerčním uměním; moderní umění začalo experimentovat s tímto rozmazáním. Nedávný vývoj v umění byl charakterizován výrazným rozšířením toho, co lze nyní považovat za umění, pokud jde o materiály, média, aktivitu a koncepci. Zvláště konceptuální umění mělo široký vliv. Začalo to doslova jako nahrazení konceptu vyrobeného předmětu, jehož jedním ze záměrů bylo vyvrátit komodifikaci umění. Nyní se však obvykle vztahuje k uměleckému dílu, kde je nějaký předmět, ale hlavní nárok na dílo se týká myšlenkového procesu, který ho informoval. Aspekt komerčnosti se vrátil k dílu.

Došlo také k nárůstu umění s odkazem na předchozí hnutí a umělce a z tohoto odkazu získává platnost.

Postmodernismus v umění, který se od 60. let rozrostl, se od modernismu liší natolik, že se moderní umělecká hnutí primárně soustředila na vlastní aktivity a hodnoty, zatímco postmodernismus využívá jako referenční bod celou škálu předchozích pohybů. To z definice vygenerovalo relativistický pohled, doprovázený ironií a určitou nedůvěrou v hodnoty, protože každý může být nahrazen jiným. Dalším důsledkem toho byl růst komerčnosti a celebrity. Postmoderní umění zpochybňuje společná pravidla a směrnice toho, co je považováno za „ výtvarné umění “, a spojuje nízké umění s výtvarným uměním, dokud žádné není plně rozlišitelné. Před nástupem postmodernismu se výtvarné umění vyznačovalo formou estetické kvality, elegance, řemeslné zručnosti, jemnosti a intelektuální stimulace, která měla oslovit vyšší či vzdělané vrstvy; toto rozlišovalo vysoké umění od nízkého umění, které bylo zase považováno za nevkusné, kýčovité , snadno vyrobené a postrádající mnoho intelektuálních podnětů, umění, které mělo oslovit masy. Postmoderní umění tyto rozdíly rozmazalo a vneslo do současného výtvarného umění silný prvek kýče, komerce a tábornictví ; to, co je dnes považováno za výtvarné umění, mohlo být považováno za nízké umění, než postmodernismus způsobil revoluci v pojetí toho, co vysoké nebo výtvarné umění skutečně je. Postmoderní povaha současného umění navíc nechává na umělecké scéně velký prostor pro individualismus; například postmoderní umění často čerpá inspiraci z minulých uměleckých hnutí, jako je umění gotické nebo barokní, a jak staví vedle sebe, tak recykluje styly z těchto minulých období v jiném kontextu.

Zvláště někteří surrealisté Joan Miró , kteří volali po „vraždě malby“ (V četných rozhovorech od 30. let 20. století Miró vyjádřil pohrdání konvenčními malířskými metodami a touhu je „zabít“, „zavraždit“ nebo „znásilnit“ ve prospěch současnějších výrazových prostředků). odsoudili nebo se pokusili „nahradit“ malířství a mezi uměleckými hnutími existovaly také jiné anti-malířské trendy, jako je dada a konceptuální umění . Trendu od malby na konci 20. století čelí různá hnutí, například pokračování Minimal Art , Lyrical Abstraction , Pop Art , Op Art , New Realism , Photorealism , Neo Geo , Neo-expressionism , New European Painting , Stuckismus a různé další důležité a vlivné malířské směry.

Viz také

Reference

Bibliografie

  • Chapin, Anne P., „Moc, privilegia a krajina v minojském umění“, in Charis: Essays in Honor of Sara A. Immerwahr , Hesperia (Princeton, NJ) 33, 2004, ASCSA, ISBN  0876615337 , 9780876615331, Google books
  • Gates, Charles, „Obrazové snímky v minojské nástěnné malbě“, in Charis s: Eseje na počest Sáry A. Immerwahr , Hesperia (Princeton, New Jersey) 33, 2004, ASCSA, ISBN  0876615337 , 9780876615331, knihy Google
  • Hood, Sinclair , Umění v prehistorickém Řecku , 1978, Penguin (Penguin/Yale History of Art), ISBN  0140561420
  • Sandars, Nancy K., Prehistoric Art in Europe , Penguin (Pelican, now Yale, History of Art), 1968 (pozn. 1. vydání; raná datování nyní nahrazena)

externí odkazy