Italská opera - Italian opera

Operní společnost, která byla běžně označována jako „Italská opera“, hrála v Divadle Jejího Veličenstva v Haymarketu do roku 1847 a od té doby v Královské opeře v Covent Garden v Londýně
Interiér opery La Fenice v Benátkách v roce 1837. Benátky byly spolu s Florencí a Římem jednou z kolébek italské opery.

Italská opera je umění opery v Itálii i opera v italském jazyce . Opera se zrodila v Itálii kolem roku 1600 a italská opera hraje i nadále dominantní roli v historii formy až do současnosti. Mnoho slavných oper v italštině bylo napsáno zahraničními skladateli, včetně Händela , Glucka a Mozarta . Díla původních italských skladatelů 19. a počátku 20. století, jako jsou Rossini , Bellini , Donizetti , Verdi a Puccini , patří k nejslavnějším operám, jaké kdy byly napsány a dnes jsou uváděny voperních domů po celém světě.

Původy

Jacopo Peri jako Arion v La pellegrina
Hlavní článek: Počátky opery

Dafne od Jacopa Periho byla nejstarší skladbou považovanou za operu, jak se dnes chápe. Periho díla však nevznikla z tvůrčího vakua v oblasti zpívaného dramatu. Základním předpokladem pro vytvoření vlastní opery byla praxe monody . Monody je sólový zpěv/nastavení dramaticky pojaté melodie, navržené tak, aby vyjadřovalo emocionální obsah textu, který nese, což je spíše doprovázeno relativně jednoduchou sekvencí akordů než jinými polyfonními částmi. V tomto stylu začali italští skladatelé skládat koncem 16. století a částečně to vyrostlo z dlouholeté praxe provádění polyfonních madrigalů s jedním zpěvákem za doprovodu instrumentálního ztvárnění ostatních částí a také z rostoucí popularity populárnějších , více homofonních vokálních žánrů, jako je frottola a villanella . V těchto posledních dvou žánrech narůstající tendence směřovala k homofoničtější struktuře, přičemž horní část představovala propracovanou, aktivní melodii a nižší (obvykle to byly třídílné skladby, na rozdíl od čtyř a více část madrigal) méně aktivní nosná konstrukce. Od toho byl jen malý krůček k plnohodnotné monody. Všechna taková díla směřovala k nastavení humanistické poezie typu, který se pokoušel napodobit Petrarcha a jehonásledovníky Trecento , což byl další prvek dobové tendence k touze po obnově principů, která byla spojena se smíšeným pojmem starověku.

Sólový madrigal, frottola, villanella a jejich příbuzní vystupovali prominentně v intermedio nebo intermezzo, divadelních podívaných s hudbou, které v posledních sedmdesáti letech 16. století financovaly opulentní a stále více sekulární soudy italských městských států. Takové brýle byly obvykle pořádány k připomenutí významných státních událostí: svatby, vojenská vítězství a podobně a střídaly se při představení s akty divadelních her. Stejně jako pozdější opera, intermedio představoval výše zmíněný sólový zpěv, ale také madrigaly v jejich typické vícehlasé struktuře a tanec doprovázený přítomnými instrumentalisty. Byly bohatě inscenovány a vedly scénografii druhé poloviny 16. století. Intermedi měli tendenci nevyprávět příběh jako takový, ačkoli to občas dělali, ale téměř vždy se soustředili na nějaký konkrétní prvek lidských emocí nebo zkušeností, vyjádřený mytologickou alegorií.

Uvedení Periho opery Euridice v roce 1600 jako součást oslav Medicejské svatby, příležitosti pro nejokázalejší a mezinárodně nejslavnější intermedi minulého století, bylo pravděpodobně zásadním vývojem pro novou formu, která ji zařadila do hlavního proudu bohaté dvorská zábava.

Další populární dvorní zábavou v této době byla „ madrigalská komedie “, později muzikologové obeznámení s pozdějším žánrem také nazývaní „madrigalská opera“. To sestávalo ze série madrigalů spojených dohromady, aby naznačovaly dramatické vyprávění, ale ne inscenované. Byly také dva inscenované hudební „pastorální“, Il Satiro a La Disperazione di Fileno , oba vyrobené v roce 1590 a napsané Emilio de 'Cavalieri . Ačkoli se zdá, že tyto ztracené práce zahrnovaly pouze árie , bez recitativů , byly zjevně tím, o čem Peri hovořil ve svém předmluvě k publikovanému vydání své Euridice , když napsal: „Signor Emilio del Cavalieri, před kýmkoli z ostatních Vím, umožnilo nám to slyšet náš druh hudby na pódiu “. Jiné pastorační hry již dlouho obsahovaly nějaká hudební čísla; jedna z prvních, Fabula di Orfeo (1480) od Poliziana měla nejméně tři sólové písně a jeden sbor.

17. století

Florencie a Mantova

Claudio Monteverdi od Bernarda Strozziho , c.  1630

Hudba Dafne je nyní ztracena, kromě libreta 455 veršového verše. První opera, pro kterou hudba přežila, byla uvedena v roce 1600 na svatbě francouzského Jindřicha IV. A Marie de Medici v paláci Pitti ve Florencii . Opera Euridice s libretem Rinucciniho, které zhudebnili Peri a Giulio Caccini , líčila příběh Orfea a Eurydiky. Styl zpěvu upřednostňovaný Perim a Caccinim byl zvýšenou formou přirozené řeči, dramatického recitativu podporovaného instrumentální smyčcovou hudbou. Recitativ tedy předcházel vývoji árií, ačkoli se brzy stalo zvykem zahrnout samostatné písně a instrumentální mezihry v obdobích, kdy hlasy mlčely. Oba Dafne a Euridice také sbory komentující dění na konci každého požadavku na způsob řecké tragédie. Tématem Orpheus, demi-bůh hudby, byl pochopitelně populární a přilákal Claudia Monteverdiho (1567-1643), který napsal jeho první operu , L'Orfeo (Bajka o Orpheus), v roce 1607 na dvoře Mantovy .

Monteverdi trval na silném vztahu mezi slovy a hudbou. Když byl Orfeo uveden v Mantově , orchestru s 38 nástroji, bylo použito mnoho sborů a recitativů k vytvoření živého dramatu. Byla to mnohem ambicióznější verze než ty, které se dříve hrály - bohatší, rozmanitější v recitativách, exotičtější ve scéně - se silnějšími hudebními vrcholy, které umožňovaly plný prostor pro virtuozitu zpěváků. Opera odhalila svůj první stupeň dospělosti v rukou Monteverdiho. L'Orfeo má také poctu, že je nejstarší dochovanou operou, která se dodnes pravidelně hraje.

Opera v Římě

Během několika desetiletí se opera rozšířila po celé Itálii. V Římě našel obhájce u preláta a libretisty Giulia Rospigliosiho (pozdější papež Klement IX.). Rospigliosiho patrony byli Barberini.

Mezi skladatele, kteří v tomto období působili, byli Luigi Rossi , Michelangelo Rossi , Marco Marazzoli , Domenico a Virgilio Mazzocchi , Stefano Landi .

Od třicátých let 16. století se předmět prací velmi změnil: pastorační tradice a Arcadia, je vhodnější, aby básně rytířské, obvykle Ludovico Ariosto a Torquato Tasso , nebo básně převzaté z hagiografie a křesťanské commedia dell'arte .

S rostoucím počtem postav se římské opery staly velmi dramatickými a měly několik zvratů. S těmi přišel nový způsob fixace linií recitativu, vhodnější pro různé situace, které vyplynuly z bohatého příběhu a který byl bližší řeči, plné závorek na úkor parataktického stylu , který tak charakterizoval první Florentská díla.

Benátky: komerční opera

Hlavní charakteristikou benátské opery byl (1) větší důraz na formální árie; (2) začátek stylu bel canto („krásný zpěv“) a větší pozornost k vokální eleganci než k dramatickému projevu; (3) menší využívání sborové a orchestrální hudby; (4) složité a nepravděpodobné zápletky; (5) propracované jevištní stroje; a (6) krátké fanfárové instrumentální představení, prototypy pozdější předehry.

Opera dosáhla důležitého nového směru, když dosáhla Benátské republiky . Právě zde byl v roce 1637 Benedetto Ferrari a Francesco Manelli otevřen první veřejný operní dům Teatro di San Cassiano . Jeho úspěch přesunul operu z aristokratického patronátu do komerčního světa. V Benátkách už hudební drama nebylo zaměřeno na elitu aristokratů a intelektuálů a získalo charakter zábavy. Ve městě brzy vyrostlo mnoho dalších operních domů, které během karnevalové sezóny prováděly díla pro platící veřejnost . Operní domy zaměstnávaly velmi malý orchestr, aby ušetřily peníze. Velká část jejich rozpočtu byla vynaložena na přilákání hvězdných zpěváků dne; to byl začátek vlády kastrátů a primadony (přední dámy).

Hlavním skladatelem rané benátské opery byl Monteverdi, který se do republiky přestěhoval z Mantovy v roce 1613, s pozdějšími významnými skladateli včetně Francesca Cavalliho , Antonia Cestiho , Antonia Sartoria a Giovanni Legrenziho . Monteverdi napsal tři díla pro veřejná divadla: Il ritorno d'Ulisse in patria (1640), Le nozze d'Enea con Lavinia (1641, nyní ztracené) a nejznámější je L'incoronazione di Poppea (1642). Náměty nových oper Monteverdiho a dalších byly obecně čerpány z římské historie nebo legend o Tróji, aby oslavily hrdinské ideály a vznešenou genealogii benátského státu. Nechyběli však ani pro milostný zájem, ani pro komedii. Většina oper se skládala ze tří dějství, na rozdíl od dřívějších oper, které měly obvykle pět. Převážná část veršování byla stále recitativní, nicméně ve chvílích velkého dramatického napětí často existovaly arioso pasáže známé jako arie cavate . Za Monteverdiho následovníků byl rozdíl mezi recitativem a árií výraznější a konvencionalizovanější. To je evidentní ve stylu čtyř nejúspěšnějších skladatelů příští generace: Francesca Cavalliho , Giovanniho Legrenziho , Antonia Cestiho a Alessandra Stradelly .

Šíření opery do zahraničí

Budova opery Władysław (vpravo) na královském zámku ve Varšavě

V polsko -litevském společenství začala tradice operní produkce ve Varšavě v roce 1628 představením Galatea (nejistý skladatel), první italské opery produkované mimo Itálii. Krátce po tomto představení soud uvedl operu Francescy Cacciniho La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina , kterou napsala pro prince Władysława Vasu o tři roky dříve, když byl v Itálii. Další první, toto je nejstarší dochovaná opera napsaná ženou. Gli amori di Aci e Galatea od Santi Orlandiho bylo také provedeno v roce 1628. Když byl Władysław králem (jako Władysław IV) dohlížel na produkci nejméně deseti oper v pozdních třicátých a čtyřicátých letech minulého století, čímž se Varšava stala centrem umění. Skladatelé těchto oper nejsou známí: mohli to být Poláci pracující pod Marcem Scacchim v královské kapli, nebo mohli patřit mezi Italy importované Władysławem. Dramma per musica (jako závažné italská opera byla známá v té době) s názvem Giuditta , založený na biblickém příběhu o Judith , byla provedena v 1635. Skladatel byl pravděpodobně Virgilio Puccitelli.

Cavalliho opery byly prováděny po celé Itálii cestovními společnostmi s obrovským úspěchem. Jeho Giasone byl ve skutečnosti nejpopulárnější operou 17. století, ačkoli někteří kritici byli zděšeni jeho směsicí tragédie a frašky. Cavalliho sláva se rozšířila po celé Evropě. Jednou z jeho specialit bylo dávat svým hrdinkám „ přízemní basové nářky “. Jednalo se o truchlivé árie zpívané na sestupné basové linii a měly velký vliv na Henryho Purcella , jehož „When I am opened in earth“ od Dido a Aeneas je pravděpodobně nejslavnějším příkladem formy. Cavalliho pověst způsobila, že ho kardinál Mazarin v roce 1660 pozval do Francie, aby složil operu pro svatbu krále Ludvíka XIV. Se Marií Terezií ze Španělska. Italská opera již byla ve 40. letech 16. století uvedena ve Francii na smíšené recepci a Cavalliho zahraniční expedice skončila katastrofou. Francouzské publikum nereagovalo dobře na oživení Xerse (1660) a speciálně složeného Ercole amante (1662), přičemž upřednostňovalo balety, které mezi akty vložil florentský skladatel Jean-Baptiste Lully a Cavalli přísahal, že nikdy nebude skládat další opera.

Cesti měl větší štěstí, když byl v roce 1668 požádán, aby napsal operu pro habsburský dvůr ve Vídni. Il pomo d'oro byl tak grandiózní, že představení muselo být rozloženo do dvou dnů. Byl to obrovský úspěch a znamenal začátek italské operní dominance severně od Alp. Na konci 17. století se němečtí a anglickí skladatelé pokusili vytvořit vlastní rodné tradice, ale počátkem 18. století dali základ importované italské opeře, která se stala mezinárodním stylem v rukou skladatelů, jako je Handel . Pouze Francie odolala (a její operní tradici založil Ital Lully). To určovalo vzor až do 19. století: italská tradice byla mezinárodní a její přední představitelé (např. Handel, Hasse, Gluck a Mozart) často nebyli původem z Itálie. Skladatelé, kteří chtěli rozvíjet vlastní národní formy opery, museli obecně bojovat proti italské opeře. Na počátku 19. století tedy Carl Maria von Weber v Německu i Hector Berlioz ve Francii cítili, že musí čelit obrovskému vlivu italského Rossiniho.

18. století

Série opery

Do konce 17. století někteří kritici věřili, že je nutná nová, více povznesená forma opery. Jejich nápady by zrodily žánr, operní seria (doslova „vážná opera“), která by se stala dominantní v Itálii a velké části zbytku Evropy až do konce 18. století. Vliv tohoto nového postoje lze spatřit v dílech skladatelů Carla Francesca Pollarola a nesmírně plodného Alessandra Scarlattiho .

Během 18. století byl umělecký a kulturní život v Itálii silně ovlivněn estetickými a poetickými ideály členů Accademia dell'Arcadia . Arcadianští básníci představili mnoho změn vážného hudebního dramatu v italštině, včetně:

  • zjednodušení zápletky;
  • odstranění komických prvků;
  • snížení počtu árií;
  • záliba v zápletkách čerpaných ze starověké klasické nebo moderní francouzské tragédie, ve které byly vychvalovány hodnoty loajality, přátelství a ctnosti a oslavována absolutní moc panovníka.
Pietro Metastasio na portrétu připisovaném Pompeu Batonimu

Zdaleka nejúspěšnějším libretistou té doby byl Pietro Metastasio a svou prestiž si udržel až do 19. století. Patřil k Arkádské akademii a byl pevně v souladu s jejími teoriemi. Libreto od Metastasia často nastavovalo dvacet nebo třicet různých skladatelů a diváci poznali slova jeho dramat zpaměti.

Opera buffa

V 17. století vznikaly komické opery jen příležitostně a nebyla ustavena stabilní tradice. Teprve v prvních letech 18. století se v Neapoli narodil komiksový operní buffa a po roce 1730 se začal šířit po celé Itálii.

Opera buffa se od operních serií odlišovala řadou charakteristik:

  • důležitost přikládaná jevištní akci a z toho vyplývající potřeba, aby hudba sledovala proměny dramatu se zdůrazněním expresivity slov;
  • výběr zpěváků, kteří byli také vynikajícími herci, kteří dokázali drama provést přesvědčivě;
  • omezení používání kulis a jevištních strojů a počtu orchestrálních hráčů;
  • Použití malého obsazení postav (alespoň v krátkodobém formě komické opery známý jako intermezzo ) a jednoduchých ploch (dobrým příkladem může být Pergolesi je Služka paní , 1733);
  • libreta inspirovaná commedia dell'arte , s realistickými náměty, hovorovým jazykem a slangovými výrazy;
  • pokud jde o zpěv: úplné odmítnutí vokální virtuozity; sklon k nesprávné výslovnosti slov; častá přítomnost rytmických a melodických tiků; použití onomatopoie a citoslovcí;
  • vyloučení kastrátů .
Carlo Goldoni od Alessandra Longhiho , c.  1757

Ve druhé polovině 18. století vděčila komická opera za svůj úspěch spolupráci dramatika Carla Goldoniho a skladatele Baldassare Galuppiho . Díky Galuppimu získala komická opera mnohem větší důstojnost, než měla ve dnech intermezza. Opery byly nyní rozděleny do dvou nebo tří dějství a vytvářely libreta pro díla podstatně větší délky, která se výrazně lišila od těch z počátku 18. století ve složitosti jejich zápletek a psychologii jejich postav. Ty nyní zahrnovaly některé vážné postavy namísto přehnaných karikatur a opery měly zápletky, které se zaměřovaly na konflikt mezi sociálními třídami a také zahrnovaly sebereferenční myšlenky. Nejslavnějším společným dílem Goldoniho a Galuppiho je Il filosofo di campagna (1754).

Spolupráce mezi Goldonim a dalším slavným skladatelem Niccolò Piccinnim vyprodukovala s La Cecchina (1760) další nový žánr: operní semiseria . To mělo dvě buffo postavy, dva šlechtice a dva „mezi“ postavami.

Ten-act Farsa měl významný vliv na rozvoj komické opery. Jednalo se o typ hudebního dramatu, který byl původně považován za zkrácenou verzi delší komické opery, ale postupem času se stal žánrem sám o sobě. Vyznačoval se: vokální virtuozitou; rafinovanější využití orchestru; velký význam kladený na produkci; přítomnost nedorozumění a překvapení v průběhu dramatu.

Gluckovy reformy a Mozart

Christoph Willibald Gluck hrající na svou clavicord (1775), portrét Josepha Duplessise

Opera seria měla své slabiny a kritiky; chuť ozdobit jménem skvěle vyškolených zpěváků a použití brýlí jako náhrada dramatické čistoty a jednoty vyvolalo útoky. Francesco Algarotti je Esej o opeře (1755) se ukázal být inspirací pro Christoph Willibald Gluck "reformy s. Prosazoval, aby se operní série vrátila k základům a aby všechny různé prvky - hudba (instrumentální i vokální), balet a inscenace - musely být podřízeny převažujícímu dramatu. Několik skladatelů té doby, včetně Niccolò Jommelliho a Tommasa Traetta , se pokusilo tyto ideály uvést do praxe. V roce 1765 vydal Melchior Grimm „Poème lyrique“ , vlivný článek pro encyklopedii o lyrických a operních libretech .

První, kdo skutečně uspěl a zanechal v historii opery trvalý otisk, byl však Gluck. Gluck se pokusil dosáhnout „krásné jednoduchosti“. Ilustruje to první z jeho „reformních“ oper Orfeo ed Euridice , kde vokální linie postrádající virtuozitu (řekněme) Händelových děl podporují jednoduché harmonie a výrazně bohatší než obvykle orchestrální přítomnost v celém textu.

Gluckovy reformy rezonovaly v celé operní historii. Weber, Mozart a Wagner byli ovlivněni jeho ideály. Mozart, v mnoha ohledech Gluckův nástupce, spojil skvělý smysl pro drama, harmonii, melodii a kontrapunkt a vytvořil sérii komedií, zejména Figarovu svatbu , Dona Giovanniho a Così fan tutte (ve spolupráci s Lorenzem Da Ponte ), která zůstávají dnes mezi nejoblíbenějšími, nejoblíbenějšími a nejznámějšími operami. Ale Mozartův příspěvek k operním seriím byl více smíšený; v jeho době už odumíralo a navzdory tak vynikajícím dílům, jako jsou Idomeneo a La clemenza di Tito , se mu nepodařilo znovu oživit uměleckou formu.

Romantické období

Romantická opera, která kladla důraz na představivost a emoce, se začala objevovat na počátku 19. století a díky svým áriím a hudbě dala větší rozměr extrémním emocím, které typizovaly divadlo té doby. Navíc se říká, že jemná hudba často omlouvala do očí bijící chyby v kresbě postav a dějových liniích. Gioachino Rossini (1792–1868) zahájil období romantismu. Jeho prvním úspěchem byla „opera buffa“ (komická opera), La Cambiale di Matrimonio (1810). Jeho pověst dodnes přežívá díky Barberovi ze Sevilly (1816) a La Cenerentola (1817). Ale také napsal vážnou operu Tancredi (1813) a Semiramide (1823).

Portrét Giuseppe Verdiho od Giovanniho Boldiniho (1886)

Rossiniho nástupci v italském bel cantu byli Vincenzo Bellini (1801–35), Gaetano Donizetti (1797–1848) a Giuseppe Verdi (1813–1901). Byl to Verdi, kdo během své dlouhé kariéry změnil celou povahu operního psaní. Jeho první velká úspěšná opera Nabucco (1842) zaujala veřejnost díky síle její hudby a skvělým sborům. „ Va, pensiero “, jedno z chorusových ztvárnění, bylo interpretováno a dalo výhodný význam boji za nezávislost Itálie a sjednocení Itálie.

Po Nabuccovi založil Verdi své opery na vlasteneckých tématech a mnoha standardních romantických pramenech: Friedrich Schiller ( Giovanna d'Arco , 1845; I masnadieri , 1847; Luisa Miller , 1849); Lord Byron ( I due Foscari , 1844; Il corsaro , 1848); a Victor Hugo ( Ernani , 1844; Rigoletto , 1851). Verdi experimentoval s hudebními a dramatickými formami a pokoušel se objevit věci, které by dokázala pouze opera.

V roce 1887 vytvořil Otello, které zcela nahradilo Rossiniho operu stejného jména a které kritici označují za nejlepší italské romantické opery s tradičními prvky: sólovými áriemi, duety a refrény plně integrovanými do melodických a dramatických tok.

Verdiho poslední opera Falstaff (1893) se zcela vymanila z konvenční formy a nachází hudbu, která následuje rychle plynoucí jednoduchá slova, a díky svému respektu ke vzoru běžné řeči vytvořila práh pro novou operní éru, v níž jsou řečové vzorce prvořadý.

Opera se stala sňatkem umění, hudebním dramatem plným slavné písně, kostýmů, orchestrální hudby a parády; někdy bez pomoci věrohodného příběhu. Od svého pojetí v období baroka až po zralost období romantismu to bylo médium, ve kterém se znovu objevovaly příběhy a mýty, převyprávěla se historie a stimulovala představivost. Síla hry upadla do násilnější éry opery: verismo , s Cavalleria rusticana od Pietra Mascagniho a Pagliacci od Ruggera Leoncavalla .

Současné období

Závěrečná scéna opery Risorgimento!

Některé z největších italských oper 20. století napsal Giacomo Puccini (1858–1924). Patří mezi ně Manon Lescaut , La bohème , Tosca , Madama Butterfly , La fanciulla del West , La rondine a Turandot , přičemž poslední dva zůstaly nedokončené. V roce 1926 a v roce 2002 se Franco Alfano a Luciano Berio pokusili o dokončení Turandot a v roce 1994 Lorenzo Ferrero dokončil orchestraci třetí verze La rondine . Sám Berio napsal dvě opery Un re in ascolto a Opera . Ferrero také složil několik oper včetně Salvatore Giuliano , La Conquista a jeho Risorgimento 2011 !

Další italští operní skladatelé 20. století jsou:

Viz také

Reference

Poznámky

Prameny

Další čtení