Japonská malba - Japanese painting

Sada posuvných dveří švestkového stromu od Kano Sanraku , počátek 17. století

Japonská malba (絵 画, kaiga, také gadō 画 道) je jednou z nejstarších a nejjemnějších japonských výtvarných umění , která zahrnuje širokou škálu žánrů a stylů. Stejně jako u dějin japonského umění obecně, dlouhá historie japonského malířství vykazuje syntézu a konkurenci mezi původní japonskou estetikou a adaptací importovaných myšlenek, především z čínské malby , která byla v mnoha bodech obzvláště vlivná; významný západní vliv přichází až od 16. století a začíná ve stejnou dobu, kdy japonské umění ovlivňovalo Západ .

Mezi oblasti předmětů, kde byl čínský vliv opakovaně významný, patří buddhistická náboženská malba, inkoustová malba krajin v čínské literární tradici literátů , kaligrafie ideografů a malba zvířat a rostlin, zejména ptáků a květin . Ve všech těchto oblastech se však vytvořily výrazně japonské tradice. Předmět, který je široce považován za nejcharakterističtější pro japonskou malbu a pozdější grafiku , je zobrazení scén z každodenního života a narativních scén, které jsou často přeplněné figurami a detaily. Tato tradice bezpochyby začala v raném středověku pod čínským vlivem, který je nyní mimo obecnější podmínky, než je možné vysledovat, ale od období prvních přežívajících děl se vyvinul do specificky japonské tradice, která trvala až do novověku.

Oficiální seznam národních pokladů Japonska (obrazy) obsahuje 162 děl nebo souborů děl z 8. až 19. století, které představují vrcholy úspěchu nebo velmi vzácné přežití z raných období.

Časová osa

Období starověkého Japonska a Asuky (do roku 710)

Počátky malby v Japonsku sahají hluboko do japonského prehistorického období . Jednoduchá figurální vyobrazení, stejně jako botanické, architektonické a geometrické designy, se nacházejí na keramických dobách Jōmon a na dobách Yayoi (1000 př. N. L. - 300 n. L. ) Dōtaku . Nástěnné malby s geometrickým i figurálním designem byly nalezeny v mnoha tumuliích datovaných do období Kofun a Asuka (300–700 n. L.).

Spolu se zavedením čínského psacího systému ( kanji ), čínských způsobů vládní správy a buddhismu v období Asuky bylo do Japonska z Číny dovezeno mnoho uměleckých děl a začaly se vyrábět místní kopie v podobných stylech.

Období Nara (710–794)

Nástěnná malba z hrobky Takamatsuzuka

S dalším budováním buddhismu v Japonsku 6. a 7. století náboženská malba vzkvétala a byla používána k ozdobě mnoha chrámů postavených aristokracií. Nicméně, Nara-period Japonsko je uznáván více za důležité příspěvky v oboru sochařství než malování.

Mezi nejstarší dochované obrazy z tohoto období patří nástěnné malby na vnitřních stěnách Kondó (金堂) v chrámu Hōryū-ji v Ikaruga, prefektura Nara . Tyto nástěnné malby, stejně jako malované obrazy na důležité svatyni Tamamushi, obsahují kromě ikonických obrazů buddhů, bódhisattvy a různých menších božstev také příběhy jako jataka , epizody ze života historického Buddhy, Šákjamuniho . Tento styl připomíná čínskou malbu z dynastie Sui nebo pozdní období Sixteen Kingdoms . V polovině období Nara se však obrazy ve stylu dynastie Tang staly velmi populární. Patří sem také nástěnné malby v hrobce Takamatsuzuka , pocházející z doby kolem roku 700 n. L. Tento styl se vyvinul do ( Kara-e ) žánru, který zůstal populární po rané období Heian .

Protože většina obrazů v období Nara má náboženský charakter, je drtivá většina od anonymních umělců. Velká sbírka dobového umění Nara, japonštiny i čínské dynastie Tang, je zachována v Shōsō-in , úložišti z 8. století, které dříve vlastnil Tōdai-ji a v současné době je spravováno císařskou agenturou pro domácnost .

Heian období (794–1185)

S rozvojem esoterických buddhistických sekt Shingon a Tendai se malba 8. a 9. století vyznačuje náboženskou obrazností, zejména malovanou Mandalou (曼荼羅, mandara ) . Četné verze mandaly, nejvíce skvěle Diamond Realm Mandala a lůno Realm Mandala na Toji v Kjótu, byly vytvořeny jako visí svitky , i jako nástěnné malby na zdech chrámů. Známý časný příklad je na pětipatrové pagody z Daigo-dži , chrám jihu Kyoto .

Škola Kose byla rodina dvorních umělců, kterou založil Kanaoka Kose ve druhé polovině 9. století, během raného období Heian. Tato škola nepředstavuje jediný styl malby jako jiné školy, ale různé malířské styly, které vytvořil Kanaoka Kose a jeho potomci a žáci. Tato škola změnila obrazy čínského stylu s čínskými tématy na japonský styl a hrála hlavní roli při formování malířského stylu yamato-e .

S rostoucím významem sekt čistého země japonského buddhismu v 10. století byly vyvinuty nové typy obrazů, aby uspokojily oddané potřeby těchto sekt. Patří mezi ně raigōzu (来 迎 図) , které zobrazují Amida Buddhu spolu s doprovodnými bódhisattvami Kannonem a Seishi, kteří přijíždějí vítat duše věřících, kteří odešli do Amidina západního ráje. Známý raný příklad pocházející z roku 1053 je namalován na vnitřní straně Phoenix Hall v Byōdō-in , chrámu v Uji v Kjótu . To je také považováno za raný příklad takzvaného Yamato-e (大 和 絵, „malba v japonském stylu“) , pokud zahrnuje krajinné prvky, jako jsou měkké zvlněné kopce, které jako by odrážely něco ze skutečného vzhledu krajiny západním Japonsku.

Panel z The Tale of Genji handscroll (detail)

Období poloviny Heian je považováno za zlatý věk Yamato-e, které se původně používalo především pro posuvné dveře ( fusuma ) a skládací zástěny ( byōbu ). Do popředí se však dostaly také nové malířské formáty, zejména ke konci období Heian, včetně emakimona nebo dlouhých ilustrovaných handcrollů. Odrůdy emakimona zahrnují ilustrované romány, například Genji Monogatari , historická díla, jako je Ban Dainagon Ekotoba , a náboženská díla. V některých případech emaki umělci používali obrazové narativní konvence, které se v buddhistickém umění používaly od starověku, zatímco jindy vymyslely nové narativní módy, o nichž se věří, že vizuálně zprostředkovávají emocionální obsah podkladového vyprávění. Genji Monogatari je organizován do diskrétních epizod, zatímco živější Ban Dainagon Ekotoba používá kontinuální narativní režim, aby zdůraznil pohyb příběhu vpřed. Tyto dvě emaki se liší i stylově, rychlé tahy štětcem a světlé zbarvení Ban Dainagon kontrastují ostře s abstrahovanými formami a zářivými minerálními pigmenty svitků Genji . Siege z Sanjo paláce je další slavný příklad tohoto druhu malby.

E-maki také slouží jako jedny z prvních a největších příkladů malířských stylů onna-e („ženské obrázky“) a otoko-e („pánské obrázky“). V těchto dvou stylech existuje mnoho jemných rozdílů. Ačkoli se zdá, že termíny naznačují estetické preference každého pohlaví, historici japonského umění dlouho diskutovali o skutečném významu těchto termínů a zůstávají nejasné. Asi nejsnáze patrné jsou rozdíly v předmětu. Onna-e , ztělesněný Tale of Genji handscroll, se typicky zabývá dvorským životem a dvorskou romantikou, zatímco otoko-e často řeší historické nebo polo legendární události, zejména bitvy.

Období Kamakura (1185–1333)

Tyto žánry pokračovaly po období Kamakura v Japonsku. Tento styl umění byl do značné míry ukázán na obraze s názvem „Noční útok na palác Sanjo“, protože byl plný vibrujících barev, detailů a skvělé vizualizace z románu s názvem „Heiji Monogatari“. E-maki různých druhů se nadále vyrábělo; období Kamakura však bylo mnohem silněji charakterizováno sochařským uměním než malbou. '' Kamakurské období trvalo od konce dvanáctého do čtrnáctého století. Byla to doba uměleckých děl, jako jsou malby, ale hlavně sochy, které přinesly realističtější pohled na život a jeho aspekty v té době. V každé z těchto soch bylo do výroby vyrobeno mnoho životních rysů. Mnoho soch obsahovalo nosy, oči, jednotlivé prsty a další detaily, které byly v sochařském místě v umění nové. ''

Protože většina obrazů v období Heian a Kamakura má náboženský charakter, je naprostá většina od anonymních umělců. Existuje však jeden umělec, který je známý svou dokonalostí v tomto novém uměleckém stylu období Kamakura. Jmenoval se Unkei a nakonec tuto sochařskou uměleckou formu zvládl a otevřel si vlastní školu s názvem Kei School. Jak šel čas s touto érou, „došlo k oživení ještě dřívějších klasických stylů, k importu nových stylů z kontinentu a ve druhé polovině období k rozvoji jedinečných východních japonských stylů soustředěných kolem éry Kamakura“.

Období Muromachi (1333–1573)

Pravý panel obrazovky Pine Trees ( Shōrin-zu byōbu ,松林 図 屏風) od Hasegawa Tōhaku , c. 1595
Krajina od Sesshū Tōyō

Během 14. století měl rozvoj velkých zenových klášterů v Kamakuře a Kjótu zásadní vliv na výtvarné umění. Suibokuga , strohý monochromní styl inkoustové malby zavedený z dynastie Ming Čína stylů Song a Yuan ink wash, zejména Muqi (牧 谿), z velké části nahradil polychromované svitkové malby raného zenového umění v Japonsku připojené k normám buddhistické ikonografie po staletí dříve jako Takuma Eiga (宅 磨 栄 賀). Navzdory nové čínské kulturní vlně generované kulturou Higashiyama , některé polychromované portréty zůstaly - primární v podobě chinso obrazů zenových mnichů.

Chytání sumce tykev (nachází se v Taizō-in , Myōshin-ji , Kjóto) od kněze-malíře Josetsu , představuje zlom v malbě Muromachi. V popředí je na břehu potoka zobrazen muž, který drží malou tykev a dívá se na velkého křiklavého sumce. Mlha vyplňuje střední cestu a pozadí, hory se zdají být daleko v dálce. Obecně se předpokládá, že „nový styl“ obrazu, provedený kolem roku 1413, odkazuje na více čínský smysl pro hluboký prostor v rovině obrazu.

Do konce 14. století si monochromní krajinomalby (山水画sansuiga ) našly záštitu u vládnoucí rodiny Ashikaga a byly oblíbeným žánrem mezi zenovými malíři, postupně se vyvíjející od svých čínských kořenů k japonštějšímu stylu. Dalším vývojem krajinomalby byl svitek obrazu básně, známý jako shigajiku .

Předními umělci období Muromachi jsou kněží a malíři Shūbun a Sesshū . Shūbun, mnich v kjótském chrámu Shōkoku-ji , vytvořil na obraze Čtení v bambusovém háji (1446) realistickou krajinu s hlubokou recesí do vesmíru. Sesshū, na rozdíl od většiny umělců té doby, byl schopen cestovat do Číny a studovat čínskou malbu u jejího zdroje. Krajina čtyř ročních období ( Sansui Chokan ; c. 1486) je jedním z nejdokonalejších děl Sesshu, který zobrazuje pokračující krajinu ve čtyřech ročních obdobích.

V pozdním období Muromachi se inkoustová malba stěhovala ze zenových klášterů do světa umění obecně, protože umělci ze školy Kano a školy Ami ( ja: 阿 弥 派) přijali styl a témata, ale zavedli plastičtější a dekorativní efekt, který by pokračoval do moderní doby.

Mezi významné umělce v období Muromachi v Japonsku patří:

Období Azuchi – Momoyama (1573–1615)

V ostrém kontrastu s předchozím obdobím Muromachi bylo období Azuchi – Momoyama charakterizováno grandiózním polychromovaným stylem s rozsáhlým používáním zlaté a stříbrné fólie, která by byla aplikována na obrazy, oděvy, architekturu atd .; a pracemi ve velmi velkém měřítku. Na rozdíl od honosného stylu, který mnozí znali, vojenská elita podporovala rustikální jednoduchost, zejména v podobě čajového obřadu, kde by v podobném prostředí používaly zvětralé a nedokonalé nádobí. Toto období započalo sjednocování „válčících“ vůdců pod ústřední vládou. Počáteční datování pro toto období je často považováno za rok 1568, kdy Nobunaga vstoupil do Kjóta, nebo 1573, kdy byl z Kjóta odstraněn poslední Ashikaga Shogun. Škola Kano, kterou sponzorovali Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu a jejich následovníci, získala obrovskou velikost a prestiž. Kano Eitoku vyvinul vzorec pro vytvoření monumentální krajiny na posuvných dveřích obklopujících místnost. Tyto obrovské obrazovky a nástěnné malby byly pověřeny dekorací hradů a paláců vojenské šlechty. Nejpozoruhodnější je, že Nobunaga nechal v letech 1576 až 1579 postavit mohutný hrad, který se ukázal být jednou z největších uměleckých výzev pro Kano Eitoku. Jeho nástupce, Toyotomi Hideyoshi, také postavil několik hradů během tohoto období. Tyto hrady byly jedním z nejdůležitějších uměleckých děl, pokud jde o experimentování v tomto období. Tyto hrady představují sílu a důvěru vůdců a válečníků v nové době. Tento stav pokračoval i v následujícím období Edo, protože Tokugawa bakufu nadále propagoval díla školy Kano jako oficiálně schválené umění pro šóguna, daimjó a císařský dvůr.

Umělci a proudy mimo Kano však existovali a vyvíjeli se i v období Azuchi – Momoyama a přizpůsobovali čínská témata japonským materiálům a estetice. Jednou z důležitých skupin byla škola Tosa, která se vyvinula především z tradice yamato-e a která byla známá především drobnými pracemi a ilustracemi literární klasiky ve formátu knihy nebo emaki.

Mezi významné umělce v období Azuchi-Momoyama patří:

Období Edo (1603–1868)

Sviteková kaligrafie Bodhidharmy od Hakuina Ekaku (1685 až 1768)
Fujin (bůh větru) od Ogaty Korina
Část série Dōshoku sai-e od Itō Jakuchū

Mnoho historiků umění ukazuje období Edo jako pokračování období Azuchi-Momoyama. Určitě, během raného období Edo, mnoho z předchozích trendů v malbě bylo i nadále populární; objevila se však také řada nových trendů.

Jedna velmi významná škola, která vznikla v raném období Edo, byla škola Rinpa , která používala klasická témata, ale představovala je odvážným a bohatě dekorativním formátem. Zejména Sōtatsu vyvinul dekorativní styl tím, že znovu vytvořil témata z klasické literatury pomocí brilantně barevných postav a motivů z přírodního prostředí postavených na pozadí zlatých listů. O století později Korin přepracoval styl Sōtatsu a vytvořil vizuálně nádherná díla, která byla jedinečně jeho vlastní.

Dalším důležitým žánrem, který začal v období Azuchi -Momoyama, ale který dosáhl svého plného rozvoje v raném období Edo, bylo umění Namban , a to jak v zobrazení exotických cizinců, tak v používání stylu exotických cizinců v malbě. Tento žánr byl soustředěn kolem přístavu Nagasaki , který po startu národní samotce politiky k Tokugawa shogunate byl jediný japonský přístav ponechán na zahraničním obchodu, a byl tak potrubí, jímž čínské a evropské umělecké vlivy přišly do Japonska. Obrazy v tomto žánru zahrnují školní obrazy Nagasaki a také školu Marujama-Shijo , která kombinuje čínské a západní vlivy s tradičními japonskými prvky.

Třetím důležitým trendem v období Edo byl vzestup žánru Bunjinga (literati malba), také známý jako škola Nanga (jižní malířská škola). Tento žánr začínal jako napodobenina děl čínských učených-amatérských malířů dynastie Yuan , jejichž díla a techniky se do Japonska dostaly v polovině 18. století. Mistr Kuwayama Gyokushū byl největším zastáncem vytváření bunjinského stylu. On se domníval, že polychromatické krajiny měly být považovány za stejnou úroveň monochromatických obrazů čínských literátů. Kromě toho zařadil mezi hlavní představitele Nanga některé japonské tradicionalistické umělce, jako Tawaraya Sōtatsu a Ogata Kōrin ze skupiny Rinpa. Pozdější umělci bunjinga značně upravili jak techniky, tak předmět tohoto žánru, aby vytvořili spojení japonských a čínských stylů. Příkladem tohoto stylu jsou Ike no Taiga , Uragami Gyokudō , Yosa Buson , Tanomura Chikuden , Tani Bunchō a Yamamoto Baiitsu .

Kvůli politice fiskální a sociální askeze šógunátu Tokugawa byly luxusní způsoby těchto žánrů a stylů do značné míry omezeny na vyšší vrstvy společnosti a byly nedostupné, ne -li ve skutečnosti zakázané nižším vrstvám. Obyčejní lidé vyvinuli samostatný druh umění, fūzokuga (風俗 画, žánrové umění ), ve kterém byla oblíbená malba zobrazující scény z běžného, ​​každodenního života, zejména prostého lidu, kabuki divadla, prostitutek a krajiny. Tyto obrazy v 16. století daly vzniknout obrazům a dřevorytům ukiyo-e .

Mezi významné umělce v období Edo patří:

Předválečné období (1868-1945)

Kuroda Seiki , Lakeside , 1897, olej na plátně, Kuroda Memorial Hall , Tokio
Yoritomo v jeskyni od Maedy Seison

Období před válkou bylo poznamenáno rozdělením umění do konkurenčních evropských stylů a tradiční domorodé styly.

Během období Meiji prošlo Japonsko v průběhu europeizační a modernizační kampaně organizované vládou Meiji obrovskou politickou a sociální změnou . Malbu v západním stylu ( yōga ) oficiálně propagovala vláda, která poslala nadějné mladé umělce do zahraničí na studia a která najala zahraniční umělce, aby přišli do Japonska a zavedli na japonských školách umělecké osnovy.

Po počátečním výbuchu nadšení pro umění západního stylu se však kyvadlo otočilo opačným směrem a v čele s uměleckým kritikem Okakurou Kakuzo a pedagogem Ernestem Fenollosou došlo k oživení ocenění tradičních japonských stylů ( Nihonga ). V 80. letech 19. století bylo umění západního stylu zakázáno z oficiálních výstav a bylo kritikou kritizováno. Styl Nihonga, podporovaný Okakurou a Fenollosou, se vyvinul s vlivy evropského předrafaelského hnutí a evropského romantismu .

Malíři ve stylu Yōga vytvořili Meiji Bijutsukai (Meiji Fine Arts Society), aby pořádala vlastní výstavy a podporovala obnovený zájem o západní umění.

V roce 1907, se založením Bunten pod záštitou ministerstva školství , obě konkurenční skupiny našly vzájemné uznání a soužití, a dokonce zahájily proces směrem k vzájemné syntéze.

Období Taisho viděl převahu jóga nad Nihonga . Po dlouhých pobytech v Evropě se mnoho umělců (včetně Arishima Ikuma) za vlády Yoshihita vrátilo do Japonska a přineslo s sebou techniky impresionismu a raného postimpresionismu . Díla Camille Pissarra , Paula Cézanna a Pierra-Auguste Renoira ovlivnila rané malby Taisho. Nicméně, jóga umělci v období Taišó také inklinoval k eklekticismu , a tam byla hojnost disidentských uměleckých směrů. Patřila mezi ně Fusainská společnost ( Fyuzankai ), která zdůrazňovala styly postimpresionismu, zejména fauvismu . V roce 1914 se Nikakai (Second Division Society) objevil proti vládě sponzorované výstavě Bunten.

Japonská malba v období Taisho byla jen mírně ovlivněna jinými současnými evropskými hnutími, jako je neoklasicismus a pozdní postimpresionismus.

Nicméně, to bylo ožívající Nihonga , do poloviny 20. let 20. století, které přijalo určité trendy z postimpresionismu. Druhá generace umělců Nihonga vytvořila Japonskou akademii výtvarných umění ( Nihon Bijutsuin ), aby soutěžila s vládou sponzorovaným Buntenem , a přestože tradice yamato-e zůstaly silné, rostoucí využívání západní perspektivy a západních konceptů prostoru a světla začalo střete rozdíl mezi Nihonga a yōga .

Japonský obraz v předválečném Shōwa období byl z velké části dominuje Sōtarō Yasui a Ryūzaburō Umehara , který představil pojetí čistého umění a abstraktní malby na Nihonga tradici, a tak vytvořili větší interpretační verzi tohoto žánru. Tento trend dále rozvinul Leonard Foujita a společnost Nika, aby zahrnoval surrealismus . Na podporu těchto trendů byla v roce 1931 založena Nezávislá umělecká asociace ( Dokuritsu Bijutsu Kyokai ).

Během druhé světové války vládní kontroly a cenzura znamenaly, že mohla být vyjádřena pouze vlastenecká témata. Mnoho umělců bylo přijato do vládního propagandistického úsilí a kritické neemotivní hodnocení jejich děl teprve začíná.

Mezi významné umělce v předválečném období patří:

Poválečné období (1945 -současnost)

V poválečném období, vláda-sponzorované Japan Art Academy ( Nihon Geijutsuin ) byla založena v roce 1947, obsahující jak nihonga a jóga divize. Vládní sponzorství uměleckých výstav skončilo, ale bylo nahrazeno soukromými výstavami, jako je Nitten , v ještě větším měřítku. Ačkoli byl Nitten původně výstavou Japonské akademie umění, od roku 1958 ji provozuje samostatná soukromá společnost. Účast v Nitten se stala téměř předpokladem pro nominaci na Japan Art Academy, což je samo o sobě téměř neoficiálním předpokladem pro nominaci do Řádu kultury .

Umění Edo a předválečná období (1603–1945) podporovali obchodníci a městští lidé. Proti období Edo a předválečného období se umění poválečného období stalo populárním. Po druhé světové válce se malířům, kaligrafům a grafikům dařilo ve velkých městech, zejména v Tokiu , a začali se zabývat mechanismy městského života, což se odráželo v blikajících světlech, neonových barvách a frenetickém tempu jejich abstrakcí. Všechny „ismy“ newyorsko-pařížského uměleckého světa byly vroucně přijaty. Po abstrakcích 60. let došlo v 70. letech k návratu k realismu silně ochucenému hnutím „op“ a „pop“, ztělesněným v 80. letech ve výbušných dílech Ushia Shinohary . Mnoho takových vynikajících avantgardních umělců pracovalo jak v Japonsku, tak v zahraničí a získalo mezinárodní ceny. Tito umělci cítili, že na jejich dílech není „nic japonského“, a ve skutečnosti patřili k mezinárodní škole. Koncem 70. let 20. století hledání japonských kvalit a národního stylu přimělo mnoho umělců přehodnotit svoji uměleckou ideologii a odvrátit se od toho, co někteří cítili jako prázdné formule Západu. Současné malby v rámci moderního idiomu začaly vědomě využívat tradiční japonské formy umění, zařízení a ideologie. Několik mono-ha umělců se obrátilo k malování, aby zachytilo tradiční nuance v prostorových aranžmá, barevných harmoniích a lyrice.

Japonský styl nebo malba nihonga pokračuje předválečným způsobem a aktualizuje tradiční výrazy při zachování jejich vnitřního charakteru. Někteří umělci v tomto stylu stále malují na hedvábí nebo papír tradičními barvami a inkoustem, zatímco jiní používali nové materiály, například akrylové barvy .

Mnoho ze starších uměleckých škol, zejména z období Edo a předválečného období, se stále praktikovalo. Například dekorativní naturalismus školy rimpy , charakterizovaný brilantními, čistými barvami a krvácejícími výplachy, se odrazil v tvorbě mnoha umělců poválečného období v umění Hikosaka Naoyoshi v 80. letech . Realismus Maruyama Ōkyo ‚s škole a kaligrafické a spontánní japonský styl pánové učenců byli oba široce vycvičený v roce 1980. Někdy všechny tyto školy, stejně jako starší, jako jsou školní inkoustové tradice Kano , čerpali současní umělci v japonském stylu a v moderním idiomu. Mnoho malířů v japonském stylu bylo oceněno cenami a cenami v důsledku obnovené populární poptávky po umění v japonském stylu od 70. let minulého století. Mezinárodní a moderní malíři stále více čerpali z japonských škol, když se v 80. letech odvraceli od západních stylů. Tendence byla syntetizovat východ a západ. Někteří umělci již mezeru mezi nimi přeskočili, stejně jako vynikající malíř Shinoda Toko . Její odvážné abstrakce inkoustu sumi byly inspirovány tradiční kaligrafií, ale byly realizovány jako lyrické výrazy moderní abstrakce.

V Japonsku je také řada současných malířů, jejichž tvorba je do značné míry inspirována anime subkulturami a dalšími aspekty populární a mládežnické kultury. Takashi Murakami je možná jedním z nejslavnějších a nejpopulárnějších z nich, spolu s dalšími umělci v jeho kolektivu studia Kaikai Kiki . Jeho práce se soustředí na vyjadřování problémů a obav poválečné japonské společnosti prostřednictvím obvykle zdánlivě neškodných forem. Silně čerpá z anime a souvisejících stylů, ale produkuje obrazy a sochy v médiích tradičněji spojených s výtvarným uměním, záměrně stírá hranice mezi komerčním a populárním uměním a výtvarným uměním.

Mezi významné umělce v poválečném období patří:

Viz také

Reference

Další čtení