Portrétní malba - Portrait painting

Autoportrét Nicolase Régniera malování portrétu Vincenza Giustinianiho , 1623-24, Fogg Art Museum .
Viz portrét Více o obecné téma portréty.

Portrét malování je žánr v obraze , kde cílem je prezentovat předmět specifický lidský. Pojem „portrétní malba“ může také popisovat skutečný malovaný portrét. Portrétisté mohou vytvářet svá díla na zakázku pro veřejné i soukromé osoby nebo se mohou nechat inspirovat obdivem nebo náklonností k tématu. Portréty často slouží jako důležité státní a rodinné záznamy i jako vzpomínky.

Historicky portrétní malby primárně připomínaly bohaté a mocné. Postupem času se však pro patrony ze střední třídy stávalo častější zadávání portrétů jejich rodin a kolegů. Dnes jsou portrétní malby stále zadávány vládami, korporacemi, skupinami, kluby a jednotlivci. Kromě malby lze portréty pořizovat také v jiných médiích, jako jsou tisky (včetně leptání a litografie ), fotografie , video a digitální média .

Frans Hals , později skončil Pieter Codde . De Magere Compagnie . 1637. Olej na plátně, 209 × 429 cm. Skupinové portréty byly důležité v holandské malbě zlatého věku

Mohlo by se zdát zřejmé, že malovaný portrét má za cíl dosáhnout podoby sittera, která je rozpoznatelná pro ty, kdo je viděli, a v ideálním případě je velmi dobrým záznamem jejich vzhledu. Ve skutečnosti se tento koncept rozvíjel pomalu a trvalo staletí, než umělci v různých tradicích získali odlišné dovednosti pro dobrou podobu malby.

Technika a praxe

Anthony van Dyck , Karel I. ve třech pozicích , 1635–1636, ukazuje profil, celoobličejový a tříčtvrtinový pohled, který má poslat Bernini v Římě, který měl z tohoto modelu vytesat bustu.

Očekává se, že dobře provedený portrét bude ukazovat vnitřní podstatu subjektu (z pohledu umělce) nebo lichotivou reprezentaci, nejen doslovnou podobu. Jak uvedl Aristoteles , „Cílem umění není představovat vnější vzhled věcí, ale jejich vnitřní význam; v tomto smyslu není skutečná realita vnější způsob a detail.“ Umělci se mohou snažit o fotografický realismus nebo o impresionistickou podobnost při zobrazování svého tématu, ale liší se to od karikatury, která se pokouší odhalit charakter přehnaným fyzickým rysem. Umělec se obecně pokouší o reprezentativní zobrazení, jak uvedl Edward Burne-Jones : „Jediným výrazem, který je ve velkém portrétu přípustný, je výraz charakteru a morální kvality, nic dočasného, ​​pomíjivého nebo náhodného.“

Ve většině případů to vede k vážnému, zavřenému pohledu na rty, přičemž něco kromě mírného úsměvu je historicky poměrně vzácné. Nebo, jak řekl Charles Dickens , „existují pouze dva styly portrétní malby: seriózní a úšklebek.“ I při těchto omezeních je možná celá řada jemných emocí, od tiché hrozby po jemnou spokojenost. S relativně neutrálními ústy je však třeba většinu výrazu obličeje vytvořit očima a obočím. Jak uvádí autor a umělec Gordon C. Aymar, „oči jsou místem, kde člověk hledá ty nejúplnější, nejspolehlivější a nejrelevantnější informace“ o tomto tématu. A obočí se může zaregistrovat „téměř bez pomoci, údivu, soucitu, zděšení, bolesti, cynismu, soustředění, touhy, nelibosti a očekávání, v nekonečných variacích a kombinacích.“

Portrétní malba může zobrazovat předmět "celovečerní "(celé tělo),"poloviční délka "(od hlavy po pás nebo boky ),"hlava a ramena "( poprsí ), nebo jen hlava. Hlava subjektu se může otočit od"celý obličej "(pohled zepředu) na profil (pohled z boku); a"pohled ze tří čtvrtin "(" pohled ze dvou třetin ") je někde mezi, pohybuje se od téměř čelního k téměř profilu (zlomek je součet profilu [jedna polovina obličeje] plus" čtvrtý obličej druhé strany " "; alternativně je každá strana považována za třetí). Občas umělci vytvořili kompozity s pohledy z různých směrů, jako je tomu utrojitého portrétu Karla I. ve třech polohách od Anthonyho van Dycka . Existuje dokonce několik portrétů, kde je přední strana subjekt není vidět vůbec. Andrew Wyeth je Christina World (1948) je slavný příklad, kde póze zdravotně postižené ženy - s ní zády k divákovi - integruje do prostředí, ve kterém ona je umístěn na zprostředkovat interpretace umělce.

Paní. Charpentier a její děti , 1878, Metropolitan Museum of Art , New York

Mezi dalšími možnými proměnnými může být subjekt oblečen nebo nahý; uvnitř nebo venku; stojící, sedící, ležící; dokonce i na koni. Portrétní obrazy mohou být jednotlivců, párů, rodičů a dětí, rodin nebo kolegiálních skupin. Mohou být vytvořeny v různých médiích, včetně olejů , akvarel , pero a inkoust , tužka , dřevěné uhlí , pastel , a míchal média . Umělci mohou využívat širokou paletu barev, stejně jako u Pierre-Auguste Renoir 's Mme. Charpentier a její děti , 1878 nebo omezují na většinou bílé nebo černé, stejně jako Gilbert Stuart ‚s portrét George Washington (1796).

Někdy je důležitým faktorem celková velikost portrétu. Obrovské portréty Chucka Close vytvořené pro vystavení v muzeích se velmi liší od většiny portrétů, které jsou navrženy tak, aby se vešly do domu nebo snadno cestovaly s klientem. Umělec často bere v úvahu, kde bude viset finální portrét, a barvy a styl okolní výzdoby.

Vytvoření portrétu může trvat značnou dobu, obvykle vyžaduje několik posezení. Cézanne v jednom extrému trval na více než 100 sezeních svého subjektu. Goya naproti tomu upřednostňoval jeden dlouhý den sezení. Průměr je asi čtyři. Portrétisté někdy prezentují svým posezením portfolio kreseb nebo fotografií, ze kterých by sitter vybral preferovanou pózu, stejně jako Sir Joshua Reynolds . Někteří, například Hans Holbein mladší, kreslí obličej a zbytek obrazu pak dokončují bez sittera. V 18. století by dodání hotového portrétu klientovi trvalo obvykle asi jeden rok.

Správa očekávání a nálady sittera je pro portrétisty vážným problémem. Pokud jde o věrnost portrétu vzhledu sittera, portrétisté jsou ve svém přístupu obecně konzistentní. Klienti, kteří vyhledali sira Joshuu Reynoldse, věděli, že se jim dostane lichotivého výsledku, zatímco hosté Thomase Eakinsa věděli, že mohou očekávat realistický, nešetřící portrét. Některé předměty vyjadřují silné preference, jiné nechávají umělce zcela rozhodnout. Oliver Cromwell skvěle požadoval, aby jeho portrétní show „všechny ty drsnosti, pupínky, bradavice a všechno, co mě vidíš, jinak za to nikdy nezaplatím.“

Poté, co uvolnil sittera a podpořil přirozenou pózu, umělec studuje svůj předmět a z mnoha možností hledá výraz jedné tváře, který uspokojuje jeho koncept esence sittera. Postoj subjektu je také pečlivě zvažován, aby odhalil emoční a fyzický stav sedícího, stejně jako kostým. Aby umělec zůstal zaměstnán a motivován, dovede často udržovat příjemné vystupování a konverzaci. Élisabeth Vigée-Lebrun doporučila ostatním umělkyním, aby lichotily ženám a komplimentovaly jejich vzhled, aby získaly spolupráci na zasedání.

Pro úspěšné provedení portrétu je ústředním bodem zvládnutí lidské anatomie . Lidské tváře jsou asymetrické a obratní umělci portrétů to reprodukují s jemnými rozdíly zleva doprava. Umělci potřebují mít znalosti o základní struktuře kostí a tkání, aby vytvořili přesvědčivý portrét.

Thomas Gainsborough , manželé Andrewsovi na jejich panství, c. 1750.

U složitých kompozic může umělec nejprve udělat kompletní tužku, inkoust, dřevěné uhlí nebo olejovou skicu, což je zvláště užitečné, pokud je omezený dostupný čas sittera. Jinak je na plátně načrtnuta obecná forma a poté hrubá podoba v tužce, dřevěném uhlí nebo tenkém oleji. V mnoha případech je obličej dokončen jako první a zbytek poté. V ateliérech mnoha skvělých portrétistů by mistr dělal jen hlavu a ruce, zatímco oblečení a pozadí doplňovali hlavní učni. Existovali dokonce i externí specialisté, kteří se zabývali konkrétními předměty, jako jsou například závěsy a oděvy, například Joseph van Aken. Někteří umělci v minulosti používali figurky nebo panenky, aby pomohli vytvořit a provést pózu a oblečení. Použití symbolických prvků umístěných kolem sittera (včetně značek, předmětů pro domácnost, zvířat a rostlin) bylo často používáno ke kódování obrazu s morálním nebo náboženským charakterem subjektu nebo se symboly představujícími sitterovo zaměstnání, zájmy nebo sociální postavení. Pozadí může být zcela černé a bez obsahu nebo plné scény, která sittera staví do jejich sociálního nebo rekreačního prostředí.

Autoportréty jsou obvykle vytvářeny pomocí zrcadla a konečným výsledkem je portrét zrcadlového obrazu, obrácení toho, co se v normálním portrétu vyskytuje, když jsou sitter a umělec naproti sobě. Na autoportrétu se zdá, že umělec s pravou rukou drží štětec v levé ruce, pokud umělec záměrně neopravuje obraz nebo při malování nepoužívá druhé zpětné zrcátko.

Klient nebo rodina klienta jsou z výsledného portrétu občas nespokojeni a umělec je povinen se ho znovu dotknout, provést to nebo odejít z provize, aniž by byl vyplacen, ponižující neúspěch. Jacques-Louis David oslavoval Portrét madame Récamier , velmi populární na výstavách, byl odmítnut sitterem, stejně jako notoricky známý Portrét Madame X od Johna Singera Sargenta . Celovečerní portrét Johna Trumbulla , generála George Washingtona v Trentonu , byl výborem, který jej zadal, odmítnut. Skvěle pichlavý Gilbert Stuart kdysi odpověděl na nespokojenost klienta s portrétem své ženy odpovědí: „Přinesl jsi mi brambor a očekáváš broskev!“

Úspěšný portrét však může klientovi získat celoživotní vděčnost. Hrabě Balthazar byl tak potěšen portrétem, který Raphael vytvořil pro svou manželku, že umělci řekl: „Tvoje podoba ... sama o sobě může mé starosti odlehčit. Ten obraz je mým potěšením; zaměřuji na něj své úsměvy, je to moje radost.“

Dějiny

Starověk

Římsko-egyptský pohřební portrét ženy

Kořeny portrétu se pravděpodobně vyskytují v prehistorických dobách, i když dnes přežívá jen málo z těchto děl. V umění starověkých civilizací Úrodného půlměsíce , zejména v Egyptě, je hojně zobrazeno vládců a vládců jako bohů. Většina z nich však byla provedena vysoce stylizovaným způsobem a většina z profilu, obvykle na kameni, kovu, hlíně, sádře nebo křišťálu. Egyptský portrét kladl relativně malý důraz na podobu, přinejmenším do období Achnatona ve 14. století před naším letopočtem. Portrétní malba významných osobností v Číně se pravděpodobně datuje více než 1000 před naším letopočtem, ačkoli nikdo z toho věku nepřežil. Stávající čínské portréty sahají přibližně do roku 1000 našeho letopočtu, ale až do určité doby poté kládly velký důraz na podobu.

Z literárních důkazů víme, že starořecká malba zahrnovala portrétování, často velmi přesné, pokud se má věřit chvále spisovatelů, ale nezůstávají žádné malované příklady. Vyřezávané hlavy vládců a slavné osobnosti, jako je Sokrates, přežívají v určitém množství a stejně jako individualizované busty helénistických vládců na mincích ukazují, že řecké portréty mohou dosáhnout dobré podoby a předměty, přinejmenším literárních postav, byly zobrazeny s relativně malou lichotkou - Sokratovy portréty ukazují, proč měl pověst ošklivého. Nástupci Alexandra Velikého zahájili praxi přidávání své hlavy (jako zbožňované postavy) ke svým mincím a brzy používali svou vlastní.

Římské portréty přijaly tradice portrétování jak od Etrusků, tak od Řeků, a vyvinuly velmi silnou tradici spojenou s jejich náboženským používáním portrétů předků a římskou politikou. Několik malovaných přeživších, na portrétech Fayum , Tomb of Aline a Severan Tondo , vše z Egypta pod římskou vládou, jsou jasně provinční produkce, která odráží spíše řecké než římské styly, ale máme spoustu vyřezávaných hlav, včetně mnoha individualizované portréty z hrobek střední třídy a tisíce typů portrétů mincí.

Značně největší skupinou malovaných portrétů jsou pohřební obrazy, které přežily v suchém podnebí egyptské čtvrti Fayum (viz obrázek níže) z 2. až 4. století n. L. Jsou to téměř jediné obrazy římského období, které přežily, kromě fresek , i když ze spisů Plinia Staršího je známo, že portrétní malba byla v řeckých dobách dobře zavedená a praktikována umělci jak muži, tak ženami. V jeho dobách si Pliny stěžoval na upadající stav římského portrétního umění: „Malba portrétů, které v průběhu věků přenášely přesnou podobu lidí, úplně vyšla ven ... Indolence zničila umění.“ Tyto celoobličejové portréty z římského Egypta jsou šťastnými výjimkami. Představují poněkud realistický smysl pro proporcionalitu a individuální detail (ačkoli oči jsou obecně nadměrně velké a umělecké dovednosti se značně liší od umělce k umělci). Fayumovy portréty byly namalovány na dřevo nebo slonovinu ve voskových a pryskyřičných barvách (enkaustika) nebo temperou a vloženy do obalu mumie, aby zůstaly s tělem po celou věčnost.

Zatímco v Římě se volně stojící portrétní malba zmenšila, umění portrétu vzkvétalo v římských sochách, kde sedící vyžadovali realismus, i když nelichotivý. Během 4. století dominoval sochařský portrét s ústupem ve prospěch idealizovaného symbolu toho, jak tato osoba vypadala. (Porovnejte portréty římských císařů Konstantina I. a Theodosia I. ) V období pozdní antiky zájem o podobu jednotlivce značně poklesl a většina portrétů v pozdně římských mincích a konzulárních diptychech je stěží individualizována, i když zároveň raně křesťanská umění vyvíjí poměrně standardizované obrazy pro zobrazení Ježíše a dalších významných osobností křesťanského umění, jako je Jan Křtitel a Svatý Petr .

Středověk

Malý soukromý Wilton Diptych pro Richarda II. V Anglii , c. 1400, s vyraženým zlatým pozadím a velkým množstvím ultramarínu .

Nejvíce raně středověké portréty byly portréty dárců , zpočátku většinou papežů v římských mozaikách , a iluminované rukopisy , příkladem je autoportrét spisovatelky, mystičky, vědkyně, iluminátorky a hudebnice Hildegardy z Bingenu (1152). Stejně jako u současných mincí nebyl ani malý pokus o podobu. Památky kamenných hrobek se rozšířily v románském období. V letech 1350-1400, sekulární hodnoty začaly znovu v fresek a deskových obrazů , například v Mistra Theodorika ‚s Charles IV, který je příjemcem věrnosti a portréty stal opět jasné podoby.

Kolem konce století se v Burgundsku a ve Francii objevily první olejoportréty současných jednotlivců, malované na malých dřevěných deskách, nejprve jako profily, poté v jiných pohledech. Wilton Diptych ca. 1400 je jedním ze dvou dochovaných panelových portrétů anglického Richarda II. , Nejstaršího anglického krále, pro kterého máme současné příklady.

Na konci středověku v 15. století byla raně nizozemská malba klíčem k rozvoji individualizovaného portrétu. Mezi mistry patřili mimo jiné Jan van Eyck , Robert Campin a Rogier van der Weyden . Do provozu byly zadány spíše malé portréty na malbu v deskách, které byly menší než polovina životní velikosti, a to nejen postavy z dvora, ale také to, co se z jejich relativně obyčejných šatů jeví jako bohatí měšťané. Miniatury v osvětlených rukopisech zahrnovaly také individualizované portréty, obvykle komisaře. V náboženských obrazech se portréty dárců začaly zobrazovat jako přítomné nebo se účastnily hlavních zobrazených posvátných scén a ve více soukromých dvorních obrazech se předměty dokonce objevovaly jako významné postavy, jako je Panna Maria .

renesance

Částečně kvůli zájmu o přírodní svět a částečně kvůli zájmu o klasické kultury starověkého Řecka a Říma dostaly portréty - jak malované, tak vytesané - důležitou roli v renesanční společnosti a byly oceňovány jako objekty a jako vyobrazení pozemského úspěchu a postavení. Malba obecně dosáhla nové úrovně rovnováhy, harmonie a vhledu a největší umělci (Leonardo, Michelangelo a Raphael) byli považováni za „génia“, kteří vysoko stoupali nad status obchodníka k cenným služebníkům soudu a církve.

Pokud básník říká, že dokáže lidi rozpálit láskou ...
malíř má moc udělat totéž ...
v tom, že může před milence
postavit skutečnou podobu milovaného,
často ho nutí líbat a mluvit.

-Leonardo da Vinci

Během tohoto plodného období se vyvinulo mnoho inovací v různých formách portrétu. Začala tradice miniatury portrétů , která zůstala populární až do věku fotografie a vyvíjela se ze schopností malířů miniatur v iluminovaných rukopisech . Profilové portréty inspirované starověkými medailony byly v Itálii obzvláště populární mezi lety 1450 a 1500. Medaile svými oboustrannými obrazy také inspirovaly krátkou dobu oboustranných obrazů na počátku renesance. Klasické sochařství, jako je Apollo Belvedere , také ovlivnilo výběr póz využívaných renesančními portrétisty, póz, které se v používání používaly po staletí. Leonardova Ginevra de 'Benci ( kolem  1474–148 ) je jedním z prvních známých portrétů ze tří čtvrtin v italském umění.

Severoevropští umělci vedli v realistických portrétech světských subjektů. Větší realismus a detail severních umělců v průběhu 15. století byl částečně způsoben jemnějšími tahy štětce a efekty, jaké byly u olejových barev možné , zatímco italští a španělští malíři stále používali temperu . Mezi první malíře, kteří vyvinuli olejovou techniku, byl Jan van Eyck . Olejové barvy mohou produkovat více textury a stupně tloušťky a mohou být vrstveny efektivněji, s přidáním stále silnějších vrstev jedna přes druhou (malíři ji označují jako „tuk nad štíhlou“). Olejové barvy také schnou pomaleji, což umělci umožňuje snadno provádět změny, například měnit detaily obličeje. Antonello da Messina byl jedním z prvních Italů, kteří začali využívat ropu. Vyučený v Belgii se usadil v Benátkách kolem roku 1475 a měl zásadní vliv na Giovanniho Belliniho a severoitalskou školu. Během 16. století se ropa jako médium rozšířila v popularitě po celé Evropě, což umožnilo honosnější vykreslování oděvů a šperků. Na kvalitu obrazů měl vliv také přechod ze dřeva na plátno , který začal v Itálii na počátku 16. století a v příštím století se rozšířil do severní Evropy. Plátno odolává praskání lépe než dřevo, lépe drží pigmenty a vyžaduje méně přípravy ―, ale zpočátku bylo mnohem vzácnější než dřevo.

Hned na začátku severní Evropané opustili profil a začali produkovat portréty realistického objemu a perspektivy. V Nizozemsku byl Jan van Eyck předním portrétistou. Arnolfiniho manželství (1434, Národní galerie , Londýn) je dominantou západního umění, časným příkladem celovečerního portrétního páru, skvěle malovaného v bohatých barvách a nádherných detailech. Ale stejně důležité je, že představuje nově vyvinutou techniku ​​olejomalby propagovanou van Eyckem, která způsobila revoluci v umění a rozšířila se po celé Evropě.

Přední němečtí portrétisté včetně Lucase Cranacha , Albrechta Dürera a Hanse Holbeina mladšího, kteří ovládali techniku ​​olejomalby. Cranach byl jedním z prvních umělců, kteří malovali celoživotní provize v životní velikosti, což byla tradice populární od té doby. V té době neměla Anglie žádného malíře portrétů první úrovně a umělci jako Holbein byli žádáni anglickými patrony. Jeho obraz sira Thomase More (1527), jeho prvního významného patrona v Anglii, má téměř realističnost fotografie. Holbein dosáhl svého velkého úspěchu malováním královské rodiny, včetně Jindřicha VIII . Dürer byl vynikajícím kreslířem a jedním z prvních velkých umělců, kteří vytvořili řadu autoportrétů, včetně malby na celou tvář. Postavu autoportrétu (jako diváka) také umístil do několika svých náboženských obrazů. Dürer začal pořizovat autoportréty ve svých třinácti letech. Později Rembrandt tuto tradici zesílil.

V Itálii Masaccio vedl v modernizaci fresky přijetím realističtější perspektivy. Filippo Lippi připravil cestu pro vývoj ostřejších kontur a klikatých linií a jeho žák Raphael v následujících desetiletích rozšířil realismus v Itálii na mnohem vyšší úroveň svými monumentálními nástěnnými malbami. Během této doby se stal oblíbeným zasnoubený portrét, zvláštní specialita Lorenza Lotta . Během rané renesance byly portrétní obrazy obecně malé a někdy pokryté ochrannými víčky, zavěšenými nebo posuvnými.

Během renesance chtěla zejména florentská a milánská šlechta realističtější představy o sobě. Výzva vytvořit přesvědčivé úplné a tříčtvrtinové pohledy podnítila experimentování a inovace. Sandro Botticelli , Piero della Francesca , Domenico Ghirlandaio , Lorenzo di Credi a Leonardo da Vinci a další umělci odpovídajícím způsobem rozšířili svou techniku ​​a přidali portrét k tradičním náboženským a klasickým tématům. Leonardo a Pisanello byli mezi prvními italskými umělci, kteří do svých světských portrétů přidali alegorické symboly.

Leonardo da Vinci , Mona Lisa nebo La Gioconda , 1503–1505 / 1507

Jedním z nejznámějších portrétů v západním světě je obraz Leonarda da Vinciho s názvem Mona Lisa , pojmenovaný pro Lisu del Giocondo , členku rodiny Gherardini ve Florencii a Toskánsku a manželku bohatého florentského obchodníka s hedvábím Francesca del Gioconda. Slavný „úsměv Mony Lisy“ je vynikajícím příkladem aplikace jemné asymetrie na obličej. Leonardo ve svých sešitech radí o kvalitách světla v portrétní malbě:

Ve tvářích těch, kteří sedí ve dveřích temných místností, kde oči pozorovatele vidí stínovanou část tváře zakrytou stíny místnosti, se přidává velmi vysoká milost ve světle a stínu. a vidět osvětlenou část obličeje s větší zářivostí, kterou mu vzduch dává. Díky tomuto nárůstu stínů a světel má tvář větší úlevu.

Leonardo byl studentem Verrocchia . Poté, co se stal členem Cechu malířů, začal přijímat nezávislé provize. Vzhledem k jeho širokým zájmům a v souladu s jeho vědeckou myslí je jeho produkce kreseb a předběžných studií obrovská, ačkoli jeho dokončený umělecký výstup je relativně malý. Mezi jeho další nezapomenutelné portréty patří portréty šlechtičen Ginevra de 'Benci a Cecilie Gallerani .

Raphaelovy přežívající portréty provizí jsou mnohem početnější než portréty Leonarda a zobrazují větší škálu póz, osvětlení a techniky. Spíše než produkovat revoluční inovace, velkým úspěchem Raphaela bylo posílení a zdokonalení vyvíjejících se proudů renesančního umění. Byl zvláště odborníkem na skupinový portrét. Jeho mistrovské dílo Škola v Aténách je jednou z nejvýznamnějších skupinových fresek, které v podobě starověkých filozofů obsahují podobizny Leonarda, Michelangela, Bramanteho a samotného Raphaela. Nebyl to první skupinový portrét umělců. Před několika desetiletími Paolo Uccello namaloval skupinový portrét včetně Giotta , Donatella , Antonia Manettiho a Brunelleschiho . Když se Raphael proslavil, stal se oblíbeným papežským portrétistou. Zatímco mnoho renesančních umělců dychtivě přijímalo provize za portréty, několik umělců je odmítlo, zejména Raphaelův rival Michelangelo , který se naopak ujal obrovských provizí v Sixtinské kapli .

V Benátkách kolem roku 1500 dominovali portrétní malba Gentile Bellini a Giovanni Bellini . Dostali nejvyšší provize od předních státních úředníků. Belliniho portrét Doge Loredan je považován za jeden z nejlepších portrétů renesance a šikovně demonstruje umělcovo zvládnutí nově příchozích technik olejomalby. Bellini je také jedním z prvních umělců v Evropě, který podepsal svou práci, i když s nimi zřídka chodil. Později v 16. století převzal Titian téměř stejnou roli, zejména rozšířením rozmanitosti póz a posezení svých královských poddaných. Tizian byl možná první skvělý dětský portrétista. Poté, co se Tizian, Tintoretto a Veronese stali předními benátskými umělci, pomáhali přechodu k italskému manýrismu . Manýristé přispěli mnoha výjimečnými portréty, které zdůrazňovaly materiální bohatost a elegantně složité pózy, jako v dílech Agnola Bronzina a Jacopa da Pontorma . Bronzino proslavil svou rodinu Medici . Jeho odvážný portrét Cosima I. Medicejského zobrazuje strohého vládce v brnění s ostražitým pohledem upřeným na jeho krajní pravici, v ostrém kontrastu s většinou královských obrazů, které ukazují, že jejich sedící jsou neškodní panovníci. El Greco , který dvanáct let trénoval v Benátkách, se po svém příchodu do Španělska vydal extrémnějším směrem a zdůraznil svou „vnitřní vizi“ sittera do té míry, že zmenšil realitu fyzického vzhledu. Jedním z nejlepších portrétistů Itálie 16. století byla Sofonisba Anguissola z Cremony, která svým individuálním i skupinovým portrétům dodala novou úroveň složitosti.

Dvorní portrétování ve Francii začalo, když vlámský umělec Jean Clouet kolem roku 1525 namaloval svou honosnou podobu Františka I. ve Francii. Král František byl velkým patronem umělců a chlípným sběratelem umění, který pozval Leonarda da Vinciho, aby žil ve Francii během jeho pozdějších let. Mona Lisa zůstala ve Francii poté, co Leonardo tam zemřel.

Baroko a rokoko

Skupinový portrét Rembrandta , The Syndics of the Clothmaker's Guild , 1662.

Během období baroka a rokoka (17. a 18. století) se portréty staly ještě důležitějšími záznamy o stavu a poloze. Ve společnosti, kde stále více dominují sekulární vůdci mocných soudů, byly obrazy bohatě oblečených osob prostředkem k potvrzení autority důležitých jednotlivců. Vlámští malíři Sir Anthony van Dyck a Peter Paul Rubens vynikali v tomto typu portrétu, zatímco Jan Vermeer produkoval portréty převážně střední třídy, při práci a hraní v interiérech. Rubensův portrét sebe a své první manželky (1609) v jejich svatebním oděvu je virtuózním příkladem dvojice portrétů. Rubensova sláva přesahovala jeho umění - byl dvořanem, diplomatem, sběratelem umění a úspěšným obchodníkem. Jeho ateliér byl v té době jedním z nejrozsáhlejších, kromě portrétu zaměstnával i specialisty na zátiší, krajinu, zvířata a žánrové scény. Van Dyck tam trénoval dva roky. Charles já Anglie nejprve zaměstnal Rubense, poté importoval van Dycka jako jeho dvorního malíře, povýšil jej do rytířského stavu a udělil mu dvorský status. Van Dyck přizpůsobil nejen Rubensovy výrobní metody a obchodní dovednosti, ale také jeho elegantní chování a vzhled. Jak bylo zaznamenáno: „Vždycky šel skvěle oblečený, měl četné a galantní vybavení a ve svém bytě udržoval tak ušlechtilý stůl, že jen málo princů nebylo více navštěvováno nebo lépe obsluhováno.“ Ve Francii dominoval Hyacinthe Rigaud podobně jako pozoruhodný kronikář královské rodiny, který maloval portréty pěti francouzských králů.

Jednou z inovací renesančního umění bylo vylepšené vykreslení výrazů obličeje, které doprovází různé emoce. Holandský malíř Rembrandt zejména prozkoumal mnoho výrazů lidské tváře, zejména jako jeden z předních autoportrétů (kterých během svého života namaloval přes 60). Tento zájem o lidskou tvář také podpořil vytvoření prvních karikatur připisovaných Accademia degli Incamminati , kterou na konci 16. století v italské Bologni vedli malíři rodiny Carracci .

Skupinové portréty byly během baroka produkovány ve velkém počtu, zejména v Nizozemsku. Na rozdíl od zbytku Evropy nedostávali nizozemští umělci žádné provize od kalvínské církve, která takové obrazy zakazovala, nebo od aristokracie, která prakticky neexistovala. Místo toho přišly provize od občanských a podnikatelských sdružení. Holandský malíř Frans Hals použil tekuté tahy štětcem živé barvy k oživení svých skupinových portrétů, včetně portrétů civilní stráže, k nimž patřil. Rembrandt měl z těchto provizí velký užitek a z obecného ocenění umění buržoazními klienty, kteří podporovali portrétování, zátiší a malbu krajiny. V té době navíc v Holandsku vzkvétal první významný umělecký a dealerský trh.

Díky velké poptávce mohl Rembrandt experimentovat s nekonvenčním složením a technikou, jako je šerosvit . Předvedl tyto inovace propagované italskými mistry, jako je Caravaggio , zejména ve své slavné Noční hlídce (1642). Lekce Anatomie dr. Tulpa (1632) je dalším skvělým příkladem Rembrandtova mistrovství ve skupinové malbě, ve kterém vykoupává mrtvolu v jasném světle, aby upozornil na střed obrazu, zatímco oblečení a pozadí splývají v černou, takže tváře chirurga a studentů vynikají. Je to také první obraz, který Rembrandt podepsal svým celým jménem.

Ve Španělsku namaloval Diego Velázquez Las Meninas (1656), jeden z nejslavnějších a nejzáhadnějších skupinových portrétů všech dob. Připomíná umělce a děti španělské královské rodiny a očividně jsou sedícími královský pár, který je viděn pouze jako odrazy v zrcadle. Velázquez, který začínal primárně jako žánrový malíř, se rychle prosadil jako dvorní malíř Filipa IV. , Vynikal v umění portrétu, zejména v rozšiřování složitosti skupinových portrétů.

Rokokoví umělci, kteří se zvláště zajímali o bohatou a složitou výzdobu, byli mistři rafinovaného portrétu. Jejich pozornost věnovaná detailům oděvů a textur zvýšila účinnost portrétů jako důkazů světského bohatství, o čemž svědčí slavné portréty madame de Pompadour od Françoise Bouchera, oblečené do vlněných hedvábných šatů.

Louis XIV Francie a jeho rodina vylíčil jako římské bohy v obraze 1670 od Jean Nocret .

Prvními významnými domorodými malíři portrétů britské školy byli angličtí malíři Thomas Gainsborough a Sir Joshua Reynolds , kteří se také nápadně specializovali na oděv svých předmětů. Gainsboroughův Modrý chlapec je jedním z nejznámějších a nejuznávanějších portrétů všech dob, malovaný velmi dlouhými štětci a tenkou olejovou barvou pro dosažení třpytivého efektu modrého kostýmu. Gainsborough byl také známý pro jeho komplikované nastavení pozadí pro jeho předměty.

Oba britští umělci měli na používání asistentů opačné názory. Reynolds je pravidelně zaměstnával (někdy sám dělal jen 20 procent malby), zatímco Gainsborough jen zřídka. Někdy klient vytáhl slib od umělce, stejně jako Sir Richard Newdegate od portrétisty Petera Lelyho (van Dyckův nástupce v Anglii), který slíbil, že portrét bude „od začátku do konce drawne s mými vlastními rukama“. Na rozdíl od přesnosti, kterou používají vlámští mistři, shrnul Reynolds svůj přístup k portrétu tvrzením, že „milost a, můžeme dodat, podobnost, spočívá spíše v nasávání obecného vzduchu, než v pozorování přesné podobnosti všech rysů. . “ V Anglii byl prominentní také William Hogarth , který se odvážil vzdát konvenčních metod zavedením doteků humoru do svých portrétů. Jeho „Autoportrét s Pugem“ je zjevně spíše vtipným pohledem na jeho domácího mazlíčka než požitkářskou malbou.

V 18. století získaly malíře nový význam, zejména v oblasti portrétu. Mezi pozoruhodné umělkyně patří francouzská malířka Elisabeth Vigée-Lebrun , italská pastelová umělkyně Rosalba Carriera a švýcarská umělkyně Angelica Kauffman . Také během tohoto století, před vynálezem fotografie, byly vysoce ceněny miniaturní portréty ― malované s neuvěřitelnou přesností a často zalité zlatem nebo smaltovanými medailony ―.

Ve Spojených státech se John Singleton Copley , vyškolený v rafinovaném britském stylu, stal předním malířem portrétů v plné velikosti a miniatur, přičemž jeho hyperrealistické obrazy Samuela Adamse a Paula Revereho byly zvláště dobře pokládány. Copley je také pozoruhodný jeho úsilím o sloučení portrétu s akademicky více uctívaným uměním historického malířství, o které se pokusil se svými skupinovými portréty slavných vojáků. Stejně slavný byl Gilbert Stuart, který namaloval více než 1000 portrétů a byl známý především svým prezidentským portrétem. Stuart namaloval více než 100 replik samotného George Washingtona . Stuart pracoval rychle a použil jemnější a méně podrobné tahy štětce než Copley, aby zachytil podstatu svých předmětů. Někdy by pro klienta vytvořil několik verzí, které by sitterovi umožnily vybrat si jeho oblíbenou. Stuart si všiml svých růžových lícních tónů a napsal: „Maso není jako žádná jiná látka pod nebem. Má veškerou veselost obchodů s hedvábím, aniž by se jednalo o křiklavý lesk a jemnost starého mahagonu bez jeho smutku.“ Dalšími významnými americkými portrétisty koloniální éry byli John Smibert , Thomas Sully , Ralph Earl , John Trumbull , Benjamin West , Robert Feke , James Peale , Charles Willson Peale a Rembrandt Peale .

19. století

Na konci 18. století a na počátku 19. století pokračovali neoklasičtí umělci v tradici zobrazování předmětů v nejnovější módě, což pro ženy do té doby znamenalo diafanové šaty pocházející ze starořeckých a římských oděvních stylů. Umělci použili směrované světlo k definování textury a jednoduché zaoblení tváří a končetin. Francouzští malíři Jacques-Louis David a Jean-Auguste-Dominique Ingres předvedli virtuozitu v této technice podobné kreslíři i důkladné oko pro charakter. Ingres, Davidův student, je pozoruhodný svými portréty, na nichž je za objektem namalováno zrcadlo, které simuluje zadní pohled na předmět. Jeho portrét Napoleona na jeho císařském trůnu je prohlídkou královského portrétu. (viz Galerie níže)

Romantičtí umělci, kteří pracovali v první polovině 19. století, malovali portréty inspirativních vůdců, krásných žen a rozrušených předmětů pomocí živých tahů štětce a dramatického, někdy náladového osvětlení. Francouzští umělci Eugène Delacroix a Théodore Géricault namalovali obzvláště jemné portréty tohoto typu, zejména temperamentní jezdce. Pozoruhodným příkladem umělce romantického období v Polsku , který praktikoval portrét jezdce, byl Piotr Michałowski (1800–1855). Pozoruhodná je také Géricaultova řada portrétů pacientů s mentálním postižením (1822–1824). Španělský malíř Francisco de Goya namaloval některé z nejvyhledávanějších a provokativních obrazů tohoto období, včetně La maja desnuda (kolem 1797–1800), stejně jako slavné dvorní portréty Karla IV .

K realista umělce 19. století, jako je například Gustave Courbet , vytvořila objektivní portrétů zobrazujících nižší a střední třídy lidí. Courbet demonstroval svůj romantismus a namaloval několik autoportrétů, které se ukázaly v různých náladách a výrazech. Mezi další francouzské realisty patří Honoré Daumier, který vytvořil mnoho karikatur svých současníků. Henri de Toulouse-Lautrec zaznamenal některé ze slavných umělců divadla, včetně Jane Avril, a zachytil je v pohybu. Francouzský malíř Édouard Manet byl významným přechodovým umělcem, jehož tvorba se pohybuje mezi realismem a impresionismem . Byl portrétistem vynikajícího vhledu a techniky a jeho obraz Stéphana Mallarmého je dobrým příkladem jeho přechodného stylu. Jeho současník Edgar Degas byl primárně realista a jeho malba Portrét rodiny Bellelli je zasvěceným ztvárněním nešťastné rodiny a jednoho z jeho nejlepších portrétů.

V Americe vládl jako přední malíř portrétů Thomas Eakins , který posunul realismus na novou úroveň upřímnosti, zejména se svými dvěma portréty chirurgů v práci i atletů a hudebníků v akci. Na mnoha portrétech, například „Portrét paní Edith Mahonové“, Eakins odvážně vyjadřuje nelichotivé emoce smutku a melancholie.

Realisté většinou ustoupili impresionistům do 70. let 19. století. Částečně kvůli jejich skromným příjmům se mnoho impresionistů spoléhalo na to, že jim budou modelovat rodina a přátelé, a malovali intimní skupiny a jednotlivé postavy buď venku, nebo ve světlých interiérech. Impresionistické portréty, známé svými třpytivými povrchy a bohatými barvami, jsou často odzbrojující a intimní. Francouzští malíři Claude Monet a Pierre-Auguste Renoir vytvořili některé z nejoblíbenějších obrazů jednotlivých sedících a skupin. Americká umělkyně Mary Cassatt , která trénovala a pracovala ve Francii, je dodnes oblíbená pro své poutavé obrazy matek a dětí, stejně jako Renoir. Paul Gauguin a Vincent van Gogh , oba Postimpresionisté , malované odhalující portréty lidí, které znal, vířící v barvě, ale ne nutně lichotivé. Jsou stejně, ne-li více, oslavováni pro své silné autoportréty.

John Singer Sargent také překlenul změnu století, ale odmítl zjevný impresionismus a postimpresionismus. Byl nejúspěšnějším malířem portrétů své doby, používal většinou realistickou techniku, často využívanou k brilantnímu použití barev. Stejným způsobem byl schopen pořídit individuální i skupinové portréty, zejména rodin vyšších vrstev. Sargent se narodil v italské Florencii americkým rodičům. Studoval v Itálii a Německu a v Paříži. Sargent je považován za posledního významného představitele britské portrétní tradice počínaje van Dyckem. Dalším významným americkým portrétistou, který trénoval v zahraničí, byl William Merritt Chase . Americká malířka společnosti Cecilia Beaux , zvaná „žena Sargent“, se narodila z francouzského otce, studovala v zahraničí a získala úspěch doma, držela se tradičních metod. Dalším portrétistou ve srovnání se Sargentem pro jeho svěží techniku ​​byl pařížský umělec narozený v Itálii Giovanni Boldini , přítel Degase a Whistlera .

Američan-narozený internacionalista James Abbott McNeill Whistler byl dobře propojen s evropskými umělci a také maloval některé výjimečné portréty, nejvíce slavně jeho Uspořádání v šedé a černé barvě, Umělcova matka (1871), známá také jako Whistlerova matka . I se svými portréty, stejně jako s tonální krajinou, Whistler chtěl, aby se jeho diváci zaměřili na harmonické uspořádání formy a barvy v jeho obrazech. Whistler použil tlumenou paletu k vytvoření zamýšlených efektů, zdůraznil vyvážení barev a jemné tóny. Jak uvedl, „jak je hudba poezií zvuku, tak i maluje poezii zraku a předmět nemá nic společného s harmonií zvuku nebo barev.“ Forma a barva byly také středem Cézannova portrétu, zatímco ještě extrémnější barva a technika tahu štětcem dominují portréty André Deraina a Henriho Matisse .

Vývoj fotografie v 19. století měl výrazný vliv na portrétování a nahradil dřívější camera obscura, která se dříve také používala jako pomůcka při malování. Mnoho modernistů se hrnlo do fotografických studií, aby si nechali pořídit své portréty, včetně Baudelaira, který, i když prohlásil fotografii za „nepřítele umění“, přitahoval upřímnost a moc fotografie. Poskytnutím levné alternativy fotografie nahradila většinu z nejnižší úrovně portrétní malby. Někteří realističtí umělci, jako například Thomas Eakins a Edgar Degas , byli z fotografování fotoaparátem nadšení a shledali, že je užitečnou pomůckou pro kompozici. Od impresionistů našli malíři portrétů nesčetné množství způsobů, jak reinterpretovat portrét tak, aby účinně konkuroval fotografii. Sargent a Whistler byli mezi těmi, kteří byli stimulováni k rozšíření své techniky, aby vytvořili efekty, které kamera nemohla zachytit.

20. století

Portrét Gertrude Steinové , 1906, Metropolitní muzeum umění , New York City. Když někdo poznamenal, že Stein nevypadá jako její portrét, Picasso odpověděl: „Bude.“

Ostatní umělci počátku 20. století také rozšířili repertoár portrétu novými směry. Fauvistický umělec Henri Matisse vytvořil silné portréty s použitím nepřirozených, až křiklavých barev pro tóny pleti. Cézanne ve svých portrétech spoléhal na vysoce zjednodušené formy, vyhýbal se detailům a zdůrazňoval barevné srovnání. Jedinečný styl Rakušana Gustava Klimta aplikoval na své nezapomenutelné portréty byzantské motivy a zlatou barvu. Jeho žák Oskar Kokoschka byl významným portrétistou vídeňské vyšší třídy. Plodný španělský umělec Pablo Picasso namaloval mnoho portrétů, včetně několika kubistických ztvárnění svých milenek, ve kterých je podoba subjektu hrubě zkreslena, aby bylo dosaženo emocionální výpovědi, která přesahuje hranice normální karikatury. Vynikající malířkou portrétů z přelomu 20. století, spojenou s francouzským impresionismem , byla Olga Boznańska (1865–1940). Expresionističtí malíři poskytli některé z nejstrašidelnějších a nejpřesvědčivějších psychologických studií, jaké kdy byly vyrobeny. Němečtí umělci jako Otto Dix a Max Beckmann vytvořili pozoruhodné příklady expresionistického portrétu. Beckmann byl plodný autoportrétista a produkoval nejméně dvacet sedm. Amedeo Modigliani namaloval mnoho portrétů ve svém podlouhlém stylu, který znehodnocoval „vnitřní osobu“ ve prospěch přísného studia formy a barvy. Aby toho dosáhl, zdůraznil normálně výrazné oči a obočí až do zčernalých štěrbin a jednoduchých oblouků.

Britské umění představovali vorticisté , kteří na počátku 20. století malovali některé pozoruhodné portréty. Dada malíř Francis Picabia provedeny četné portréty svým jedinečným způsobem. Navíc, Tamara de Lempicka ‚s portréty úspěšně zachytil Art Deco éry s ní zjednodušen křivky, syté barvy a ostré úhly. V Americe byli Robert Henri a George Bellows skvělými portrétisty 20. a 30. let americké realistické školy. Max Ernst vytvořil příklad moderního kolegiálního portrétu se svým obrazem Všichni přátelé společně z roku 1922 .

Významným způsobem k rozvoji portrétní malby v letech 1930–2000 přispěli ruští umělci, kteří se zabývají především tradicemi realistické a figurální malby. Mezi nimi by se měli jmenovat Isaak Brodsky , Nikolai Fechin , Abram Arkhipov a další.

Produkce portrétů v Evropě (s výjimkou Ruska) a v Americe obecně poklesla ve 40. a 50. letech 20. století v důsledku rostoucího zájmu o abstrakci a nefigurativní umění. Jedinou výjimkou však byl Andrew Wyeth, který se vyvinul v předního amerického realistického malíře portrétů. U Wyetha je realismus, i když zjevný, druhořadý k tonálním kvalitám a náladě jeho obrazů. Výstižně to dokazuje jeho významná řada obrazů známých jako obrazy „Helga“, největší skupina portrétů jedné osoby od kteréhokoli významného umělce (247 studií jeho sousedky Helgy Testorfové, oblečené a nahé, v různých prostředích, malované během období 1971–1985).

V 60. a 70. letech došlo k oživení portrétování. Angličtí umělci jako Lucian Freud (vnuk Sigmunda Freuda ) a Francis Bacon vytvořili silné obrazy. Baconovy portréty jsou pozoruhodné svou děsivou kvalitou. V květnu 2008 byl Freudův portrét Benefits Supervisor Sleeping z roku 1995 prodán aukcí společností Christie's v New Yorku za 33,6 milionu dolarů, čímž vytvořil světový rekord v hodnotě prodeje obrazu žijícího umělce.

Mnoho současných amerických umělců, jako Andy Warhol , Alex Katz a Chuck Close , učinilo z lidské tváře ústřední bod své práce.

Warhol byl jedním z nejplodnějších malířů portrétů ve 20. století. Warholova malba Orange Shot Marilyn z Marilyn Monroe je ikonickým časným příkladem jeho tvorby z 60. let a Orange Prince (1984) popového zpěváka Prince je pozdějším příkladem, oba vykazují Warholov jedinečný grafický styl portrétu.

Specialitou společnosti Close byly obrovské hyperrealistické portréty „hlavy“ o velikosti stěny založené na fotografických obrázcích. Jamie Wyeth pokračuje v realistické tradici svého otce Andrewa a produkuje slavné portréty, jejichž předměty sahají od prezidentů po prasata.

Islámský svět a jižní Asie

Mughal císař Jahangir často musel sám líčen se svatozáří nebývalé velikosti. ca. 1620

Miniaturní perské tradice zamezit přijetí hodnoty individuálně obličejové rysy po dlouhou dobu, částečně z náboženských důvodů, aby se zabránilo náznak modlářství . Vládci v islámském světě nikdy nedávali své obrazy na své mince a jejich vzhled nebyl součástí jejich úsilí o public relations tak, jako tomu bylo na Západě. I když je jasné, že scéna ukazuje dvůr knížete, který zadal dílo, rysy hlavní postavy mají stejné spíše čínské rysy jako všechny ostatní. Zdá se, že tato dlouhotrvající konvence pochází ze začátku miniaturní tradice za mongolských Ilkhanidů , ale dlouho je přežila.

Když se perská tradice v Indii vyvinula jako Mughalská miniatura , věci se rychle změnily. Na rozdíl od svých perských předchůdců kladli mughalští patroni velký důraz na detailní naturalistické podobnosti všech neznámých přírodních forem jejich nové říše, jako jsou zvířata, ptáci a rostliny. Měli stejný postoj k lidskému portrétu a jednotlivé portréty, obvykle z profilu, se staly důležitým rysem tradice. Toto dostalo zvláštní důraz u císaře Akbara Velikého , který, jak se zdá, byl dyslektik , a sám stěží dokázal číst nebo psát. Nechal si vyrobit velké album ( muraqqa ) s portréty všech předních členů svého obrovského dvora a použil ho při zvažování schůzek s jeho poradci v celé říši.

Pozdější císaři, zejména Jahangir a Shah Jahan , velmi využívali idealizované miniaturní portréty sebe samých jako formu propagandy a distribuovali je významným spojencům. Tito často představovali halo větší než ty, které dostaly jakékoli náboženské osobnosti. Takové obrazy šířily myšlenku portrétu panovníka i na menší dvory, takže v 18. století mnoho malých rajahů udržovalo dvorní umělce, kteří je zobrazovali, jak si užívají knížecí činnosti, v poměrně stylizovaných obrazech, které kombinují smysly neformálnosti a majestátu.

Osmanské miniatury měly obecně postavy s tvářemi ještě méně individualizovanými než jeho perské ekvivalenty, ale vyvinul se žánr malých portrétů mužů z císařské rodiny. Ty měly velmi individuální a poněkud přehnané rysy, některé se střetávaly s karikaturami ; pravděpodobně je viděl jen velmi omezený kruh.

Perská dynastie Qajar od roku 1781 pořizuje velké královské portréty v olejích, miniaturách a textilních tapetách. Těm obvykle dominují nádherné kostýmy a dlouhé vousy šáhů.

Čínská portrétní malba

Čínská portrétní malba byla pomalá touha nebo dosažení skutečné podoby. Mnoho „portrétů“ obsahovalo slavné osobnosti z minulosti a ukazovalo představu o tom, jak by tato osoba měla vypadat. Buddhističtí duchovní, zejména v sochařství, z toho byli výjimkou. Portréty císaře byly dlouho nikdy neviděny na veřejnosti, částečně ze strachu, že špatné zacházení s nimi může zneuctít císaře nebo dokonce způsobit smůlu. Nejvyšším ministrům bylo povoleno jednou ročně vzdávat poctu obrazům v císařské galerii portrétů předků , jako zvláštní poctu.

Dynastie Han (206 př. N. L. - 220 n. L.)

Během dynastie Han vzestup konfucianismu , který považoval člověka za střed vesmíru a společnosti, vedl k zaměření na psychologickou studii. Mezitím taoističtí vědci zahájili studium fyziognomie . Kombinované zájmy o lidské psychologické a fyzické rysy způsobily nárůst biografie a portrétu. Portrétní obrazy vytvořené během dynastie Han byly považovány za prototypy nejstarších čínských portrétních obrazů, z nichž většina byla nalezena na stěnách palácových sálů, hrobových komor a nabízejících svatyně. Například vyrytá postava muže nalezeného v náhrobní desce ze západního Henanu ze třetího století před naším letopočtem naznačuje malířovo pozorování a touhu vytvářet živé postavy. Subjekty většiny portrétů na zdi jsou však anonymní postavy, které se účastní konverzace. Navzdory živému zobrazení fyzických rysů a výrazu obličeje, kvůli nedostatku identity a úzké vazbě na narativní kontext, mnozí učenci kategorizují tyto nástěnné malby dynastie Han jako „postavy postav v akci“ místo skutečných podobností konkrétních jednotlivců.

Dynastie Jin (265–410 nl)

Jin dynastie byl jedním z nejvíce bouřlivých období ve starověké čínské historii. Po desetiletích válek mezi třemi státy Wei , Shu a Wu od roku 184 do roku 280 nl Sima Yan v roce 266 nl nakonec založila dynastii Western Jin. Nestabilní společensko-politické prostředí a klesající imperiální autorita vyústily v přechod od konfucianismu k neo-daoismu . Jak vzkvétal postoj narušující sociální hierarchii a slušnost, mezi inteligencí začal růst sebevyjádření a individualismus.

Sedm mudrců v Bamboo Grove a Rong Qiqi je thread-reliéf malby na dlaždice nalézt v Jin dynastie cihlově chambered hrobky v Nanjingu . Reliéf je 96 palců na délku a 35 palců na šířku, s více než 300 cihlami. Jedná se o jeden z nejzachovalejších obrazů reliéfu vláken z dynastie Jin, které odrážejí vysoce kvalitní řemeslné zpracování. Reliéf má dvě části a každá obsahuje čtyři portréty postav. Podle jmen zapsaných vedle postav, shora dolů a zleva doprava, je osm postav Rong Qiqi , Ruan Xian , Liu Ling , Xiang Xiu , Ji Kang , Ruan Ji , Shan Tao , a Wang Rong . Kromě Rong Qiqi bylo dalších sedm lidí slavnými neo-daoistickými učenci dynastie Jin a byli známí jako „ Sedm mudrců z bambusového háje “. Byli to vynikající inteligence, kteří dosáhli literatury, hudby nebo filozofie. Reliéf zobrazuje narativní scénu osmi kultivovaných pánů, kteří sedí na zemi v háji a provádějí různé činnosti. Postavy byly zobrazeny v uvolněné a vstřebatelné pozici na sobě volné šaty s bosými nohami.

Historicky zaznamenané nápisy jmen vedle postav způsobují, že reliéfní malba funguje jako „portrét představuje konkrétní lidi“. Ikonografické detaily každé postavy založené na biografii navíc poskytují míru individualizace. Například biografie Liu Ling v Knize Jin zaznamenává jeho posedlost alkoholem. Při úlevě sedí postava Liu Ling v ležérní pozici se zakřiveným kolenem a drží erbei , nádobu na alkohol, zatímco druhou ruku namáčí do šálku, aby ochutnala drink. Portrét odráží podstatu vlastností a temperamentu Liu Ling. Postava Ruana Xiana, který byl podle Knihy Jin proslul hudebními talenty, hraje v portrétu na flétnu.

Gu Kaizhi , jeden z nejslavnějších umělců dynastie Východní Jin, ve své knize O malbě instruoval, jak odrážet vlastnosti sittera přesným vykreslením fyzických rysů . Zdůraznil také zachycení ducha sedícího pomocí živého zobrazení očí.

Dynastie Tchang (618–907)

Během dynastie Tchang došlo v portrétu k nárůstu humanizace a personalizace. Kvůli přílivu buddhismu přijal malířský portrét realističtější podobu, zejména pro portréty mnichů. Víra v „dočasnou neporušitelnost“ nesmrtelného těla v mahájánovém buddhismu spojovala přítomnost v obraze s přítomností ve skutečnosti. Portrét byl považován za vizuální ztělesnění a náhradu skutečné osoby. Skutečná podoba byla tedy vysoce ceněna v obrazech a sochách mnichů. Nástěnná malba portrétů z dynastie Tchang si cení duchovní kvality - „animace prostřednictvím duchovní souznění“ ( qi yun shen tong ).

Pokud jde o císařský portrét, císař Taizong , druhý císař dynastie Tchang, používal portréty k legitimizaci posloupnosti a posílení moci. Zadal Portrét císařů nástupnictví, který obsahuje portréty 13 císařů v předchozích dynastiích v chronologickém pořadí. Mezi vybranými císaři bylo běžné, že to byli synové zakladatelů dynastií. Vzhledem k tomu, že otec císaře Taizonga , císař Gaozu , byl zakladatelem dynastie Tchang, výběr císaře Taizonga z předchozích císařů v podobném postavení sloužil jako politická narážka. Jeho nástupnictví bylo pochybné a kritické, protože zavraždil dva ze svých bratrů a přinutil svého otce, aby mu předal trůn. Zadáním kolektivních portrétů předchozích císařů se zaměřil na legitimizaci přenosu vlády. Rozdíl v kostýmech vylíčených císařů navíc implikoval názor císaře Taizonga na ně. Císaři vylíčení v neformálních kostýmech byli považováni za špatné příklady vládce, jako byl slabý nebo násilný, zatímco u těch ve formálních šatech se myslelo, že dosahují buď civilních, nebo vojenských úspěchů. Provize byla nepřímou metodou císaře Taizonga k prohlášení, že jeho úspěchy předčily předchozí císaře. Císař Taizong také objednal sérii portrétních obrazů slavných učenců a intelektuálů, než se stal císařem. Pokusil se spřátelit s intelektuály tím, že dal portréty na zeď Pingyanského pavilonu jako signál úcty. Portréty také sloužily jako důkaz, že získal politickou podporu od vylíčených slavných vědců, aby vystrašil své oponenty. Za jeho vlády si císař Taizong nechal pověřit portréty, na nichž přijímal oběti od velvyslanců dobytých cizích zemí, aby oslavili a propagovali jeho vojenské úspěchy.

Dynastie písní (960–1279)

Portrét zenového buddhisty Wuzhun Shifana , 1238 n. L

Během dynastie Song , Emperor Gaozong pověřil Portréty Konfucius sedmdesát dva učedníků ( sheng xian TU ) na prázdném místě se vlastnoruční nápisem. Postavy byly vykresleny živými liniemi, animovanými gesty a výrazy obličeje byly vykresleny jako narativní kvalita. Portrét svatých a jeho učedníků byl nalezen na kamenné desce na zdi Imperial University jako morální kodex pro vzdělávání studentů. Vědci však tvrdili, že skutečným účelem komise císaře Gaozonga bylo oznámit, že jeho politika byla podpořena konfucianismem, jakož i jeho kontrolou nad konfuciánským dědictvím.

Yuan dynastie (1271–1368)

Yuan dynastie byl zlomový okamžik v čínské historii. Poté, co mongolská říše dobyla čínskou pevninu a ukončila dynastii Song, byla tradiční čínská inteligence ponechána v situaci dilematu volby mezi vyloučením ze zahraniční vlády nebo pokračováním v nové politické kariéře. Toto dilema odráží portrétní malby „mužů kultury“ ( wen ren hua ) v té době. Například Portrét Yang Qiana zobrazoval, jak stojí v bambusovém lese. Zatímco bambus symbolizuje jeho morální správnost, napůl uzavřený a napůl otevřený prostor v pozadí se zmiňuje o jeho potenciálu volby mezi uzavřením a službou v mongolské vládě.

Pokud jde o císařský portrét, Portrét Kublaie a Portrét Chabi mongolského císařského malíře Araniko v roce 1294 odráží spojení tradičních čínských císařských portrétních technik a himalájsko-mongolské estetické hodnoty. Kublajchán byl zobrazen jako starší muž, zatímco císařovna Chabi byla zobrazena v mládí, oba měli na sobě tradiční mongolské imperiální kostýmy. Araniko přijala techniku ​​čínského portrétu, jako je obrys tvaru inkoustem a zesílení tvaru barvou, zatímco zvýraznění Chabiho šperků se stejným odstínem, ale světlejší hodnotou se ukázalo jako pokračování himálajského stylu. Plná čelní orientace sedících a jejich soustředěného žáka dodává divákovi konfrontační dopad, který odráží nepálskou estetiku a styl. Vysoce symetrická kompozice a tuhé zobrazení vlasů a oděvů se lišily od předchozího malířského stylu dynastie Song. Existuje jen málo důsledků pro morální zásluhy sedících nebo jejich osobnosti, což naznačuje odtržení malíře od sittera, což je v rozporu s důrazem dynastie Song na zachycení ducha.

Dynastie Čching (1636–1912)

Během dynastie Čching byl do Číny importován evropský maškarní dvorní portrét z 18. století, který zobrazoval aristokraty, kteří se účastnili různých aktivit v různých kostýmech. Yongzheng císař a jeho syn, Čchien-lung , zadala řadu maškarní portrétní malby s různými politickými důsledky. Ve většině maškarních portrétů císaře Yongzheng nosí exotické kostýmy, jako je oblek evropského gentlemana. Nedostatek nápisu na portrétu ponechává jeho záměr nejasný, ale někteří vědci se domnívají, že exotický kostým odráží jeho zájem o cizí kulturu a touhu vládnout světu. Ve srovnání s nejednoznačným postojem císaře Yongzheng napsal císař Čchien-lung na své maškarní portréty nápisy, aby oznámil svou filozofii „způsobu vládnutí“, která měla skrývat a podvádět, aby jeho podřízení a nepřátelé nemohli vystopovat jeho strategie. Ve srovnání s nadšením císaře Yongzheng v exotických kostýmech projevil císař Čchien-lung větší zájem o tradiční čínské kroje, jako je oblékání jako konfuciánský učenec, taoistický kněz a buddhistický mnich, což projevuje jeho touhu dobýt tradiční čínské dědictví.

Poté, co zdědil trůn po svém otci, si císař Čchien-tchong nechal zavést mírové poselství Jara , což je dvojitá portrétní malba jeho a jeho otce oblečeného v konfuciánských učencích, místo tradičních manchuovských šatů stojících vedle sebe vedle bambusů. Vědci se domnívají, že cílem komise bylo legitimovat jeho následnictví trůnu zdůrazněním fyzické podobnosti mezi ním a jeho otcem, jako je struktura obličeje, identický kostým a účes. Bambusový les v pozadí naznačuje jejich morální spravedlnost, kterou navrhuje tradiční konfucianismus. Portrét zobrazuje císaře Yongzheng, který je ve větším měřítku a předává kvetoucí větev císaři Qianlong jako politickou metaforu císařské moci. Qianlongský císař také inzeroval svou synovskou zbožnost navrženou konfucianismem tím, že pózoval ve skromném gestu.

Jezuitský malíř Giuseppe Castiglione strávil 50 let na císařském dvoře před svou smrtí v roce 1766, a byl dvorním malířem do tří císařů. Ve svých portrétech, stejně jako u jiných žánrů, kombinoval aspekty čínského tradičního stylu se současnou západní malbou.

Portrétní malba žen z dynastie Han do dynastie Čching

Dvorní portrét císařovny Renhuai (1016–1079) (manželka císaře Qinzonga ), dynastie Song

Portrétní malba žen ve starověké Číně od dynastie Han do dynastie Čching (206 př. N. L. - 1912) se vyvinula pod velkým dopadem konfuciánské patriarchální kosmologie, nicméně téma a styl se lišily podle kultury každé dynastie.

V dynastii Han (206 př. N. L. - 220 n. L.) Byly ženy v portrétu spíše typem než konkrétním jednotlivcem. Hlavním tématem byly idealizované příkladné ženy ( lež nü ) s ctnostmi vybízenými konfucianismem, jako je cudnost, trojnásobná poslušnost ( san cong ) otci, manželovi, synovi. Gu Kaizhi ‚S handscroll Příkladná Ženy (lež nü TU), který vznikl krátce po dynastie Han představuje tento žánr.

V dynastii Tchang (618–906) se palácové ženy ( shi nü ), které provádějí každodenní práce nebo zábavu, stávají populárním tématem. Byla oceněna ženská krása a kouzlo palácových dám, ale téma zůstalo nespecifické pod malířským názvem „Palace Ladies“. Konfucianismus podporoval charakteristiky, které byly submisivní a příjemné, jako standard krásy a zdůrazněné v portrétu. Malíři sledovali správnost a podobu sedícího a zaměřili se na odhalení čistoty duše.

V dynastii Song (960–1279) byly na základě milostných básní napsaných dvorními básníky vytvořeny portrétní obrazy žen. Přestože byly ženy na malbě líčeny jako v luxusním módě a pohodlném bydlení, byly obvykle zobrazovány jako osamělé a melancholické, protože se cítily opuštěné nebo uvězněné v domácích pracích, zatímco jejich manželé zůstali venku a pokračovali v kariéře. Běžná nastavení zahrnují prázdnou zahradní cestu a prázdný gauč na platformě, které naznačují absenci mužských postav. Společné pozadí zahrnují kvetoucí stromy spojené s krásou a banánovníky, které symbolizovaly zranitelnost žen.

V dynastii Ming (1368–1644) se literární malba ( wenren hua ), která kombinovala malbu, kaligrafii a poezii, stala populárním trendem mezi elitami. Většina žen v malbě literátů byla abstraktní postavy, které sloužily jako vizuální metafora, a zůstaly neidentity. V dynastii Čching (1644–1912) získala literátská malba větší rozmanitost tahů štětce a použití jasné barvy.

Viz také

Odkazy a poznámky

Reference
Poznámky
  • Sloupec New Age „Art Notes“ ze dne 28. února 1918 je důkladně odůvodněnou analýzou zdůvodnění a estetiky portrétu od BH Diase (pseudonym Ezra Pounda ), což je zasvěcený referenční rámec pro prohlížení jakéhokoli portrétu, starověkého i moderního.

Další čtení

  • Woodall, Joanna . Portrétování: Tváří v tvář subjektu . Manchester University Press , Manchester, 1997.
  • Západ. S. Portraiture (Oxford History of Art) , Oxford: Oxford University Press , 2004
  • Brilliant, R. Portraiture (Eseje o umění a kultuře) , Cambridge: Harvard University Press , 1991
  • Christiansen, K. a Weppelmann, S., eds. Renesanční portrét: Od Donatella po Belliniho , The Metropolitan Museum of Art, New York, distribuováno Yale University Press, 2011.

externí odkazy