Tarō Okamoto - Tarō Okamoto

Tarō Okamoto
Tarō Okamoto.jpg
narozený ( 1911-02-26 )26. února 1911
Vesnice Takatsu , Kawasaki, Kanagawa, Japonsko
Zemřel 07.01.1996 (1996-01-07)(ve věku 84)
Národnost japonský
Známý jako Malba, nástěnné malby, sochařství, teorie umění
Hnutí Avantgarda

Taro Okamoto (岡本太郎, Okamoto taro , 26.února 1911 - 7.1.1996) byl japonský umělec, teoretik umění, a spisovatel. On je obzvláště dobře známý pro jeho avantgardní obrazy a veřejné sochy a nástěnné malby, a pro jeho teoretizování tradiční japonské kultury a avantgardních uměleckých postupů.

Životopis

Časný život (1911-1929)

Taro Okamoto byl syn karikaturisty Okamoto Ippei a spisovatele Okamoto Kanoko . Narodil se v Takatsu , v Kawasaki, prefektuře Kanagawa .

V roce 1927, ve věku šestnácti let, Okamoto začal chodit na lekce olejomalby od umělce Wada Eisaku . V roce 1929 vstoupil Okamoto na Tokijskou školu výtvarných umění (dnes Tokijská univerzita umění ) do oddělení olejomalby.

Čas v Evropě (1929-1940)

V roce 1929 Okamoto a jeho rodina doprovázeli jeho otce na cestě do Evropy, aby pokryli londýnskou námořní smlouvu z roku 1930. Zatímco v Evropě, Okamoto strávil nějaký čas v Nizozemsku , Belgii a Paříži , kde si pronajal studio v Montparnasse a zapsal se do lycée v Choisy-le-Roi . Poté, co se jeho rodiče v roce 1932 vrátili do Japonska, zůstal v Paříži až do roku 1940.

Velká část Okamotova formativního vzdělání nastala během jeho pobytu v Paříži. V roce 1932 začal navštěvovat hodiny na Sorbonně a zapsal se na oddělení literatury, kde studoval filozofii a specializoval se na estetiku . Navštěvoval přednášky o hegelovské estetice od Victora Basche . V roce 1938 Okamoto, spolu s mnoha dalšími pařížskými umělci v té době, začal studovat etnografii pod Marcelem Maussem a později tento etnografický objektiv uplatnil ve své analýze japonské kultury.

Okamoto se také začal prosazovat jako malíř v Paříži a spolupracoval s pařížskými avantgardními umělci. Byl inspirován Pablo Picasso ‚s džbán a mísa ovoce (1931), který spatřil na Paul Rosenberg galerii, a v roce 1932 začal úspěšně předložit své vlastní obrazy pro výstavu v Salon des surindépendants, za kterou získal některé pozitivní recenze . V letech 1933-1936 byl členem skupiny Abstraction-Création a na svých výstavách předváděl díla. Účastnil se francouzské intelektuální diskusní skupiny Collège de Sociologie a připojil se k tajné společnosti, kterou založil Georges Bataille , Acéphale . Jeho obraz Itamashiki ude („Zraněná ruka“) byl zejména zařazen na mezinárodní surrealistickou výstavu v Paříži v roce 1938.

Okamoto se v Paříži setkal a spřátelil s mnoha prominentními avantgardními uměleckými osobnostmi, včetně André Bretona , Kurta Seligmanna , Maxe Ernsta , Pabla Picassa , Mana Raye , Roberta Capy a Capovy partnerky Gerdy Taro , která přijala Okamotovo křestní jméno jako její příjmení.

Válečné (1940-1945)

Okamoto se vrátil do Japonska v roce 1940, protože mu zemřela matka a kvůli vypuknutí druhé světové války . Po návratu našel nějaký umělecký úspěch v Japonsku, když vyhrál Cenu Nika na 28. Nika Art Exhibition v roce 1942. Ve stejném roce měl také samostatnou výstavu prací, které dokončil v Evropě, v obchodním domě Mitsukoshi v Ginze .

V roce 1942 byl Okamoto povolán do armády jako umělec pověřený dokumentací války a odešel do služby v Číně . Vrátil se do Japonska v roce 1946 poté, co strávil několik měsíců v zajateckém táboře v Chang'an . Během jeho nepřítomnosti byl jeho rodinný dům a všechna jeho díla zničena při náletu .

Poválečná činnost (1946-1996)

1946-1950

Po válce, Okamoto založili studio v Kaminoge, Setagaya , Tokio . V roce 1947 se stal členem uměleckého sdružení Nika-kai („Společnost druhé sekce“) a začal pravidelně ukazovat díla na výstavě umění Nika. Začal také přednášet o evropském moderním umění a začal vydávat vlastní komentáře k modernímu umění. V roce 1948 založil spolu s uměleckým kritikem Kiyoteru Hanadou skupinu Yoru no Kai („Noční společnost“), jejíž členové se po válce pokoušeli teoretizovat umělecký projev. To se rozpustilo v roce 1949. Hanada a Okamoto poté založili Abangyarudo Kenkyūkai („Avant-Garde Research Group“), která mentorovala mladší umělce a kritiky jako Tatsuo Ikeda , Katsuhiro Yamaguchi a Yūsuke Nakahara. Nakonec tyto skupiny inspirovaly mladší umělce, aby se odtrhli a vytvořili vlastní avantgardní skupiny.

1950-1969

Významné jméno v uměleckém zařízení, Okamoto začal mít sérii samostatných výstav v padesátých letech na takových prestižních místech v galeriích obchodního domu Mitsukoshi v Nihonbashi v Tokiu a obchodního domu Takashimaya v Osace . Jeho práce byla zařazena do japonské prezentace na 2. bienále v São Paulu v roce 1953 a na 27. bienále v Benátkách v roce 1954. Okamoto zůstal aktivní jako člen Nika a zároveň vystavoval na výstavě Yomiuri Indépendant, která neuděluje ceny a neuděluje ceny .

Od padesátých let až do konce své kariéry získal Okamoto řadu veřejných zakázek za vytváření nástěnných maleb a velkých soch v Japonsku, včetně vládních budov, kancelářských budov, stanic metra, muzeí a dalších lokalit. Pozoruhodné příklady zahrnovaly keramické nástěnné malby pro starou tokijskou metropolitní kancelářskou budovu v Marunouchi , navrženou Kenzo Tange a dokončenou v roce 1956, a pět keramických nástěnných maleb pro Tangeho národní gymnázium Yoyogi pro olympijské hry v Tokiu 1964 .

Během padesátých let Okamoto teoretizoval několik klíčových estetických myšlenek, které pomohly prosadit jeho roli veřejného intelektuála v japonské společnosti. Nejprve vytvořil svoji teorii „polarismu“ ( taikyokushugi ), jejíž prohlášení si přečetl při zahájení výstavy Yomiuri Indépendant v roce 1950. V roce 1952 Okamoto publikoval vlivný článek o dobové keramice Jōmon . Tento článek byl začátkem dlouhé spolupráce s prehistorickým Japonskem a jeho argument, že by se japonská estetika měla inspirovat starověkým obdobím Jomon, pomohl změnit veřejné vnímání japonské kultury. Pokračoval v psaní o japonské tradici a stal se jedním z hlavních myslitelů aktivních při přehodnocování japonské tradice po druhé světové válce. Později cestoval po Japonsku, aby prozkoumal podstatu japonské kultury, a vydal Nihon Sai-hakken － Geijutsu Fudoki („Znovuobjevení Japonska － Topografie umění“) (1962) a Shinpi Nihon („Tajemství v Japonsku“) ( 1964), bohatě ilustrovaný fotografiemi, které pořídil během svých výzkumných cest. Tyto práce byly rozšířením jeho etnografického zájmu a pořízení vlastní fotografie pomohlo poskytnout silný důkaz jeho pozorování.

V rámci svých cest po Japonsku, v letech 1959 a 1966, Okamoto navštívil Okinawu . Byl zasažen tím, co viděl jako pozůstatek jednoduššího a domorodějšího života. V roce 1961 vydal knihu Wasurerareta Nihon: Okinawa bunka-ron („Zapomenuté Japonsko: O kultuře Okinawy“), která obsahovala mnoho fotografií z jeho cesty. Kniha získala Cenu Mainichi za publikační kulturu. Mnoho z Okamotových fotografií se vrátilo k okinawským předmětům, které již fotografovali jiní japonští fotografové, například Ihei Kimura a Ken Dōmon . Jeho zájem na Okinawě může být chápán jako součást většího moderního japonského zájmu o prohlížení Okinawy jako přetrvávajícího úložiště tradic, na rozdíl od rychle se modernizujících japonských hlavních ostrovů.

V roce 1967 Okamoto navštívil Mexiko , kde pracoval na hlavní nástěnné komisi a natočil program pro japonskou televizi s názvem „Nový svět: Okamoto Tarō zkoumá Latinskou Ameriku“. Okamoto se hluboce inspiroval mexickým malířstvím a viděl v něm cestu, jak znovu zaměřit pozornost japonského uměleckého světa mimo západní země. Představil si partnerství mezi japonskými a mexickými uměleckými světy s cílem zahájit novou, nezápadní estetiku moderního umění a viděl spříznění mezi japonskou kulturou Jōmon a předkolumbovským uměním v Mexiku. V jeho dalších dílech se objevily narážky na mexické umění.

1970-1996

Okamoto pokračoval v cestování, psaní a produkci veřejných uměleckých děl v 70. letech. Začal také vyrábět tisky, experimentovat s potiskem sítotiskem a měděným plechem .

Okamotovým nejpozoruhodnějším úspěchem v 70. letech bylo jeho zapojení do Japan Japan World Exposition v Osace ( Expo '70 ), pro kterou navrhl a vyrobil ústřední tematický pavilon, který zahrnoval monumentální sochu s názvem Tower of the Sun , výstavu v okolí a v jeho okolí. věž a dvě menší věže. Zřetelný vzhled Tower of the Sun byl ovlivněn Okamotovým pozadím v evropském surrealismu , zájmem o mexické umění a džonskou keramikou . Pavilon navštívilo během Expo '70 více než 9 milionů lidí a dnes je zachován v Expo Memorial Park .

Ke konci své kariéry začal Okamoto dostávat mnohem více samostatných výstav své práce. V roce 1986 bylo několik jeho raných obrazů zařazeno na velkou výstavu japonských avantgardních umělců Japon des Avant-Gardes 1910-1970 v Centre Pompidou v Paříži . V roce 1991 byla jeho hlavní díla darována městu Kawasaki a v roce 1999 bylo po jeho smrti v roce 1996 otevřeno muzeum na jeho počest.

Práce

Umělecká díla

Malování

Přestože z Okamotových předválečných obrazů zbylo jen velmi málo, během své rané kariéry v Paříži se zajímal o abstrakci a předvedl řadu děl se skupinou Abstraction-Création . Časem však začal být nespokojený s omezeními čisté abstrakce a do svých obrazů začal zahrnovat více reprezentativních obrazů. Dokončení Itamashiki ude („Zraněné paže“) , které spojilo abstrakci a reprezentaci, přesvědčilo Okamota, že by měl opustit skupinu Abstraction-Création a prozkoumat další způsoby malby. Itamashiki ude , který podle všeho líčí mladou dívku prostřednictvím paže, ramene, vlasů a jasně červené mašle, znepokojivě neobsahuje lidskou hlavu ani tělo a samotná paže vzdoruje očekávání abstraktními pruhy masa a žvýkačkových růžových tónů . Přestože dílo oslavovali surrealisté v Paříži, Okamoto se ze vstupu do skupiny odhlásil.

Taro Okamoto, Tower of the Young Sun, 1969. Instalováno v Japan Monkey Park, Inujama, prefektura Aiči.

Okamotovy poválečné obrazy, stejně jako jeho nástěnné malby a veřejné sochy, byly i nadále informovány abstrakcí a surrealismem , ale byly také ovlivněny jeho teorií polarismu a objevem prehistorického umění. Zákon džungle (1950), jeden z jeho nejslavnějších obrazů, zobrazuje monstrózní rudé rybí stvoření s obrovskou páteří ve tvaru zipu pohlcující lidskou postavu. Centrální stvoření obklopují malé lidské a zvířecí formy v zářivých primárních barvách , které se vznášejí zářícím prostředím zelené džungle . Mnoho klíčových rysů této práce - mix abstrakce a surrealistických antropomorfních forem, zářivých barev a ploché obrazové roviny - pokračovalo v jeho obrazech po zbytek jeho kariéry.

Klíčové nástěnné malby a sochy

Během své cesty do Mexika v roce 1967, Okamoto namaloval 5,5 x 30 metrů malbu olejem na plátně s názvem ASU žádný Shinwa ( „Zítřejší mýtus“) , pro Hotel de Mexico v Mexico City od Manuel Suarez y Suárez , která byla konstruována pro olympijské hry 1968. Podtitul nástěnné malby zní „ Hirošima a Nagasaki “, a proto obraz ilustruje krajinu jaderného ničení, kde kostra hoří červeně a vyzařuje špičaté bílé výběžky. Okolní obrázky zmiňují události jaderné katastrofy, jako je incident s Lucky Dragon #5 . Hotel nebyl nikdy dokončen, a proto nebyla nástěnná malba nikdy nainstalována ani zobrazena. Poté, co byl ztracen po dobu 30 let v Mexiku, 17. listopadu 2008, byla nástěnná malba odhalena ve svém novém stálém místě na stanici Shibuya v Tokiu .

Okamotova věž Slunce se stala symbolem Expa '70 v Osace. Postavený na 70 metrů vysoký, humanoidní forma byla vytvořena z betonu a stříkaného štuku, se dvěma rohovými rameny, dvěma kruhovými plochami a jednou zlatou kovovou tváří připevněnou v nejvyšším bodě. Jako celek představuje minulost (spodní část), přítomnost (střední část) a budoucnost (tvář) lidské rasy. Návštěvníci vstoupili skrz základnu sochy a poté přes ni vystoupali v eskalátorech vedle takzvaného „Stromu života“, sochařského stromu zobrazujícího vývoj tvorů od primitivních organismů směrem ke složitějším formám života. Návštěvníci poté vystoupili skrz ramena sochy. Projekt vznikl nedlouho po Okamotově návštěvě Mexika a byl také inspirován předkolumbovskými snímky. Ve stejné době, podoba věže se podobala Jōmon figurky ( Dogu ) a zmiňoval kubistického portréty Picassa. Na rozdíl od apokalyptické Asu no Shinwa ( „Zítřejší mýtu“) , věž nakonec měl více pozitivní zprávu: eklektický inspirace pro jeho snímků navrhli možnost globálnějšího moderního umění, a Okamoto představoval věž a jeho obklopující náměstí s cílem umožnit velké shromažďování lidí - spíše než velké ničení - lidí.

Jak Asu no shinwa, tak Tower of the Sun zobrazují snímky, které procházejí velkou částí Okamotových veřejných uměleckých děl. Mezi díla v podobném stylu patří Wakai tōkeidai („Mladá hodinová věž“) (1966) v Ginze , Tokio , Wakai taiyō no tō (Věž mladého slunce) (1969) v Inujamě , prefektuře Aichi a Kodomo no ki („Strom dětí “) (1985) v Aoyama , Tokio .

Teorie umění a spisy

Polarismus

Okamotova myšlenka taikyokushugi (polarismus) se zrodila z jeho účasti na přednáškách o Hegelovi v Paříži . Zpochybňoval dialektiku a odmítal pojem syntézy, spíše věřil, že teze a protiklad (polární protiklady) mohou ve skutečnosti zůstat odděleny, což má za následek trvalou fragmentaci spíše než jednotu nebo řešení. Tato teorie, navržená krátce po druhé světové válce , byla v mnoha ohledech estetikou, která se přímo stavěla proti vizuální totalitě a harmonii japonské válečné malby. Pokud jde o jeho aplikaci na umění, Okamoto viděl abstraktní malbu jako syntézu - spojila barvu, pohyb a různé smysly do jednoho díla. Zákon džungle (1950) je však trvale roztříštěný: jednotlivé prvky jsou jasně popsány v linii a barvě, ale odolávají jakékoli identifikaci a vznášejí se v malovaném prostoru bez vzájemného spojení. Existuje také silné napětí mezi plochostí a hloubkou, jasností a nejasností, popředím a pozadím, reprezentativním a abstraktním. Dawn (1948) a Heavy Industry (1949) jsou také považovány za příklady polarismu.

Tradice a současné umění

Okamoto je Jōmon teorie se stala jedním z nejvýznamnějších teoretických příspěvků do 20. století japonské estetiky a kulturní historie. Teorie byla poprvé představena v jeho klíčovém eseji „ Jōmon doki ron: Shijigen to no taiwa “ („On Jomon ceramics: Dialogue with the 4th dimension“), publikovaném v časopise Mizue v roce 1952. Inspirováno cestou do Tokijského národního muzea , kde prohlížel si kameninové keramické nádoby a dogū z prehistorického období Jōmon , článek argumentoval úplným přehodnocením japonské estetiky. Okamoto věřil, že japonská estetika do té doby byla založena na estetice prehistorické dobové keramiky Yayoi , která byla jednoduchá, tlumená, zdrženlivá a rafinovaná. Tento základ dal vzniknout tomu, co mnozí považovali za tradiční japonské estetické koncepty, například wabi-sabi . Naproti tomu energické, drsné a tajemné vzory a návrhy keramiky Jōmon nabízely dynamický, autentický výraz, který v současném Japonsku chyběl. Tvrdil, že japonští umělci by měli usilovat o stejnou dynamickou sílu a tajemství, aby podpořili vlastní práci, přičemž se inspirují touto „primitivnější“ kulturou svých předků. Okamotovo chápání japonské estetiky těžce čerpalo z jeho etnografických studií a setkání s surrealismem v Paříži, ale místo exotizace etnografických předmětů použil objekty Jōmon konkrétně ke konstrukci nativního teoretického základu pro japonské avantgardní umělecké postupy.

Navzdory Okamotovu zájmu o prehistorické umění se nezasazoval o žádné přímé zachování minulosti v současném umění. Jeho nejprodávanější kniha Konnichi no geijutsu (Umění dneška), vydaná v roce 1954, povzbudila mladé umělce k násilnému zničení všech minulých uměleckých systémů a k přestavbě japonského uměleckého světa, který se rovná světu západního umění. To by mohlo být chápáno jako způsob obhajování formy energie a výrazu ve stylu Jōmon .

Pamětní muzeum Taro Okamoto v Aoyamě, Tokio

Sbírky a dědictví

Hodně z Okamoto práce je držen Taro Okamoto Museum of Art v Kawasaki a Taro Okamoto Memorial Museum, která je umístěna v umělcově bývalého ateliéru a domácí postavil architekt Junzō Sakakura roku 1954 v Aoyama , Tokio . Obě muzea pořádají speciální výstavy zaměřené na klíčová témata Okamotova díla, jako jsou artefakty Jōmon , Okinawa a veřejná umělecká díla. Okamotova díla jsou také v držení muzea Solomona R. Guggenheima , Národního muzea moderního umění, Tokia , Národního muzea moderního umění v Kjótu a Muzea moderního umění v Toyamě .

Cena Taro Okamoto za současné umění (Cena TARO) byla založena v roce 1997 a provozuje ji Muzeum umění Taro Okamoto v Kawasaki. Cena se uděluje každoročně mladým současným umělcům, kteří vytvářejí umění příští generace a kteří projevují kreativitu a individualitu, za kterou se zasazoval v The Art of Today (1954).

Prameny

  • Jonathan Reynolds, „Uncanny, Hypermodern Japaneseness: Okamoto Tarō and the Search for Prehistoric Modernism“, v Alegoriích času a prostoru: Japonská identita ve fotografii a architektuře (Honolulu: University of Hawai'i, 2017), 54–85.
  • K. Yoshida, Avantgardní umění a nedominantní myšlení v poválečném Japonsku: obraz, hmota, separace (New York: Routledge, Taylor & Francis Group, 2021).
  • Bert Winther-Tamaki, „Chcete-li dát na velkou tvář: Globalistický postoj Slunné věže Okamoto Taro pro japonskou světovou výstavu“, Recenze japonské kultury a společnosti, sv. 23 (2011): 81-101.
  • 川 崎 市 岡本 太郎 美術館, ed.岡本 太郎 の 絵 画: 開館 10 周年 記念 展 = Obrazy Taro Okamota . Kawasaki-shi: Kawasaki-shi Okamoto Taro Bijutsukan, 2009.
  • Okamoto Tarō & Jonathan M. Reynolds (Translator), „On Jōmon Ceramics“, Art in Translation 1: 1 (2009), 49-60, DOI: 10.2752/175613109787307645

Další čtení

Reference