Západní malba - Western painting

Johannes Vermeer je Dívka s perlou (1665-1667), známý jako Mona Lisa severu.

Historie západního malířství představuje nepřetržitou, i když narušenou tradici od starověku až do současnosti. Až do poloviny 19. století se zabýval především reprezentativními a klasickými způsoby výroby, poté si získaly přízeň modernější , abstraktní a koncepční formy.

Západní malířství původně sloužilo imperiálnímu, soukromému, občanskému a náboženskému patronátu a později si našlo publikum v aristokracii a střední třídě. Od středověku přes renesanční malíře pracovali pro církev a bohatou aristokracii. Počínaje dobou baroka dostávali umělci soukromé zakázky od vzdělanější a prosperující střední třídy. Myšlenka „ umění pro umění “ se začala projevovat v díle romantických malířů jako Francisco de Goya , John Constable a JMW Turner . V průběhu 19. století se zřídily komerční galerie a ve 20. století nadále poskytovaly záštitu.

Západní malba dosáhla svého zenitu v Evropě během renesance, ve spojení s zdokonalením kresby, použitím perspektivy , ambiciózní architektury, tapisérie , vitráží , sochařství a období před a po nástupu tiskařského lisu . V návaznosti na hloubku objevu a složitost inovací renesance pokračovalo bohaté dědictví západní malby od baroka až po současné umění .

Pre-historie

Historie malířství sahá právě včas, aby artefakty z pre-historických umělců a rozpětí všech kultur. Nejstarší známé malby jsou na Grotte Chauvet ve Francii, podle některých historiků staré asi 32 000 let. Jsou vyryty a namalovány pomocí červeného okrového a černého pigmentu a ukazují koně, nosorožce, lvy, buvoly, mamuty nebo lidi, kteří často loví. Po celém světě existují příklady jeskynních maleb - ve Francii, Indii, Španělsku, Portugalsku, Číně, Austrálii atd. Na různých místech, kde byly obrazy nalezeny, je mnoho společných témat; což naznačuje univerzálnost účelu a podobnost impulsů, které mohly inspirovat umělce k vytvoření snímků. Byly učiněny různé dohady o významu těchto obrazů pro umělce, kteří je vyrobili. Pravěcí muži mohli malovat zvířata, aby „chytili“ jejich duši nebo ducha, aby je snáze lovili, nebo obrazy mohou představovat animistickou vizi a poctu okolní přírodě , nebo mohou být výsledkem základní potřeby výrazu, která je vrozené lidským bytostem, nebo to mohou být záznamy životních zkušeností umělců a související příběhy členů jejich kruhu.

Západní malba

Egypt, Řecko a Řím

Starověký Egypt , civilizace se silnými tradicemi architektury a sochařství (oba původně malované v jasných barvách), měl mnoho nástěnných maleb v chrámech a budovách a maloval ilustrace na papyrusové rukopisy . Egyptská nástěnná a dekorativní malba je často grafická, někdy spíše symbolická než realistická. Egyptská malba zobrazuje postavy v odvážných obrysech a ploché siluetě , kde je symetrie konstantní charakteristikou. Egyptská malba má úzké spojení s jejím psaným jazykem - nazývanými egyptské hieroglyfy . Malované symboly se nacházejí mezi prvními formami psaného jazyka. Egypťané také malovali na prádlo , jehož zbytky dnes přežívají. Starověké egyptské obrazy přežily díky extrémně suchému podnebí. Starověcí Egypťané vytvářeli obrazy, aby posmrtný život zesnulého byl příjemným místem. Mezi témata patřila cesta přesmrtím nebo jejich ochranná božstva představující mrtvé bohům podsvětí. Některé příklady takových obrazů jsou obrazy bohů a bohyň Ra , Horus , Anubis , Nut , Osiris a Isis . Některé náhrobní malby ukazují činnosti, kterým se zesnulí věnovali, když byli naživu a přáli si pokračovat ve věčnosti. V Nové říši a později byla Kniha mrtvých pohřbena s pohřbenou osobou. To bylo považováno za důležité pro úvod do posmrtného života.

Na severu Egypta byla minojská civilizace na ostrově Kréta . Nástěnné malby nalezené v paláci Knossos jsou podobné těm z Egypta, ale ve stylu jsou mnohem volnější.

Freska zobrazující Háda a Persefonu jedoucí na voze z hrobky královny Eurydiky I. Makedonské ve Vergině v Řecku, 4. století př. N. L.

Kolem roku 1100 př. N. L. Kmeny ze severu Řecka dobyly Řecko a jeho umění nabralo nový směr. Kultura starověkého Řecka je pozoruhodná svým vynikajícím přínosem pro výtvarné umění. Malba na keramiku starověkého Řecka a keramiku poskytuje obzvláště informativní pohled na způsob fungování společnosti ve starověkém Řecku. Stále existuje mnoho krásných příkladů malby váz s černou figurou a malby s červenou figurou . Někteří slavní řečtí malíři, kteří pracovali na dřevěných panelech a jsou zmíněni v textech, jsou Apelles , Zeuxis a Parrhasius ; avšak s jedinou výjimkou panelů Pitsa nepřežily žádné příklady starověké řecké deskové malby, pouze písemné popisy jejich současníků nebo pozdějších Římanů. Zeuxis žil v 5. století př. N. L. A údajně jako první používal sfumato . Podle Plinia staršího byl realismus jeho obrazů takový, že se ptáci pokusili jíst pomalované hrozny. Apelles je popisován jako největší malíř starověku a je známý dokonalou technikou kresby, brilantních barev a modelování.

Římské umění bylo ovlivněno Řeckem a lze jej částečně brát jako potomka starověké řecké malby. Římská malba však má důležité jedinečné vlastnosti. Mezi dochované římské malby patří nástěnné malby a fresky , mnohé z vil v Kampánii , v jižní Itálii na místech, jako jsou Pompeje a Herculaneum . Taková malba může být seskupena do 4 hlavních „stylů“ nebo období a může obsahovat první příklady trompe-l'oeil , pseudo-perspektivy a čisté krajiny. Téměř jediné malované portréty, které přežily ze starověkého světa, jsou velké množství portrétů rakví s poprsím, které se nacházejí na pozdně antickém hřbitově Al-Fayum . Ačkoli to nebylo ani nejlepší období, ani nejvyšší kvalita, jsou působivé samy o sobě a dávají představu o kvalitě, jakou muselo mít nejlepší antické dílo. Velmi malý počet miniatur z ilustrovaných knih z pozdní antiky také přežil a jejich větší počet kopií z období raného středověku.

Středověk

Vzestup křesťanství přinesl jiného ducha a zaměřil se na malířské styly. Byzantské umění , jakmile jeho styl vznikl v 6. století, kladlo velký důraz na zachování tradiční ikonografie a stylu a postupně se vyvíjelo během tisíce let byzantské říše a živých tradic řecké a ruské pravoslavné ikony -malování. Byzantská malba má hieratické cítění a ikony byly a stále jsou považovány za reprezentaci božského zjevení. Tam bylo mnoho fresek , ale méně z nich přežily než mozaiky . Byzantské umění bylo srovnáváno se současnou abstrakcí ve své plochosti a vysoce stylizovaném zobrazení postav a krajiny. Některá období byzantského umění, zejména takzvané makedonské umění kolem 10. století, jsou přístupově flexibilnější. Fresky paleologické renesance z počátku 14. století přežívají v kostele Chora v Istanbulu.

V post-antické katolické Evropě byl prvním výrazným uměleckým stylem, který obsahoval malbu, ostrovní umění Britských ostrovů, kde jedinými dochovanými příklady jsou miniatury v iluminovaných rukopisech , jako je Book of Kells . Ty jsou nejznámější pro svou abstraktní výzdobu, ačkoli byly také zobrazeny postavy a někdy i scény, zejména na portrétech evangelistů . Carolingian a Ottonian umění také přežije většinou v rukopisech, ačkoli některé nástěnné malby zůstanou, a další jsou dokumentovány. Umění tohoto období kombinuje ostrovní a „barbarské“ vlivy se silným byzantským vlivem a snahou obnovit klasickou monumentalitu a vyrovnanost.

Zdi románských a gotických kostelů byly vyzdobeny freskami i sochami a mnoho z mála zbývajících nástěnných maleb má velkou intenzitu a kombinuje dekorativní energii ostrovního umění s novou monumentalitou v léčbě postav. Z tohoto období přežívá mnohem více miniatur v iluminovaných rukopisech , které vykazují stejné charakteristiky, které pokračují i ​​do období gotiky .

Desková malba se stává běžnější v románském období, pod silným vlivem byzantských ikon. Ke polovině 13. století se středověké umění a gotická malba staly realističtějšími, počátky zájmu o zobrazení objemu a perspektivy v Itálii s Cimabue a poté jeho žákem Giottem . Od Giotta se léčba kompozice nejlepších malířů také stala mnohem svobodnější a inovativnější. Jsou považováni za dva velké středověké mistry malířství v západní kultuře. Cimabue, v byzantské tradici, použil realističtější a dramatičtější přístup ke svému umění. Jeho žák Giotto posunul tyto inovace na vyšší úroveň, což zase položilo základy západní malířské tradici. Oba umělci byli průkopníky na cestě k naturalismu.

Kostely byly stavěny se stále více okny a používání barevných vitráží se stalo základem výzdoby. Jeden z nejslavnějších příkladů toho se nachází v katedrále Notre Dame de Paris . Ve 14. století byly západní společnosti bohatší a kultivovanější a malíři našli nové patrony v šlechtě a dokonce i v buržoazii . Osvětlené rukopisy získaly nový charakter a v jejich krajině se ukázaly štíhlé, módně oblečené dvorní ženy. Tento styl se brzy stal známým jako mezinárodní gotický styl a byl dominantní v letech 1375 až 1425 a na významu získávaly temperové deskové obrazy a oltářní obrazy.

Renesance a manýrismus

Robert Campin - Mérode Altarpiece , c. 1427. Centrální panel L'Annonciation od Campina s bočními panely provedenými asistentem

Renesance (francouzsky „znovuzrození“), kulturní hnutí zhruba od 14. do poloviny 17. století, bylo poháněno renesančním humanismem a studiem klasických zdrojů. V malířství, v 1420s a 1430s předních malířů v Itálii a nížin samostatně vyvinuli nový způsob malby, který umožnil obrazy se objevit realističtější než v pracích zavedených autorů, jejichž styl je označován jako mezinárodní gotiky , nebo v některém případy jako prorenesanční (hlavně v Itálii). Toto období, které trvalo asi do roku 1495, se stalo známé jako raná renesance .

Ve flanderské oblasti nížin následovali vývoj v oblasti iluminace rukopisů , zejména bratry Limbourgovými , kteří zemřeli v roce 1416, umělce fascinovalo hmatatelné ve viditelném světě a začali objekty reprezentovat extrémně naturalistickým způsobem. Přijetí olejomalby, jejíž první použití na deskových obrazech bylo tradičně, ale mylně připsáno Janu van Eyckovi , umožnilo novou věrnost zobrazení tohoto naturalismu. Médium olejové barvy již bylo přítomno v díle Melchiora Broederlama (zemřel v roce 1409), ale Robert Campin (dříve známý jako mistr Flémalle ) a van Eyck přinesli jeho využití do nových výšin a použili jej k reprezentaci naturalismu pro na které mířili. S tímto novým médiem byli malíři tohoto období schopni vytvářet sytější barvy s hlubokou intenzivní tonalitou. Iluze zářícího světla s porcelánovou povrchovou úpravou charakterizovala ranou nizozemskou malbu a byla hlavním rozdílem k matnému povrchu temperové barvy používané v Itálii.

Fra Angelico , 1425–1428

Na rozdíl od Italů, jejichž tvorba silně čerpala z umění starověkého Říma, si Seveřané zachovali stylový zbytek sochy a iluminovaných rukopisů středověku (zejména jeho naturalismu). Dalším důležitým nizozemským malířem tohoto období byl Rogier van der Weyden , Campinův žák, jehož skladby zdůrazňovaly lidské emoce a drama, což předvedl například ve svém Sestupu z kříže , který se řadí mezi nejslavnější díla 15. století a byl nejvlivnější nizozemský obraz Kristova ukřižování. Dalšími významnými umělci byli Hugo van der Goes (jehož dílo mělo v Itálii velký vliv), Dieric Bouts (který byl jedním z prvních severních malířů, kteří prokázali použití jediného úběžníku), Petrus Christus , Hans Memling a Gerard David . Pokroky v malování v Evropě severně od Alp jsou společně známy jako severní renesance .

V italské renesanční malbě inspirovalo umění klasického starověku styl malby, který zdůrazňoval ideál. Masaccio je připočítán s pokroky v lineární perspektivě, zobrazením objemu v jeho postavách a zobrazováním emocí na tvářích jeho postav ve 20. letech 14. století. Poté umělci jako Paolo Uccello , Fra Angelico , Piero della Francesca , Andrea Mantegna , Filippo Lippi a Sandro Botticelli , v období rané renesance trvající asi 1495, a poté Leonardo da Vinci , Michelangelo Buonarroti a Raphael během vrcholné renesance asi od roku 1495 do roku 1520 posunul malířství na vyšší úroveň pomocí perspektivy , studia lidské anatomie a proporcí a prostřednictvím rozvoje nebývalého zdokonalení v kresbě a malířské technice. V Benátkách se objevil poněkud naturalističtější vrcholně renesanční styl . Malíři benátské školy , jako Giovanni Bellini , Giorgione , Titian a Veronese , se méně zabývali přesností kresby než bohatostí barev a jednotou účinku, čehož bylo možné dosáhnout spontánnějším přístupem k malbě.

Vlámští, nizozemští a němečtí malíři severní vrcholné renesance jako Albrecht Dürer , Lucas Cranach , Matthias Grünewald a Hans Holbein mladší měli jiný přístup než jejich italští kolegové, ten, který je realističtější a méně idealizovaný. Někteří severní malíři, počínaje Dürerem v devadesátých letech 19. století, cestovali do Itálie, aby viděli díla italské vrcholné renesance a v různé míře začlenili rysy italského umění do svých vlastních. O generaci později, začátek žánrové malby jako předmětu pro velká díla začala Peter Aertsen a Pieter Bruegel . Pozdější generace severorenesančních malířů, kteří cestovali do Říma a přijali velkou část idealizovaného přístupu italské renesance, se stala známá jako romanisté .

Titian , 1520–1523

Renesanční malba odráží revoluci myšlenek a vědy ( astronomie , geografie ), ke které došlo v tomto období, reformaci a vynález knihtisku . Tisk se stal stále důležitějším a praktikoval jej mnoho malířů. Dürer, považovaný za jednoho z největších tvůrců grafiky, uvádí, že malíři nejsou pouhými řemeslníky, ale také mysliteli . S rozvojem malby na stojanu v renesanci získala malba nezávislost na architektuře. Stojanové obrazy - pohyblivé obrázky, které lze snadno zavěsit na stěny - se staly populární alternativou k obrazům připevněným k nábytku, stěnám nebo jiným strukturám. Po staletích, jimž dominovaly náboženské obrazy, se světská témata pomalu vracela k západnímu malířství. Umělci do svých obrazů zahrnuli vize světa kolem sebe nebo produkty vlastní představivosti. Ti, kteří si mohli dovolit výdaje, se mohli stát patrony a objednávat portréty sebe nebo své rodiny.

Vrcholná renesance v Itálii vedla k stylizovaného umění známého jako manýrismus po roce 1520, ačkoli někteří malíři, jako Tiziana a Paolo Veronese , pokračoval malovat v High renesančním slohu pozdní do století. Místo vyvážených kompozic a racionálního přístupu k perspektivě, která charakterizovala umění na úsvitu 16. století, manýristé hledali nestabilitu, vynalézavost a pochybnosti. Klidné Rafaelovy Panny a klidné výrazy Leonardových poddaných jsou nahrazeny ustaranými výrazy Pontorma a emocionální intenzitou El Greca . Neklidné a nestabilní kompozice, často extrémní nebo disjunktivní efekty perspektivy a stylizované pózy, jsou charakteristické pro italské manýristy, jako jsou Tintoretto , Pontormo a Bronzino , a později se objevily v díle severních manýristů jako Hendrick Goltzius , Bartholomeus Spranger a Joachim Wtewael .

Baroko a rokoko

Barokní malba je spojena s barokním kulturním hnutím , hnutím často ztotožňovaným s absolutismem a protireformací nebo katolickou obrození; existence významné barokní malby v neabsolutistických a protestantských státech však také podtrhuje její popularitu, protože styl se rozšířil po celé západní Evropě.

Barokní malba se vyznačuje velkým dramatem, bohatými, hlubokými barvami a intenzivními světlými a tmavými stíny, jejichž cílem je vyvolat emoce a vášeň místo klidné racionality, která byla ceněna během renesance. Mezi nejstarší barokní malíře patřili bratři Caracci, Annibale a Agostino , v posledním skóre 16. století a Caravaggio v posledním desetiletí století. Caravaggio je uznáván jako jeden z největších barokních malířů a dědic humanistické malby vrcholné renesance . Jeho realistický přístup k lidské postavě, namalovaný přímo ze života a dramaticky osvětlený na tmavém pozadí, šokoval jeho současníky a otevřel novou kapitolu v historii malby. Baroko bylo dominantním stylem malby, který začínal kolem roku 1600 a pokračoval po celé 17. století. Mezi největší malíře baroka patří Rubens , Velázquez , Rembrandt , Frans Hals , Johannes Vermeer , Le Nain , Jusepe de Ribera , Poussin , Tour a Claude Lorraine , kteří se zaměřili na krajinomalbu. Poussin, Claude a La Tour, všichni Francouzi, přijali „klasický“ barokní styl s menším zaměřením na emoce a větší pozornost věnovanou outinu postav v obraze než na barvu. Většina z těchto malířů cestovala do Itálie v rámci svého výcviku a poté by si vzala barokní styl zpět do svých domovin, ačkoli v některých případech zůstali v Itálii po velkou část své kariéry (Claude a Poussin). V Itálii je barokní styl ztělesněn náboženskými a mytologickými malbami v Grand Manner umělci jako Carracci , Guido Reni a Luca Giordano . Zdálo se, že iluzionistické stropní fresky od Pietra da Cortony se otevírají k nebi.

Rembrandt van Rijn , Židovská nevěsta , ca. 1665–1669

Mnohem tišší typ baroka se objevil v Nizozemské republice , kde byly malířské malby každodenních předmětů oblíbené u sběratelů střední třídy a mnoho malířů se stalo odborníky na žánr , jiní na krajinu nebo přímořskou krajinu nebo zátiší. Vermeer, Gerard ter Borch a Pieter de Hooch přinesli velké technické vylepšení malby domácích scén, stejně jako Willem Claesz. Heda do zátiší. Naproti tomu Rembrandt vynikal v malování každého typu předmětu a vyvinul individuální malířský styl, ve kterém šerosvit a tmavé pozadí odvozené od Caravaggia a utrechtských karavagistů ztrácí svou divadelní kvalitu. Holandská barokní malba je často označována jako holandská malba zlatého věku .

V průběhu 18. století následovalo rokokové malířství jako lehčí rozšíření baroka, často frivolní a erotické a využívající světlé pastelové barvy. Rokoko se vyvinulo nejprve ve francouzském dekorativním umění a interiérovém designu. Nástupnictví Ludvíka XV. Přineslo změnu dvorských umělců a obecné umělecké módy. Třicátá léta 19. století představovala vrchol rokokového vývoje ve Francii, jehož příkladem jsou díla Antoina Watteaua a Françoise Bouchera . Rokoko si stále udrželo barokní vkus pro složité formy a složité vzory, ale v tomto okamžiku začalo integrovat řadu různých charakteristik, včetně vkusu pro orientální vzory a asymetrické kompozice.

Rokokový styl se rozšířil s francouzskými umělci a rytými publikacemi. Byl snadno přijat v katolických částech Německa, Čech a Rakouska, kde byl sloučen se živými německými barokními tradicemi. Německé rokoko bylo s nadšením aplikováno na kostely a paláce, zejména na jihu, zatímco rokokový Frederik se vyvíjel v Pruském království .

Francouzští mistři Watteau , Boucher a Fragonard představují styl, stejně jako Giovanni Battista Tiepolo a Jean-Baptiste-Siméon Chardin, který byl některými považován za nejlepšího francouzského malíře 18. století -antirokokový . Portrétování bylo důležitou součástí malby ve všech zemích, ale zejména v Anglii, kde vůdci byli William Hogarth v tupém realistickém stylu a Francis Hayman , Angelica Kauffman (Švýcar), Thomas Gainsborough a Joshua Reynolds v lichotivějších stylech ovlivnil Anthony van Dyck . Ve Francii v období rokoka Jean-Baptiste Greuze (oblíbený malíř Denise Diderota ) vynikal v portrétech a historických malbách a Maurice Quentin de La Tour a Élisabeth Vigée-Lebrun byli vysoce uznávaní malíři portrétů . La Tour se specializovala na pastelovou malbu, která se v tomto období stala populárním médiem.

William Hogarth pomohl vyvinout teoretický základ pro rokokovou krásu. Ačkoli ne záměrně odkazovat na hnutí, tvrdil ve své analýze krásy (1753), že zvlněné linie a křivky S prominentní v rokoku byly základem pro milost a krásu v umění nebo přírodě (na rozdíl od přímky nebo kruhu v klasicismu ) . Začátek konce rokoka nastal na počátku šedesátých let minulého století, kdy postavy jako Voltaire a Jacques-François Blondel začali vyjadřovat svou kritiku povrchnosti a degenerace umění. Blondel odsoudil „směšnou směsici mušlí, draků, rákosí, palem a rostlin“ v současných interiérech.

V roce 1785 již rokoko ve Francii ztratilo módu, nahrazeno řádem a vážností neoklasicistních umělců, jako byl Jacques-Louis David , jehož impozantní historické malby zobrazující historické i současné události ztělesňovaly ideály francouzské revoluce .

19. století: neoklasicismus, historická malba, romantismus, impresionismus, postimpresionismus, symbolismus

Po rokoku vznikl na konci 18. století v architektuře a poté v malbě těžký neoklasicismus , který nejlépe reprezentovali umělci jako David a jeho dědic Ingres . Ingresova práce již obsahuje velkou část smyslnosti, ale žádnou spontánnost, která by charakterizovala romantismus .

V polovině 19. století se malíři osvobodili od požadavků jejich patronátu, aby zobrazovali pouze výjevy z náboženství, mytologie, portrétování nebo historie. Umění se stalo čistě prostředkem osobního vyjádření v díle malířů jako Francisco de Goya , John Constable a JMW Turner . Romantičtí malíři proměnili krajinomalbu v hlavní žánr, do té doby považovaný za vedlejší žánr nebo jako ozdobné pozadí figurálních kompozic. Někteří z hlavních malířů tohoto období jsou Eugène Delacroix , Théodore Géricault , JMW Turner, Caspar David Friedrich a John Constable. Pozdní práce Francisco Goyy ukazuje romantický zájem o iracionální, dílo Arnolda Böcklina evokuje tajemství, dílo bratrstva Prerafaelitů v Anglii spojuje vytrvalou oddanost přírodě s nostalgií středověké kultury a obrazy umělce estetického pohybu Jamese Abbotta McNeill Whistler evokuje propracovanost, dekadenci a filozofii „umění pro umění“. Ve Spojených státech byla romantická tradice krajinomalby známá jako Hudson River School : mezi exponenty patří Thomas Cole , Frederic Edwin Church , Albert Bierstadt , Thomas Moran a John Frederick Kensett . Luminismus byl pohyb v americké krajinomalbě související s Hudson River School.

Johan Jongkind , 1871, předobraz impresionismu

Hlavní síla v otočení k realismu v polovině století byl Gustave Courbet , jehož unidealized obrazy obyčejných lidí urazil diváci zvyklí z běžného učiva a olízl konce roku akademickém umění , ale inspiroval mnoho mladších umělců. Přední malíř Barbizon School Jean-François Millet také maloval krajiny a scény rolnického života. Camille Corot , volně malovaná do barbizonské školy , malovala v romantickém i realistickém duchu; jeho práce předznamenává impresionismus , stejně jako obrazy Johana Jongkinda a Eugène Boudina (který byl jedním z prvních francouzských krajinářů, kteří malovali venku). Boudin měl důležitý vliv na mladého Clauda Moneta , kterého v roce 1857 seznámil s plenérovou malbou.

Ve druhé třetině století působili impresionisté jako Édouard Manet , Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir , Camille Pissarro , Alfred Sisley , Berthe Morisot , Mary Cassatt a Edgar Degas v přímějším přístupu, než jaký byl dříve veřejně vystavován. Vyhýbali se alegorii a narativu ve prospěch individualizovaných reakcí na moderní svět, někdy namalovaných s malou nebo žádnou přípravnou studií, spoléhající na obratnost kresby a vysoce chromatickou paletu. Monet, Pissarro a Sisley použili krajinu jako svůj primární motiv, v jejich práci hrála hlavní roli přechodnost světla a počasí. V návaznosti na postup, který se v polovině století stal stále populárnějším, se často vydali na venkov společně malovat pod širým nebem, ale ne pro tradiční účel vytváření náčrtků, které by byly zpracovány do pečlivě dokončených prací ve studiu. Malováním na slunci přímo z přírody a odvážným používáním živých syntetických pigmentů, které byly k dispozici od začátku století, vyvinuli lehčí a jasnější způsob malby.

Edvard Munch , 1893, raný příklad expresionismu

Manet, Degas, Renoir, Morisot a Cassatt se soustředili především na lidské téma. Manet i Degas reinterpretovali klasické figurální kánony v současných situacích; v Manetově případě se představy setkaly s nepřátelským veřejným přijetím. Renoir, Morisot a Cassatt se pro inspiraci obrátili k domácímu životu, přičemž Renoir se zaměřil na ženský akt. Zatímco Sisley se nejvíce držel původních principů impresionistického vnímání krajiny, Monet hledal výzvy ve stále chromatičtějších a proměnlivých podmínkách, které vyvrcholily jeho sérií monumentálních děl Leknínů namalovaných v Giverny .

Postimpresionisté jako Paul Cézanne a o něco mladší Vincent van Gogh , Paul Gauguin a Georges-Pierre Seurat dovedli umění na okraj modernismu . Pro Gauguina impresionismus ustoupil osobní symbolice. Seurat transformoval rozbitou barvu impresionismu na vědeckou optickou studii strukturovanou na vlysovité kompozice. Technika malby, kterou vyvinul, zvaná divizionismus , přilákala mnoho následovníků, jako byl Paul Signac , a na několik let koncem 80. let 19. století Pissarro přijal některé ze svých metod. Van Goghova turbulentní metoda nanášení barvy, spojená se zvučným používáním barev, předpovídaným expresionismem a fauvismem a Cézanne, toužící spojit klasickou kompozici s revoluční abstrakcí přírodních forem, budou považovány za předzvěst umění 20. století .

Kouzlo impresionismu bylo cítit po celém světě, včetně Spojených států, kde se stalo nedílnou součástí obrazu amerických impresionistů, jako jsou Childe Hassam , John Henry Twachtman a Theodore Robinson . To také působilo na malíře, kteří teoreticky nebyli primárně impresionisté, jako malíř portrétu a krajiny John Singer Sargent . Ve stejné době v Americe na přelomu 20. století existoval původní a téměř ostrovní realismus, jak je bohatě ztělesněn v figurálním díle Thomase Eakinsa , Ashcanské školy a krajin a přímořských scenérií Winslowa Homera , jehož všechny obrazy byly hluboce investovány do pevnosti přírodních forem. Vizionářská krajina, motiv do značné míry závislý na nejednoznačnosti nokturna, našel své zastánce v Albert Pinkham Ryder a Ralph Albert Blakelock .

Na konci 19. století také existovalo několik, dosti nepodobných, skupin symbolistických malířů, jejichž díla rezonovala s mladšími umělci 20. století, zejména s fauvisty a surrealisty . Byli mezi nimi Gustave Moreau , Odilon Redon , Pierre Puvis de Chavannes , Henri Fantin-Latour , Arnold Böcklin , Ferdinand Hodler , Edvard Munch , Félicien Rops , Jan Toorop a Gustav Klimt a ruští symbolisté jako Michail Vrubel .

Symbolističtí malíři těžili mytologii a snímky snů pro vizuální jazyk duše a hledali sugestivní obrazy, které připomínaly statický svět ticha. Symboly používané v symbolismu nejsou známými znaky mainstreamové ikonografie, ale intenzivně osobními, soukromými, nejasnými a nejednoznačnými odkazy. Symbolističtí malíři více filozofie než skutečný styl umění ovlivnili současné secesní hnutí a Les Nabis . Při zkoumání snových témat se symbolističtí malíři nacházejí napříč staletími a kulturami, stejně jako jsou dnes; Bernard Delvaille popsal surrealismus Reného Magritta jako „symbolismus plus Freud “.

20. století

Dědictví malířů jako Van Gogh , Cézanne , Gauguin a Seurat bylo zásadní pro rozvoj moderního umění. Na počátku 20. století Henri Matisse a několik dalších mladých umělců včetně pre-kubisty Georgese Braqueho , André Deraina , Raoula Dufyho a Maurice de Vlamincka přineslo revoluci v pařížském uměleckém světě „divokými“, vícebarevnými, výraznými krajinami a figurálními malbami že kritici nazývali fauvismus . Druhá verze tance Henriho Matisse představuje klíčový bod v jeho kariéře a ve vývoji moderní malby. Odráží Matisse počínající fascinaci primitivním uměním : intenzivní teplé barvy na chladném modrozeleném pozadí a rytmická posloupnost tanečních aktů zprostředkovávají pocity emočního osvobození a hedonismu . Pablo Picasso vytvořil své první kubistické obrazy na základě Cézannovy myšlenky, že veškeré zobrazení přírody lze redukovat na tři tělesa: krychli , kouli a kužel . S obrazem Les Demoiselles d'Avignon (1907), Picasso vytvořil nový a radikální obraz zobrazující bordel scénu s pěti prostitutkami, násilně malované ženy, připomínající afrických kmenových masek a vlastních kubistických vynálezů. Kubismus společně vyvinuli zhruba od roku 1908 do roku 1912 Pablo Picasso a Georges Braque , jejichž housle a svícen v Paříži (1910) jsou zde uvedeny. První jasný projev kubismu praktikovali Braque, Picasso, Jean Metzinger , Albert Gleizes , Fernand Léger , Henri Le Fauconnier a Robert Delaunay . Brzy se přidali Juan Gris , Marcel Duchamp , Alexander Archipenko , Joseph Csaky a další. Syntetický kubismus , vykonáván Braque a Picasso, se vyznačuje zavedením různých textur, plochy, koláž prvky, papírová Colle a velkého množství vzniklého spojením předmětu.

Salon d'Automne 1905 přinesl proslulost a pozornost k pracem Henriho Matisse a fauvismu . Skupina získala své jméno poté, co kritik Louis Vauxcelles popsal svou práci frází „ Donatello chez les fauves“ („Donatello mezi divokými zvířaty“), kontrastující mezi obrazy a sochou renesančního typu, která s nimi sdílela místnost. Scéna z džungle Hladový lev se vrhá na antilopu od Henri Rousseaua (který nebyl fauve) visel poblíž děl Matisse a možná inspiroval sarkastický výraz používaný v tisku. Komentář Vauxcelles byl vytištěn 17. října 1905 v deníku Gil Blas a přešel do populárního použití.

V prvních dvou dekádách 20. století a po kubismu vzniklo několik dalších důležitých hnutí; Futurismus ( Balla ), Abstraktní umění ( Kandinsky ) Der Blaue Reiter (Kandinsky a Franz Marc ), Bauhaus (Kandinsky a Klee ), Orphism , ( Delaunay a Kupka ), Synchromismus ( Russell ), De Stijl ( van Doesburg a Mondrian ), Suprematismus ( Malevich ), konstruktivismus ( Tatlin ), dadaismus ( Duchamp , Picabia a Arp ) a surrealismus ( de Chirico , André Breton , Miró , Magritte , Dalí a Ernst ). Moderní malba ovlivnila veškeré výtvarné umění, od modernistické architektury a designu až po avantgardní film, divadlo a moderní tanec a stala se experimentální laboratoří pro vyjádření vizuálního zážitku, od fotografie a konkrétní poezie až po reklamní umění a módu.

Fauvism, Der Blaue Reiter, Die Brücke

Fauvism bylo volné seskupení umělců z počátku 20. století, jejichž díla kladla důraz na malířské kvality a imaginativní použití hlubokých barev nad reprezentačními hodnotami. Vůdci hnutí byli Henri Matisse a André Derain - přátelští soupeři svého druhu, každý se svými vlastními stoupenci. Nakonec Matisse se stál yang k Picasso je yin v 20. století. Mezi fauvistické malíře patřili mimo jiné Albert Marquet , Charles Camoin , Maurice de Vlaminck , Raoul Dufy , Othon Friesz , nizozemský malíř Kees van Dongen a Picassův partner v kubismu Georges Braque .

Fauvism neměl žádné konkrétní teorie a trval krátce, počínaje rokem 1905 a končícím v roce 1907. Měli jen tři výstavy. Matisse byl považován za vůdce hnutí kvůli jeho seniorskému věku a předchozímu založení v akademickém uměleckém světě. Jeho portrét paní z roku 1905. Matisse, Zelený proužek , způsobil v Paříži senzaci, když byl poprvé vystaven. Řekl, že chce vytvářet umění pro potěšení, a lze říci, že jeho použití jasných barev se snaží zachovat klid kompozice. V roce 1906 na návrh svého dealera Ambroise Vollarda odešel André Derain do Londýna a vytvořil sérii obrazů včetně Charing Cross Bridge, Londýn ve fauvistickém stylu, parafrázující slavnou sérii impresionistického malíře Clauda Moneta .

V roce 1907 už fauvismus nebyl šokujícím novým hnutím a Appolinaire o Matisse řekl v článku publikovaném v La Falange : „Nejsme tu v přítomnosti extravagantního nebo extrémistického podniku: Matisseho umění je eminentně rozumné.“

Die Brücke byla skupina německých expresionistických umělců vytvořená v Drážďanech v roce 1905. Zakládajícími členy byli Fritz Bleyl , Erich Heckel , Ernst Ludwig Kirchner a Karl Schmidt-Rottluff . Mezi pozdější členy patřili Max Pechstein a Otto Mueller . Tato klíčová skupina měla zásadní vliv na vývoj moderního umění ve 20. století a vytvořila styl expresionismu .

Der Blaue Reiter bylo německé hnutí trvající od roku 1911 do roku 1914, zásadní pro expresionismus. Wassily Kandinsky , Franz Marc , August Macke , Alexej von Jawlensky , jehož psychicky expresivní obraz ruského tanečníka Portrét Alexandra Sacharoffa (1909) je zde vidět, Marianne von Werefkin , Lyonel Feininger a další založili skupinu Der Blaue Reiter v reakci na odmítnutí Kandinského obrazu Poslední soud z výstavy. Der Blaue Reiter postrádal ústřední umělecký manifest, ale soustředil se kolem Kandinského a Marca. Zapojili se také umělci Gabriele Münter a Paul Klee . Název hnutí pochází z Kandinského obrazu z roku 1903 . Pro Kandinského je modrá barva duchovnosti: čím tmavší je modrá, tím více probouzí lidskou touhu po věčném.

Expresionismus, symbolismus, americká moderna, Bauhaus

Expresionismus a symbolismus jsou široké rubriky, které zahrnují několik souvisejících pohybů v malbě 20. století, které dominovaly velké části avantgardního umění vytvářeného v západní, východní a severní Evropě. Expresionistická díla byla namalována převážně mezi první a druhou světovou válkou, většinou ve Francii, Německu, Norsku, Rusku, Belgii a Rakousku. Fauvism , Die Brücke a Der Blaue Reiter jsou tři z nejznámějších skupin expresionistických a symbolistických malířů. Obraz Marca Chagalla Já a vesnice vypráví autobiografický příběh, který zkoumá vztah mezi umělcem a jeho původem, s lexikonem umělecké symboliky. Gustav Klimt , Egon Schiele , Edvard Munch , Emil Nolde , Chaim Soutine , James Ensor , Oskar Kokoschka , Ernst Ludwig Kirchner , Max Beckmann , Franz Marc , Georges Rouault , Amedeo Modigliani , a někteří Američané v zahraničí, jako je Marsden Hartley a Stuart Davis , byli považováni za vlivné expresionistické malíře. Ačkoli Alberto Giacometti je primárně považován za surrealistického sochaře, vytvořil také intenzivní expresionistické obrazy.

Američtí malíři v období mezi první světovou válkou a druhou světovou válkou měli tendenci jezdit do Evropy za uznáním. Modernističtí umělci jako Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy a Stuart Davis si vytvořili pověst v zahraničí. Zatímco Patrick Henry Bruce vytvořil v Evropě obrazy související s kubistou , Stuart Davis i Gerald Murphy vytvořili obrazy, které byly ranou inspirací pro americký pop art a Marsden Hartley experimentoval s expresionismem. Během dvacátých let vystavoval fotograf Alfred Stieglitz ve svém New Yorku Georgia O'Keeffe , Arthur Dove , Alfred Henry Maurer , Charles Demuth , John Marin a další umělci včetně evropských mistrů Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne a Picasso galerie 291 . V Evropě mistři jako Henri Matisse a Pierre Bonnard pokračovali ve vývoji svých narativních stylů nezávislých na jakémkoli hnutí.

Průkopníci abstrakce

Piet Mondrian , „Kompozice č. 10“ 1939–1942, De Stijl

Wassily Kandinsky je obecně považován za jednoho z prvních významných malířů moderního abstraktního umění . Jako raný modernista teoretizoval stejně jako současní okultisté a teosofové , že čistá vizuální abstrakce měla důsledky vibrací se zvukem a hudbou. Domnívali se, že čistá abstrakce může vyjadřovat čistou spiritualitu. Jeho nejranější abstrakce byly obecně pojmenovány jako příklad v kompozici VII , čímž se propojily s tvorbou hudebních skladatelů. Kandinsky zahrnoval mnoho ze svých teorií o abstraktním umění ve své knize O duchovním umění . Mezi další významné průkopníky rané abstrakce patří švédská malířka Hilma af Klint , ruský malíř Kazimir Malevich a švýcarský malíř Paul Klee . Robert Delaunay byl francouzský umělec, který je spojován s orphismem (připomíná spojení mezi čistou abstrakcí a kubismem). Jeho klíčové příspěvky k abstraktní malbě odkazují na jeho odvážné používání barev a experimentování hloubky i tónu.

Dada a surrealismus

Marcel Duchamp se dostal na mezinárodní výsluní v důsledku New York City Armory Show v roce 1913, kde se jeho akt sestupující ze schodiště č. 2 stal příčinou célèbre. Následně vytvořil The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even , Large Glass . Velký Glass tlačil malířství k radikálním novým limitům, že jsou součástí malby, koláže, část částečnou výstavbu. Duchamp (který se brzy vzdal šachové tvorby) se stal úzce spojen s hnutím Dada, které začalo v neutrálním Curychu ve Švýcarsku během první světové války a dosáhlo vrcholu v letech 1916 až 1920. Hnutí zahrnovalo především výtvarné umění, literaturu (poezii, umělecké manifesty) (teorie umění), divadlo a grafický design, aby se prosazovala jeho protiválečná politika a odmítání převládajících standardů v umění prostřednictvím uměleckých kulturních děl. Mezi další umělce spojené s hnutím Dada patří Francis Picabia , Man Ray , Kurt Schwitters , Hannah Höch , Tristan Tzara , Hans Richter , Jean Arp a Sophie Taeuber-Arp . Duchamp a několik dadaistů jsou také spojováni se surrealismem, hnutím, které dominovalo evropské malbě ve 20. a 30. letech minulého století.

V roce 1924 vydal André Breton Surrealistický manifest . Surrealistické hnutí v obraze se stala synonymem pro avantgardou a uváděných umělců, jejichž díla se pohybovaly od abstraktního ke super-realista. S pracemi na papíře, jako je Machine Turn Quickly , pokračoval Francis Picabia ve svém zapojení do hnutí Dada až do roku 1919 v Curychu a Paříži, než se od něj odpoutal poté, co si vytvořil zájem o surrealistické umění. Yves Tanguy , René Magritte a Salvador Dalí jsou známí především díky realistickému zobrazení snových obrazů a fantastických projevů představivosti. Během dvacátých let minulého století byla práce André Massona rozhodující při pomoci mladému umělci Joanovi Miróovi najít kořeny v surrealistické malbě. Miró je dělány pole (1923-1924) krajnice odběrů a navrhl komplex objektů a údajů a uspořádání sexuálně aktivních znaků; bylo to první Miróovo surrealistické mistrovské dílo . Joan Miró, Jean Arp, André Masson a Max Ernst měli velký vliv, zejména ve Spojených státech během čtyřicátých let minulého století.

Max Ernst, jehož malba Murdering Airplane z roku 1920 je zde k vidění, studoval v Bonnu filozofii a psychologii a zajímal se o alternativní reality zakoušené šílenci. Jeho obrazy mohly být inspirovány studiem psychoanalytika Sigmunda Freuda o bludech paranoika Daniela Paula Schrebera. Freud identifikoval Schreberovu fantazii stát se ženou jako kastrační komplex . Centrální obraz dvou párů nohou odkazuje na Schreberovy hermafroditické touhy. Ernstův nápis na zadní straně obrazu zní: Obraz je zvědavý kvůli své symetrii. Obě pohlaví se navzájem vyvažují.

Skrz třicátá léta se surrealismus stále více zviditelňoval pro širokou veřejnost. V Británii se vyvinula surrealistická skupina a podle Bretona byla jejich londýnská mezinárodní surrealistická výstava z roku 1936 vrcholem doby a stala se vzorem pro mezinárodní výstavy. Surrealistické skupiny v Japonsku, a zejména v Latinské Americe, Karibiku a Mexiku, vyráběly inovativní a originální díla. Mezi další prominentní surrealistické umělce patří Giorgio de Chirico , Méret Oppenheim , Toyen , Grégoire Michonze , Roberto Matta , Kay Sage , Leonora Carrington , Dorothea Tanning a Leonor Fini .

Neue Sachlichkeit, sociální realismus, regionalismus, americká scéna, symbolika

Během 20. a 30. let 20. století a Velké hospodářské krize byla evropská umělecká scéna charakterizována surrealismem, pozdním kubismem, Bauhausem , De Stijlem , Dadou, Neue Sachlichkeit a expresionismem; a byl obsazen mistrovskými modernistickými malíři barev jako Henri Matisse a Pierre Bonnard .

V Německu se objevila Neue Sachlichkeit („Nová objektivita“), když Max Beckmann , Otto Dix , George Grosz a další spolitizovali své obrazy. Práce těchto umělců vyrostla z expresionismu a byla reakcí na politické napětí Výmarské republiky a byla často ostře satirická.

Během třicátých let charakterizovala radikální levicová politika mnoho umělců spojených se surrealismem, včetně Pabla Picassa . 26. dubna 1937, během španělské občanské války , bylo baskické město Gernika dějištěm „ Bombardování Gerniky “ Luftwaffe Condorské legie nacistického Německa. Němci útočili, aby podpořili snahy Francisco Franca svrhnout baskickou vládu a španělskou republikánskou vládu. Pablo Picasso namaloval svou nástěnnou malbu Guernica na památku hrůz bombardování.

Pablo Picasso , 1937, Guernica , protest proti fašismu

Guernica je obrovská černobílá, 3,5 metru vysoká a 7,8 metru široká nástěnná malba namalovaná v oleji. Nástěnná malba představuje scénu smrti, násilí, brutality, utrpení a bezmoci, aniž by zobrazovala jejich bezprostřední příčiny. Volba malovat černobíle vyvolává bezprostřednost novinové fotografie. Obraz byl poprvé vystaven v Paříži v roce 1937, poté ve Skandinávii a v Londýně a v roce 1939 byl na žádost Picassa obraz zaslán do USA v prodloužené zápůjčce (do úschovy) v MoMA . Nakonec v souladu s Picassovým přáním darovat obraz obyvatelům Španělska jako dárek, byl v roce 1981 odeslán do Španělska.

Od Velké hospodářské krize 30. let 20. století až po roky 2. světové války se americké umění vyznačovalo sociálním realismem a americkou scénografií . Hnutí regionalismu, které obsahovalo jak politické, tak sociální komentáře, ovládlo svět umění v USA. Do popředí se dostali umělci jako Ben Shahn , Thomas Hart Benton , Grant Wood , George Tooker , John Steuart Curry , Reginald Marsh a další.

American Gothic je obrazem Granta Wooda z roku 1930. Ztvárňující farmáře držícího vidle a mladší ženu před domem gotického stylu Carpenter je jedním z nejznámějších obrazů amerického umění 20. století. Kritici umění předpokládali, že to bylo záměrně satirické; to byla myšlenka být součástí trendu stále kritická vyobrazení venkovské Americe ilustrovaný Sherwood Anderson ‚s 1919 Winesburg, Ohio , Sinclair Lewis ‘ 1920 Main Street , a Carl Van Vechten je tetovaný hraběnka v literatuře. Nicméně, s nástupem Velké hospodářské krize , obraz začal být viděn jako zobrazení vytrvalého amerického průkopnického ducha.

Renesance umění v Latinské Americe zahrnovala uruguayský malíř Joaquín Torres García , mexický malíř Rufino Tamayo , umělci mexického muralistického hnutí jako Diego Rivera , David Siqueiros , José Orozco , Pedro Nel Gómez a Santiago Martinez Delgado a symbolista malířka Frida Kahlo . Muralisté sdělovali historická a politická poselství. Diego Rivera je veřejným světem možná nejlépe známý pro svou nástěnnou malbu z roku 1933 Muž na křižovatce v hale budovy RCA v Rockefellerově centru . Když jeho patron Nelson Rockefeller zjistil, že nástěnná malba obsahuje portrét Lenina a další komunistické snímky, vystřelil Riveru a nedokončené dílo Rockefellerův personál nakonec zničil.

Díla Fridy Kahlo se týkají surrealismu a hnutí Magic Realism v literatuře. Její díla se často vyznačují výrazným zobrazením bolesti. Z jejích 143 obrazů je 55 autoportrétů, které často obsahují symbolické vyobrazení jejích fyzických a psychických ran.

Abstraktní expresionismus

Čtyřicátá léta v New Yorku předznamenala triumf amerického abstraktního expresionismu , hnutí, které spojovalo ponaučení od evropských modernistů prostřednictvím velkých amerických učitelů, jako byl Hans Hofmann a John D. Graham . Američtí umělci těžily z přítomnosti Piet Mondrian , Fernand Léger , Maxe Ernsta a André Breton skupiny Pierre Matisse galerie a Peggy Guggenheim ‚s galerie umění tohoto století , jakož i další faktory.

Barnett Newman , Onement 1, 1948. Během čtyřicátých let Barnett Newman napsal několik článků o novém americkém malířství.

Americká malba po druhé světové válce s názvem Abstraktní expresionismus zahrnovala umělce jako Jackson Pollock , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Mark Rothko , Hans Hofmann, Clyfford Still , Franz Kline , Adolph Gottlieb , Barnett Newman , Mark Tobey , James Brooks , Philip Guston , Mimo jiné Robert Motherwell , Conrad Marca-Relli , Jack Tworkov , Esteban Vicente , William Baziotes , Richard Pousette-Dart , Ad Reinhardt , Hedda Sterne , Jimmy Ernst , Bradley Walker Tomlin a Theodoros Stamos . Americký abstraktní expresionismus dostal své jméno v roce 1946 od kritika umění Roberta Coatese . Abstraktní expresionismus, akční malba a malba Color Field jsou synonymem školy New York School .

Technicky byl surrealismus důležitým předchůdcem abstraktního expresionismu s důrazem na spontánní, automatické nebo podvědomé tvoření. Kapající barva Jacksona Pollocka na plátno položené na podlaze je technika, která má své kořeny v díle André Massona . Dalším důležitým raným projevem toho, co se stalo abstraktním expresionismem, je dílo amerického severozápadního umělce Marka Tobeye , zejména jeho plátna „bílého psaní“, která, i když obecně nejsou ve velkém měřítku, předjímají „celoplošný“ vzhled Pollockových kapkových obrazů.

Abstraktní expresionismus má navíc představu o tom, že je vzpurný, anarchický, vysoce výstřední a, podle některých, spíše nihilistický. V praxi je tento termín aplikován na libovolný počet umělců pracujících (většinou) v New Yorku, kteří měli zcela odlišné styly, a dokonce aplikován na práci, která není nijak zvlášť abstraktní ani expresionistická. Pollockovy energické „ akční obrazy “ se svým „zaneprázdněným“ pocitem se liší technicky i esteticky od násilné a groteskní série žen Willema de Kooning . Žena V je jedním ze série šesti obrazů de Kooninga v letech 1950 až 1953, které zobrazují tříčtvrteční ženskou postavu. První z těchto obrazů, Žena I, zahájil v červnu 1950, opakovaně obraz měnil a maloval až do ledna nebo února 1952, kdy byl obraz nedokončený. Historik umění Meyer Schapiro viděl obraz v de Kooningově ateliéru a povzbudil umělce, aby vytrval. De Kooning reagoval na zahájení dalších tří obrazů na stejné téma; Žena II, Žena III a Žena IV. V létě 1952, strávený ve East Hamptonu , de Kooning dále prozkoumával téma prostřednictvím kreseb a pastelů. Dokončil práci na ženě I v listopadu 1952 a pravděpodobně byly další tři ženy uzavřeny ve stejnou dobu. Série Woman jsou rozhodně figurální obrazy . Dalším významným umělcem je Franz Kline , jak dokazuje jeho obraz High Street (1950), který byl díky svému zdánlivě spontánnímu a intenzivnímu stylu označován za akčního malíře, přičemž se méně soustředil na postavy nebo obrázky, nebo vůbec, ale na skutečné tahy štětcem a použití plátna.

Clyfford Still , Barnett Newman , Adolph Gottlieb a klidně se třpytivé barevné bloky v díle Marka Rothka (což by se obvykle neříkalo expresionisticky a Rothko popíral, že to bylo abstraktní), jsou klasifikováni jako abstraktní expresionisté, byť podle toho, co Clement Greenberg nazval směr barevného pole abstraktního expresionismu. Oba Hans Hofmann a Robert Motherwell mohou být popsáni jako praktici akční malby a malby barevného pole.

V průběhu padesátých let se malba barevného pole původně týkala konkrétního typu abstraktního expresionismu , zejména díla Marka Rothka, Clyfforda Still, Barnetta Newmana, Roberta Motherwella a Adolpha Gottlieba. V podstatě zahrnoval abstraktní malby s velkými plochými barevnými plochami, které vyjadřovaly smyslné a vizuální pocity a vlastnosti velkých oblastí jemného povrchu. Umělecký kritik Clement Greenberg vnímal malbu Color Field jako související s akční malbou, ale odlišnou od ní. Celková rozloha a gestalt práce raných malířů barevného pole hovoří o téměř náboženském zážitku, zděšeném tváří v tvář rozšiřujícímu se vesmíru smyslnosti, barev a povrchu. Během raného do poloviny šedesátých let se malba Color Field začala odkazovat na styly umělců jako Jules Olitski , Kenneth Noland a Helen Frankenthaler , jejichž díla se týkala abstraktního expresionismu druhé generace, a mladších umělců jako Larry Zox , a Frank Stella - všichni se ubírají novým směrem.

Realismus, krajina, krajina, figurace, zátiší, panoráma města

V letech 1930 až 1960 se abstraktní malba v Americe a Evropě vyvinula do hnutí, jako je abstraktní expresionismus , Color Field Painting, Post-Painterly Abstraction , Op art , Hard-Edge Painting , Minimal Art , Tvarované plátno a Lyrická abstrakce . Jiní umělci reagovali jako reakce na tendenci k abstrakci, která umožnila snímkům pokračovat v různých nových kontextech, jako je například obrazové hnutí Bay Area v padesátých letech a nové formy expresionismu od čtyřicátých do šedesátých let minulého století. V průběhu 20. století mnoho malířů praktikovalo realismus a používalo expresivní obrazy v krajině a figurální malbě se současnými tématy. Patří mezi ně umělci tak rozmanití jako Milton Avery , John D. Graham , Fairfield Porter , Edward Hopper , Andrew Wyeth , Balthus , Francis Bacon , Frank Auerbach , Lucian Freud , Leon Kossoff , Philip Pearlstein , Willem de Kooning , Arshile Gorky , Grace Hartigan , Robert De Niro, starší a Elaine de Kooning .

V Itálii byl v této době Giorgio Morandi nejvýznamnějším malířem zátiší a zkoumal širokou škálu přístupů k zobrazování každodenních lahví a kuchyňského náčiní.

Portrét Willem de Kooning od Arshile Gorkého je příkladem evoluce abstraktního expresionismu z kontextu figurální malby, kubismu a surrealismu . Spolu se svými přáteli de Kooning a John D. Graham Gorky vytvořil bio-morficky tvarované a abstrahované figurální kompozice, které se ve čtyřicátých letech minulého století vyvinuly do zcela abstraktních obrazů. Gorkyho práce se zdá být pečlivou analýzou paměti, emocí a tvaru pomocí linky a barvy k vyjádření citu a přírody.

Studie po Velázquezově portrétu papeže Inocence X , 1953 je obrazem irského umělce Francise Bacona a je příkladem evropského expresionismu po druhé světové válce. Dílo ukazuje zkreslenou verzi Portrét nevinného X namalovaný španělským umělcem Diegem Velázquezem v roce 1650. Dílo je jednou z řady variant Velázquezova obrazu, který Bacon prováděl v průběhu 50. a počátku 60. let, celkem přes čtyřicet -pět děl. Na otázku, proč byl nucen tak často toto téma znovu navštěvovat, odpověděl Bacon, že nemá nic proti papežům, že pouze „chce výmluvu používat tyto barvy a nemůžete dát obyčejné oblečení té purpurové barvy, aniž byste se dostali do jakési falešné fauve chování. " Papež v této verzi kyne hněvem a agresí a tmavé barvy dodávají obrazu groteskní a děsivý vzhled. Skládané závěsy pozadí jsou zprůhledněny a zdá se, že propadají papežově tváři.

Figurativní dílo Francise Bacona, Fridy Kahlo, Edwarda Hoppera, Luciana Freuda, Andrewa Wyetha a dalších sloužilo jako druh alternativy k abstraktnímu expresionismu. Nighthawks (1942) je realistická malba Edwarda Hoppera, který zobrazuje lidem, kteří sedí v centru večeři pozdě v noci. Není to jen nejslavnější Hopperův obraz, ale také jeden z nejznámějších v americkém umění. Městská ulice je mimo restauraci prázdná a uvnitř nikdo ze tří patronů zjevně nehledá ani nemluví s ostatními, ale místo toho je ztracen ve svých vlastních myšlenkách. Toto zobrazení moderního městského života jako prázdného nebo osamělého je společným tématem celé Hopperovy práce. Jedním z nejznámějších obrazů amerického umění 20. století je Wyethův temperový obraz Christina's World ve sbírce Muzea moderního umění v New Yorku . Je na něm žena, která leží na zemi v bezlesém, většinou žlutohnědém poli, vzhlíží a plazí se směrem k šedému domu na obzoru; k domu přiléhá stodola a různé další malé hospodářské budovy.

Po druhé světové válce termín pařížská škola často odkazoval na Tachisme , evropský ekvivalent amerického abstraktního expresionismu a tito umělci jsou také příbuzní Cobrovi . Mezi důležité zastánce patří Jean Dubuffet , Pierre Soulages , Nicolas de Staël , Hans Hartung , Serge Poliakoff a Georges Mathieu , mezi několika dalšími. Na počátku padesátých let Dubuffet (který byl vždy figurálním umělcem) a de Staël upustili od abstrakce a vrátili se k obrazům prostřednictvím figurace a krajiny. Návrat De Staëla k reprezentaci (mořské krajiny, fotbalisté, jazzoví hudebníci, racci) na počátku padesátých let lze považovat za vlivný precedens pro figurální hnutí American Bay Area , protože mnoho z těchto abstraktních malířů jako Richard Diebenkorn , David Park , Elmer Bischoff , Podobný krok udělali Wayne Thiebaud , Nathan Oliveira , Joan Brown a další; návrat k obrazům v polovině 50. let 20. století. Velká část de Staëlovy pozdní práce-zejména jeho abstraktní krajiny z poloviny 50. let-předpovídá malbu Color Field a Lyrical Abstraction 60. a 70. let minulého století. Milton Avery také díky využití barev a zájmu o malbu krajin a krajin spojenou s aspektem barevného pole abstraktního expresionismu, jak jej projevili Adolph Gottlieb a Mark Rothko, a také poučením, které si američtí malíři vzali z díla Henriho Matisse .

Populární umění

Pop art v Americe byl do značné míry původně inspirován díly Jaspera Johna , Larryho Riverse a Roberta Rauschenberga , ačkoli obrazy Geralda Murphyho , Stuarta Davise a Charlese Demutha během 20. a 30. let předznamenávaly styl a předmět popu umění.

V New Yorku v polovině padesátých let vytvořili Rauschenberg a Johns umělecká díla, která zpočátku vypadala jako pokračování abstraktní expresionistické malby. Ve skutečnosti jejich práce a práce Larryho Riverse byly radikální odklony od abstraktního expresionismu, zejména v použití banálních a doslovných obrazů a začlenění světských materiálů do jejich práce. Johnsovo používání různých obrazů a předmětů, jako jsou židle, čísla, terče, plechovky od piva a americká vlajka ; Riversovy obrazy předmětů čerpaných z populární kultury, jako je George Washington překračující Delaware , a jeho začlenění obrázků z reklam, jako je velbloud z cigaret Camel ; a Rauschenbergovy překvapivé stavby využívající inkluzi předmětů a obrázků převzatých z populární kultury, železářství, vrakoviště, městských ulic a taxidermie , daly vzniknout radikálnímu novému hnutí v americkém umění. V roce 1963 se hnutí stalo celosvětově známým jako pop art.

Příkladem pop artu jsou mimo jiné umělci Andy Warhol , Claes Oldenburg , Wayne Thiebaud , James Rosenquist , Jim Dine , Tom Wesselmann a Roy Lichtenstein . Lichtenstein používal olej a barvu Magna v dílech, jako je Drowning Girl (1963; Museum of Modern Art, New York ), které bylo přivlastněno z hlavního příběhu v DC Hearts 's Secret Hearts #83.) Silné obrysy, výrazné barvy a Ben-Day tečky reprodukují vzhled komerčního tisku. Lichtenstein by o své vlastní práci řekl: Abstraktní expresionisté „položili věci na plátno a reagovali na to, co udělali, na barevné polohy a velikosti. Můj styl vypadá úplně jinak, ale povaha vkládání čar je téměř stejná "Můj prostě nevypadá kaligraficky, jako Pollock nebo Kline." Pop art spojuje populární a masovou kulturu s výtvarným uměním, přičemž do mixu vnáší humor, ironii a rozpoznatelné obrázky a obsah. V říjnu 1962 namontovala Sidney Janis Gallery The New Realists , první velkou skupinovou výstavu pop -artu v umělecké galerii v New Yorku. Přehlídka rozeslala šokové vlny po New York School a měla ohlas po celém světě. Polévka Plechovky Campbella (někdy označované jako 32 polévka Plechovky Campbella ) je název z Andy Warhol umělecké dílo, který byl vyroben v roce 1962. Je složena z dvaatřiceti pláten o stejné velikosti, z nichž každá sestává z malbou Campbellova polévka může —Jedna z každé odrůdy konzervované polévky, kterou společnost v té době nabízela. Jednotlivé obrazy byly vytvořeny polomechanizovaným sítotiskem , nemalířským stylem. Pomohli uvést pop art jako hlavní umělecké hnutí, které se opíralo o témata z populární kultury .

Dříve v Anglii v roce 1956 použil termín Pop Art Lawrence Alloway pro obrazy, které oslavovaly konzumerismus éry po druhé světové válce. Toto hnutí odmítlo abstraktní expresionismus a jeho zaměření na hermeneutický a psychologický interiér ve prospěch umění, které zobrazovalo hmotnou konzumní kulturu, reklamu a ikonografii masové produkce. Raná díla anglického umělce Davida Hockneyho , například A Bigger Splash , a díla Richarda Hamiltona , Petera Blakea a Eduarda Paolozziho , jsou považována za klíčové příklady tohoto hnutí. V newyorské galerii East Village 10th Street umělci formulovali americkou verzi pop artu. Claes Oldenburg měl svoji prodejnu a Zelená galerie na 57. ulici začala ukazovat Toma Wesselmanna a Jamese Rosenquista . Mezi radikálními díly Duchampa a Mana Raye , vzpurných dadaistů, existuje spojení - se smyslem pro humor; a popoví umělci jako Alex Katz , Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein a další.

Art Brut, nový realismus, figurální hnutí v zálivu, Neo-Dada, fotorealismus

V padesátých a šedesátých letech se abstraktní malba v Americe a Evropě vyvinula do hnutí, jako je Color Field painting, Post malířská abstrakce , Op art , hard-edge malba , Minimal art , tvarované plátno , Lyrická abstrakce a pokračování abstraktního expresionismu. Jiní umělci reagovali na tendenci k abstrakci Art brut , jak je vidět v Court les rues, 1962, Jean Dubuffet , Fluxus , Neo-Dada , New Realism , Photorealism , který umožňuje znovuobjevení obrazů v různých nových kontextech, jako je Pop art , figurální hnutí Bay Area (ukázkovým příkladem je Diebenkorn's Cityscape I, (Landscape No. 1) (1963), a později v 70. letech neo-expresionismu . The Bay Area Figurative Movement of David Park , Elmer Bischoff , Nathan Oliveira a Richard Diebenkornovi, jejichž obraz Cityscape 1 (1963) je typickým příkladem, byli vlivnými členy v 50. a 60. letech 20. století v Kalifornii. Mladší malíři praktikovali používání obrazů novými a radikálními způsoby. Yves Klein , Arman , Martial Raysse , ChristoNiki de Saint Phalle , David Hockney , Alex Katz , Malcolm Morley , Ralph Goings , Audrey Flack , Richard Estes , Chuck Close , Susan Rothenberg , Eric Fischl a Vija Celmins byli někteří, kteří se stali prominentními mezi šedesátými léty a osmdesátá léta. Fairfield Porter byl z velké části samouk a produkoval reprezentativní práci uprostřed hnutí abstraktního expresionismu. Jeho náměty byly především krajiny, domácí interiéry a portréty rodiny, přátel a kolegů umělců.

Také v 60. a 70. letech minulého století došlo k reakci proti malování. Kritici jako Douglas Crimp viděli dílo umělců jako Ad Reinhardt a vyhlásili „smrt malby“. Umělci začali praktikovat nové způsoby tvorby umění. Nové pohyby získal důležitost, z nichž některé jsou: Fluxus , Happening , videoartu , instalace umění mailartu , na situacionisté , konceptuální umění , Postminimalism , Earth art , arte povera , performance a body art mezi ostatními.

Neo-Dada je také hnutí, které začalo v 50. a 60. letech minulého století a s abstraktním expresionismem souviselo pouze s obrazem. Tento trend, ve kterém jsou výrobky kombinovány s uměleckými materiály, je příkladem práce Jaspera Johna a Roberta Rauschenberga . Rauschenbergovy „kombajny“ v padesátých letech minulého století byly předchůdci pop artu a instalačního umění a využívaly soubor velkých fyzických předmětů, včetně vycpaných zvířat, ptáků a komerční fotografie. Rauschenberg, Johns, Larry Rivers , John Chamberlain , Claes Oldenburg , George Segal , Jim Dine a Edward Kienholz vytvořili mimo jiné nové konvence tvorby umění; učinili přijatelnými ve vážných kruzích současného umění radikální začlenění nepravděpodobných materiálů jako součásti jejich uměleckých děl.

Geometrická abstrakce, Op Art, Hard-Edge, Barevné pole, Minimal Art, Nový realismus

V letech 1960 až 1970 se abstraktní malba v Americe prostřednictvím různých stylů nadále rozvíjela. Geometrická abstrakce , Op art, malba s ostrými hranami, malba Color Field a minimální malba, to byly některé vzájemně propojené směry pokročilé abstraktní malby i některých dalších nových pohybů. Morris Louis byl významným průkopníkem pokročilé malby Colorfield , jeho práce může sloužit jako most mezi abstraktním expresionismem , malbou Colorfield a Minimal Art . Dva vlivní učitelé, Josef Albers a Hans Hofmann , představili nové generaci amerických umělců jejich pokročilé teorie barvy a prostoru. Albers je nejlépe připomínán pro jeho práci jako geometrický abstrakcionistický malíř a teoretik. Nejznámější ze všech jsou stovky obrazů a tisků, které tvoří sérii Pocta náměstí . V této přísné sérii, zahájené v roce 1949, Albers zkoumal chromatické interakce s plochými barevnými čtverci uspořádanými soustředně na plátně. Albersovy teorie o umění a vzdělávání byly formativní pro příští generaci umělců. Jeho vlastní obrazy tvoří základ jak malby na ostro, tak op artu.

Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky , Burgoyne Diller , Victor Vasarely , Bridget Riley , Richard Anuszkiewicz , Frank Stella , Morris Louis , Kenneth Noland , Ellsworth Kelly , John McLaughlin , Barnett Newman , Larry Poons , Ronald Davis , John Hoyland , Larry ZoxAl Held , Mino Argento jsou umělci úzce spjatí s geometrickou abstrakcí , op artem, malbou Color Field a v případě Hofmanna a Newmana také abstraktní expresionismus. Agnes Martin , Robert Mangold , Brice Marden , Jo Baer , Robert Ryman , Richard Tuttle , Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, jsou příklady umělců spojených s minimalismem a (výjimky pro Martina, Baera a Mardena) použitím tvarovaného plátna také v období začínajícím na počátku šedesátých let minulého století. Mnoho geometrických abstraktních umělců , minimalistů a malířů s ostrou hranou se rozhodlo použít hrany obrazu k definování tvaru obrazu spíše než k přijetí obdélníkového formátu. Ve skutečnosti je použití tvarovaného plátna primárně spojeno s obrazy šedesátých a sedmdesátých let, které mají chladně abstraktní, formalistický, geometrický, objektivní, racionalistický, čistě lemovaný, drsně ostrý nebo minimalistický charakter. Bykert Gallery a Park Place Gallery byly důležitými vitríny pro minimalismus a tvarovky malířské plátno v New Yorku v roce 1960.

Tvarované plátno, Washington Color School, abstraktní iluzionismus, lyrická abstrakce

Color Field Painting ukázal na nový směr v americké malbě, stranou od abstraktního expresionismu . V souvislosti s post-malířskou abstrakcí , suprematismem , abstraktním expresionismem, malbou s pevným okrajem a lyrickou abstrakcí se malba Color Field snažila zbavit umění nadbytečné rétoriky. Umělci jako Clyfford Still , Mark Rothko , Hans Hofmann, Morris Louis , Jules Olitski , Kenneth Noland , Helen Frankenthaler , Larry Zox a další malovali vysoce artikulovaným a psychologickým využitím barev. Tito umělci obecně odstranili rozpoznatelné snímky. Někteří umělci odkazovali na minulé nebo současné umění, ale obecně barevná polní malba představuje abstrakci jako cíl sám o sobě. Při sledování tohoto směru moderního umění chtěli umělci představit každý obraz jako jeden soudržný, monolitický obraz. Gene Davis spolu s Kennethem Nolandem, Morrisem Louisem a několika dalšími byl členem malířů Washington Color School, kteří v padesátých a šedesátých letech minulého století začali ve Washingtonu DC vytvářet obrazy Color Field , Black, Gray, Beat je malba s velkým svislým pruhem a typické pro práci Gene Davise. Frank Stella , Kenneth Noland , Ellsworth Kelly , Barnett Newman, Ronald Davis , Neil Williams , Robert Mangold , Charles Hinman , Richard Tuttle , David Novros a Al Loving jsou příklady umělců spojených s používáním tvarovaného plátna v období od r. počátku 60. let minulého století.

Od roku 1960 vyráběl Frank Stella obrazy v hliníkových a měděných barvách a své první práce používal ve tvaru pláten (plátna v jiném než tradičním obdélníku nebo čtverci), často ve tvaru L, N, U nebo T. Ty se později vyvinuly do propracovanějších návrhů, například v sérii Nepravidelný mnohoúhelník (1967). Později zahájil svoji sérii obrazů Úhloměr (1971), v níž jsou vedle sebe uspořádány oblouky , někdy se překrývající, v hranatých hranicích, aby vznikly plné a půlkruhy namalované v prstencích soustředné barvy. Harran II, 1967, je příkladem řady Protractor .

Galerie Andre Emmerich, Galerie Leo Castelli, Galerie Richarda Feigena a Galerie Park Place byly důležitými vitrínami pro malbu Color Field, tvarovanou malbu na plátně a Lyrical Abstraction v New Yorku v 60. letech minulého století. Existuje souvislost s post-malířskou abstrakcí , která reagovala proti mystice, hyper-subjektivitě abstraktních expresionismů a důrazu na dramatické zviditelnění samotného aktu malby-stejně jako slavnostní přijetí plochého obdélníku jako téměř rituálního předpokladu seriózní malba. Během šedesátých lét Color Color Painting a Minimal Art byly často úzce spojeny s sebou. Ve skutečnosti na začátku sedmdesátých let se obě hnutí výrazně odlišila.

Lyrická abstrakce (termín, který vytvořil Larry Aldrich, zakladatel Aldrichova muzea současného umění , Ridgefield Connecticut), obsahoval to, co Aldrich řekl, že v té době viděl v ateliérech mnoha umělců. Je to také název výstavy, která vznikla v Aldrichově muzeu a cestovala do Whitney Museum of American Art a dalších muzeí po celých Spojených státech v letech 1969 až 1971. Lyrická abstrakce je typem volnoběžného abstraktního malířství, které vzniklo uprostřed 60. léta 20. století, kdy se abstraktní malíři vrátili k různým formám malířského, obrazového, expresionismu s převládajícím zaměřením na procesní, gestaltové a repetitivní kompoziční strategie obecně. Na rozdíl od akční malby, kde je kladen důraz na tahy štětcem a vysokou kompoziční dramatičnost, v Lyrické abstrakci - jak dokládá obraz Ronnieho Landfielda Garden of Delight z roku 1971 - je cítit kompoziční nahodilost, uvolněné kompoziční drama a důraz na proces, opakování a celková citlivost. Lyrická abstrakce na konci šedesátých let je charakterizována obrazy Dana Christensena , Ronnie Landfielda, Petera Younga a dalších a společně s hnutím Fluxus a postminimalismem (termín, který poprvé vytvořil Robert Pincus-Witten na stránkách Artfora v roce 1969) hledali rozšířit hranice abstraktní malby a minimalismu zaměřením na proces, nové materiály a nové způsoby vyjadřování. Postminimalismus často zahrnující průmyslové materiály, suroviny, výmysly, nalezené předměty, instalaci, sériové opakování a často s odkazy na Dada a surrealismus je nejlépe ilustrován na sochách Evy Hesse . Lyrická abstrakce, konceptuální umění , postminimalismus, pozemské umění , video, performance , instalační umění spolu s pokračováním Fluxusu, abstraktního expresionismu, malby barevným polem, malby s pevným okrajem, minimálního umění, op artu, pop artu, fotorealismu a nového Realismus rozšířil hranice současného umění v polovině 60. až 70.

Abstraktní iluzionismus, monochromatický, minimalismus, postminimalismus

Jedním z prvních umělců specificky spojených s minimalismem byl Frank Stella , jehož rané „proužkové“ obrazy byly zdůrazněny v show z roku 1959 „16 Američanů“, kterou pořádala Dorothy Miller v Muzeu moderního umění v New Yorku . Šířky pruhů v Stellových pruhových obrazech nebyly zcela subjektivní, ale byly určeny rozměry řeziva použitého ke konstrukci podpůrného podvozku, na kterém bylo nataženo plátno. V katalogu přehlídek Carl Andre poznamenal: „Umění vylučuje zbytečné. Frank Stella shledal nezbytným malovat pruhy. Nic jiného v jeho obraze není.“ Tato reduktivní díla byla v ostrém kontrastu k energeticky naplněným a zjevně emočně nabitým obrazům Willema de Kooninga nebo Franze Klineho a přikláněla se spíše k méně gestickým koloristickým polním obrazům Barnetta Newmana a Marka Rothka .

Umělci jako Larry Poons-jejichž práce se vztahovala k Op Art s důrazem na tečky, ovály a obrazy poskakující po barevných polích- Kenneth Noland , Ralph Humphrey, Robert Motherwell a Robert Ryman také začali zkoumat pruhy, jednobarevné a tvrdé okrajové formáty od konce 50. let do 60. let 20. století.

Vzhledem k tendenci minimalismu vyloučit obrazové, iluzionistické a fiktivní ve prospěch doslovného - jak ukázal Robert Mangold , který chápal koncept tvaru plátna a jeho vztah k objektivitě - došlo k pohybu od malířského a směrem k sochařským starostem. Donald Judd začínal jako malíř a skončil jako tvůrce předmětů. Jeho klíčová esej „Specifické objekty“ (publikovaná v Ročence umění 8, 1965) byla prubířským kamenem teorie pro formování minimalistické estetiky. V této eseji našel Judd východisko pro nové území pro americké umění a současné odmítnutí zbytkových zděděných evropských uměleckých hodnot. Ukázal na důkaz tohoto vývoje v dílech řady umělců působících v té době v New Yorku, včetně Jaspera Johna, Dana Flavina a Lee Bontecou. „Předběžný“ význam pro Judda měla práce George Earla Ortmana [2] , který konkretizoval a destiloval malířské formy do tupých, tvrdých, filozoficky nabitých geometrií. Tyto specifické objekty obývaly prostor, který tehdy nebyl pohodlně klasifikován jako malba nebo socha. To, že kategorická identita takových předmětů byla sama o sobě zpochybněna a že se vyhýbaly snadnému spojení se zažitými a příliš známými konvencemi, bylo součástí jejich hodnoty pro Judda.

V mnohem obecnějším smyslu lze evropské kořeny minimalismu nalézt v malířích geometrických abstrakcí v Bauhausu , v dílech Piet Mondriana a dalších umělců spojených s hnutím DeStijl, v ruských konstruktivistech a v díle rumunského sochaře Constantina Brâncuși . Američtí malíři jako Brice Marden a Cy Twombly ukazují jasný evropský vliv ve své čisté abstrakci, minimalistické malbě 60. let. Ronald Davis polyuretanové díla z pozdní 1960 vzdát hold rozbité sklenice z Marcel Duchamp . Toto hnutí bylo silně kritizováno vysokými modernistickými formalistickými uměleckými kritiky a historiky. Někteří úzkostliví kritici si mysleli, že minimalistické umění představuje nepochopení moderní dialektiky malířství a sochařství, jak ji definoval kritik Clement Greenberg , pravděpodobně dominantní americký kritik malby v období před šedesátými léty. Nejpozoruhodnější kritiku minimalismu vytvořil Michael Fried , greenbergský kritik, který proti dílu namítal na základě jeho „teatrálnosti“. V Art and Objecthood (publikoval v Artforum v červnu 1967) prohlásil, že minimalistické umělecké dílo, zejména minimalistická socha, bylo založeno na zapojení do tělesnosti diváka. Tvrdil, že práce, jako je Robert Morris, přeměnila akt sledování na typ podívané , ve které byla odhalena umělost pozorování aktu a účast diváka na díle. Fried viděl toto vytěsnění diváckého zážitku z estetické angažovanosti uvnitř, na událost mimo umělecká díla jako selhání Minimálního umění.

Ad Reinhardt , ve skutečnosti umělec abstraktně expresionistické generace, ale ten, jehož reduktivní celočerné malby jako by předjímaly minimalismus, měl o hodnotě reduktivního přístupu k umění říci toto: „Čím více věcí je, tím je práce rušnější umění, tím horší to je. Více je méně. Méně je více. Oko je hrozbou pro jasný zrak. Polohování sebe sama je obscénní. Umění začíná zbavováním se přírody. "

Během šedesátých a sedmdesátých let dvacátého století umělci tak mocní a vlivní jako Adolph Gottlieb , Phillip Guston , Lee Krasner , Richard Diebenkorn , Elmer Bischoff , Agnes Martin , Sam Francis , Gene Davis , Joan Mitchell , Friedel Dzubas a mladší umělci jako Sam Gilliam , Sean Scully , Pat Steir , Elizabeth Murray , Walter Darby Bannard , Dan Christensen , Joan Snyder, Richard Tuttle , Ross Bleckner , Archie Rand , Susan Crile a desítky dalších produkovali životně důležité a vlivné obrazy.

V šedesátých a sedmdesátých letech minulého století došlo k dalším důležitým inovacím v abstraktní malbě, které se vyznačovaly monochromatickou malbou a malbou s ostrými hranami inspirovanou Ad Reinhardtem , Barnettem Newmanem , Miltonem Resnickem a Ellsworthem Kellym. Diverzifikovaní umělci jako Al Held , Larry Zox , Frank Stella , Larry Poons , Brice Marden a další prozkoumali sílu zjednodušení. Konvergence malby barevného pole , minimálního umění, malby s ostrými hranami, lyrické abstrakce a postminimalismu stírá rozdíl mezi pohyby, které se více projevily v 80. a 90. letech minulého století. Neo-expresionismus hnutí souvisí s dřívějším vývoji v oblasti abstraktního expresionismu, Neo-Dada , Lyrické abstrakce a Postminimal malování.

Neo-expresionismus

Koncem šedesátých let pomohl abstraktní expresionistický malíř Philip Guston vést v malbě k přechodu od abstraktního expresionismu k neoexpresionismu , přičemž opustil takzvanou „čistou abstrakci“ abstraktního expresionismu ve prospěch kreslenějších ztvárnění různých osobních symbolů a předmětů. Tato díla byla inspirativní pro novou generaci malířů, kteří se zajímají o oživení expresivních obrazů. Jeho obraz Malba, kouření, jídlo je příkladem Gustonova návratu k reprezentaci.

Na konci sedmdesátých a na začátku osmdesátých let došlo také k návratu k malbě, k němuž došlo téměř současně v Itálii, Německu, Francii a Británii . Tyto pohyby byly volány Transavantguardia , Neue Wilde , figurace Libre , Neo-expresionismus , škola v Londýně, a na konci 80. let se Stuckists resp. Tyto malby se vyznačovaly velkými formáty, volnou expresivní tvorbou značek, figurací, mýtem a představivostí. Veškerá práce v tomto žánru začala být označována za neoexpresionismus .

Neo-expresionismus byl styl moderního malířství, který se stal populárním na konci 70. let a dominoval na trhu s uměním až do poloviny 80. let. Vyvinul se v Evropě jako reakce proti konceptuálnímu a minimalistickému umění 60. a 70. let minulého století. Neo-expresionisté se vrátili k zobrazování rozpoznatelných předmětů, jako je lidské tělo (i když někdy prakticky abstraktním způsobem), drsným a násilně emocionálním způsobem pomocí živých barev a banálních barevných harmonií. Zkušení malíři Philip Guston, Frank Auerbach , Leon Kossoff , Gerhard Richter , AR Penck a Georg Baselitz spolu s o něco mladšími umělci Damienem Hirstem , Anselmem Kieferem , Američany Ericem Fischlem , Susan Rothenbergovou , Davidem Salleem , Jean-Michelem Basquiatem , Julianem Schnabel a Keith Haring , Italové Francesco Clemente , Mimmo Paladino , Sandro Chia a Enzo Cucchi a mnozí další se proslavili prací v této intenzivní expresionistické malbě. Kritická reakce byla rozdělena. Někteří kritici to považovali za motivované ziskovými motivacemi velkých komerčních galerií.

Anselm Kiefer je vedoucí osobností evropského neoexpresionismu. V osmdesátých letech se Kieferova témata rozšířila od zaměření na roli Německa v civilizaci až po osud umění a kultury obecně. Jeho dílo se stalo sochařštějším a zahrnuje nejen národní identitu a kolektivní paměť , ale také okultní symboliku, teologii a mysticismus . Tématem celé práce je trauma, kterou prožívají celé společnosti, a neustálé znovuzrození a obnova v životě.

Malba si v současném umění stále drží respektovanou pozici . Umění je otevřené pole, které již není rozděleno mezi objektivní a neobjektivní dichotomií. Umělci mohou dosáhnout kritického úspěchu, ať už jsou jejich obrázky reprezentativní nebo abstraktní. Co má valutu, je obsah, zkoumání hranic média a odmítnutí rekapitulace děl minulosti jako konečného cíle.

Damien Hirst , 2003

Současná malba do 21. století

Skrz 20. století a do 21. století, s nástupem moderních a postmoderních forem umění , začaly slábnout rozdíly mezi tím, co je obecně považováno za výtvarné umění a nízké umění , protože současné vysoké umění tyto koncepty stále zpochybňuje mícháním s populární kulturou .

Mainstreamová malba byla odmítnuta umělci postmoderní éry ve prospěch uměleckého pluralismu . Podle kritik umění Arthur Danto tam je cokoliv postoj, který převažuje; syndrom „všechno se děje“ a následně „nic se neděje“; to vytváří estetickou dopravní zácpu bez pevného a jasného směru a s každým pruhem na umělecké dálnici zaplněným do posledního místa.

Viz také

Reference

Zdroje

O účincích Gutenbergova tisku

externí odkazy