Historie animace - History of animation

Historie animace začalo dávno před vývojem kinematografie . Lidé se pravděpodobně pokoušeli vykreslit pohyb již v paleolitu . Mnohem později stínová hra a kouzelná lampa (od roku 1659) nabízely populární show s promítanými obrazy na obrazovce, které se pohybovaly v důsledku ruční manipulace a/nebo drobné mechaniky. V roce 1833 stroboskopický disk (lépe známý jako fenakistiskop ) představil stroboskopické principy moderní animace , která by o desetiletí později poskytla také základ pro kinematografii. V letech 1895 a 1920, během vzestupu kinematografického průmyslu, bylo vyvinuto několik různých animačních technik, včetně zastavení pohybu s objekty, loutkami, hlínou nebo výřezy a kreslené nebo malované animace. Ručně kreslená animace, většinou animace malovaná na cels , byla dominantní technikou po většinu 20. století a začala být známá jako tradiční animace .

Přibližně na přelomu tisíciletí se počítačová animace stala dominantní technikou animace ve většině regionů (zatímco japonské anime a evropské ručně kreslené produkce jsou stále velmi populární). Počítačová animace je většinou spojena s trojrozměrným vzhledem s detailním stínováním, ačkoli s počítači bylo generováno nebo simulováno mnoho různých stylů animace. Některé inscenace mohou být uznány jako Flash animace , ale v praxi bude počítačová animace s relativně dvourozměrným vzhledem, výraznými obrysy a malým stínováním obecně považována za „tradiční animaci“. Například první celovečerní film vytvořený na počítačích bez kamery je The Rescuers Down Under (1990), ale jeho styl lze stěží odlišit od cel animace.

Tento článek podrobně popisuje historii animace, která vypadá jako kreslená nebo malovaná animace, bez ohledu na základní techniku.

Rané přístupy k pohybu v umění

Existuje několik příkladů raných sekvenčních obrázků, které se mohou zdát podobné sérii kresby animací. Většina z těchto příkladů by umožňovala extrémně nízkou snímkovou frekvenci pouze v případě, že jsou animovány, což má za následek krátké a hrubé animace, které nejsou příliš živé. Je však velmi nepravděpodobné, že by tyto obrázky měly být považovány za animaci. Je možné si představit technologii, která mohla být použita v dobách jejich vzniku, ale nebyly nalezeny žádné přesvědčivé důkazy v artefaktech nebo popisech. Někdy se tvrdí, že tyto rané sekvenční obrazy jsou příliš snadno interpretovány jako „před kinematografií“ myslmi zvyklými na film, komiksy a další moderní sekvenční obrazy, zatímco není jisté, zda si tvůrci těchto obrazů něco podobného představovali. Plynulá animace potřebuje řádné rozdělení pohybu na samostatné obrazy velmi krátkých instancí, které si před moderní dobou jen stěží lze představit. Měření instancí kratších než jedna sekunda bylo poprvé možné pomocí přístrojů vyvinutých v padesátých letech 19. století.

Rané příklady pokusů zachytit fenomén pohybu do nehybné kresby lze nalézt v paleolitických jeskynních malbách , kde jsou zvířata někdy zobrazována s více nohami v superponovaných polohách nebo v sériích, které lze interpretovat jako jedno zvíře v různých polohách. Tvrdilo se, že tyto superponované figury byly určeny pro formu animace s mihotavým světlem plamenů ohně nebo procházející pochodně, střídavě osvětlující různé části malované skalní stěny, odhalující různé části pohybu.

Archeologické nálezy malých paleolitických kotoučů s otvorem uprostřed a kresbami na obou stranách byly prohlašovány za jakési prehistorické thaumatropy, které při spřádání na provázku ukazují pohyb.

5200 let stará keramická mísa objevená v Shahr-e Sukhteh v Íránu má kolem sebe namalováno pět sekvenčních obrazů, které jako by ukazovaly fáze kozy, která vyskočila na strom.

Egyptská nástěnná malba cca 4000 let, nalezen v hrobce Khnumhotep na Beni Hassan hřbitova, se vyznačuje velmi dlouhou sérii snímků, které zřejmě líčí sled událostí v zápasnické utkání.

Parthenon Frieze (asi 400 př . N. L. ) Byl popsán jako zobrazující analýzu pohybu a představující fáze pohybu, strukturované rytmicky a melodicky s kontrapunkty jako symfonie. Bylo prohlašováno, že části ve skutečnosti tvoří souvislou animaci, pokud jsou figury stříleny snímek po snímku. Přestože struktura sleduje jedinečné časoprostorové kontinuum, má narativní strategie.

Římský básník a filozof Lucretius (asi 99 př. N. L. - asi 55 př. N. L.) Napsal ve své básni De rerum natura několik řádků, které se přibližují základním principům animace: „... když první obraz zahyne a druhý je poté, co byl vyroben v jiné poloze, zdá se, že první změnil svou pózu. Samozřejmě to musí být provedeno velmi rychle: tak velká je jejich rychlost, tak velká zásoba částic v každém okamžiku pocitu, aby bylo možné zásobování přijít. " To bylo v kontextu snů, spíše než obrazy vytvořené skutečnou nebo domnělou technologií.

Středověký kodex Sigenot (kolem roku 1470) má sekvenční iluminace s relativně krátkými intervaly mezi různými fázemi působení. Každá stránka má v rámečku nad textem obrázek s velkou konzistencí velikosti a umístění v celé knize (s konzistentním rozdílem velikosti pro pravou a opačnou stranu každé stránky).

Stránka kreseb Leonarda da Vinciho (1452–1519) ukazuje anatomické studie se čtyřmi různými úhly svalů ramene, paže a krku muže. Čtyři kresby lze číst jako rotační pohyb.

Starověké čínské záznamy obsahují několik zmínek o zařízeních, včetně zařízení vyrobeného vynálezcem Ding Huanem , které údajně „dává dojem pohybu“ řadě lidských nebo zvířecích postav na nich, ale tyto účty jsou nejasné a mohou odkazovat pouze na skutečné pohyb figur prostorem.

Již před rokem 1000 n. L. Měli Číňané rotující lucernu, na jejíž tenké papírové strany byly promítány siluety, které vypadaly, že se navzájem pronásledovaly. Říkalo se tomu „klusácká lampa koně“ [走馬燈], protože obvykle zobrazovala koně a jezdce na koních. Vystřižené siluety byly uvnitř lucerny připevněny k hřídeli s oběžným kolem papírových lopatek nahoře, které se otáčelo ohřátým vzduchem stoupajícím z lampy. Některé verze přidávaly další pohyb se spojenými hlavami, chodidly nebo rukama postav spuštěných příčně spojeným železným drátem.

Volvely mají pohyblivé části, ale tyto a další papírové materiály, s nimiž lze manipulovat, se obvykle nepovažují za animaci.

Hra stínů

Stínová hra má s animací mnoho společného: lidé sledující pohybující se postavy na obrazovce jako populární forma zábavy, obvykle příběh s dialogy, zvuky a hudbou. Obrázky mohly být velmi podrobné a velmi členité.

Nejstarší projekce obrazů byla s největší pravděpodobností provedena v primitivní stínové grafice sahající až do prehistorie. Vyvinul se do rafinovanějších forem stínového loutkářství, většinou s plochými spojenými vystřiženými postavami, které jsou drženy mezi zdrojem světla a průsvitnou obrazovkou. Tvary loutek někdy obsahují průsvitnou barvu nebo jiné druhy detailů. Historie stínového loutkářství je nejistá, ale zdá se, že pochází z Asie, možná v 1. tisíciletí před naším letopočtem. Zdá se, že jasnější záznamy sahají až kolem roku 900 n. L. Později se rozšířil do Osmanské říše a zdá se, že se do Evropy nedostal před 17. stoletím. Ve Francii se stala populární na konci 18. století. François Dominique Séraphin zahájil své propracované stínové show v roce 1771 a prováděl je až do své smrti v roce 1800. Jeho dědicové pokračovali, dokud se jejich divadlo v roce 1870 nezavřelo. Séraphin někdy používal k automatizaci show hodinové mechanismy.

Přibližně v době, kdy byla vyvinuta kinematografie , několik divadel v Montmartru předvádělo propracovaná a úspěšná představení „Ombres Chinoises“. Slavný Le Chat Noir vytvořil v letech 1885 až 1896 45 různých show.

Kouzelná lampa

Pohyblivé obrazy byly pravděpodobně promítány pomocí kouzelné lucerny od jejího vynálezu Christiaanem Huygensem v roce 1659. Jeho náčrtky pro diapozitivy magické lucerny byly datovány do toho roku a jsou nejstarším známým dokumentem týkajícím se kouzelné lucerny. Jedna zakroužkovaná skica zobrazuje smrt zvedající paži od prstů k jeho hlavě, další ukazuje, jak pohybuje pravou rukou nahoru a dolů od lokte a další sundává lebku z krku a vrací ji zpět. Tečkované čáry označují zamýšlené pohyby.

Techniky přidávání pohybu k lakovaným skleněným diapozitivům pro magickou lucernu byly popsány zhruba od roku 1700. Obvykle se jednalo o části (například končetiny) namalované na jednom nebo více kusech skla pohybujících se ručně nebo malými mechanismy přes nepohyblivý snímek, který ukazoval zbytek obrázku. Mezi oblíbené předměty pro mechanické skluzavky patřily plachty otáčející se větrného mlýna, průvod postav, piják, který skláněl a zvedal sklenici k ústům, hlava s pohyblivýma očima, nos velmi dlouhý, krysy skákající do úst spícího muž. Složitější skluzavka z 19. století ukázala tehdy známých osm planet a jejich satelitů obíhajících kolem Slunce. Dvě vrstvy namalovaných vln na skle by mohly vytvořit přesvědčivou iluzi klidného moře, které se mění v bouřlivé moře a pohazuje některými čluny, a to zvýšením rychlosti manipulace s různými částmi.

V roce 1770 Edmé-Gilles Guyot podrobně popsal, jak promítat kouzelný lampiónový obraz na kouř a vytvořit transparentní, třpytivý obraz vznášejícího se ducha. Tato technika byla použita v představeních fantasmagorie, která se stala populární v několika částech Evropy v letech 1790 až 1830. Byly vyvinuty další techniky k produkci přesvědčivých zážitků duchů. Lucerna byla ruční, aby pohybovala projekcí po obrazovce (což byla obvykle téměř neviditelná průhledná obrazovka, za kterou lucerna pracovala skrytá ve tmě). Zdálo se, že se duch přibližuje k publiku nebo se zvětšuje pohybem lucerny od obrazovky, někdy s lucernou na vozíku na kolejích. Několik luceren přimělo duchy, aby se pohybovali nezávisle a byly příležitostně používány k překrývání kompozice komplikovaných scén.

Rozpouštění názorů se stalo populární kouzelnou lampionovou show, zejména v Anglii ve 30. a 40. letech 19. století. Tito typicky měli krajinu měnící se ze zimní verze na jarní nebo letní variantu pomalým snižováním světla z jedné verze při zavádění zarovnané projekce druhého snímku. Další použití ukázalo postupnou změnu například hájů na katedrály.

Mezi čtyřicátými a sedmdesátými léty bylo vyvinuto několik abstraktních efektů magické lucerny. To zahrnovalo chromatrop, který promítal oslnivé barevné geometrické vzory otáčením dvou malovaných skleněných disků v opačných směrech.

Občas byly při představeních fantasmagorie použity malé stínové loutky. Kouzelné lampionové skluzavky se spojenými figurkami uváděnými do pohybu pákami, tenkými tyčemi nebo vačkami a šnekovými koly byly také vyráběny komerčně a patentovány v roce 1891. Populární verze těchto „tobogánů Fantoccini“ měla přemetací opici s rameny připevněnými k mechanismu, který ji vyrobil. bubnovat s visícími nohami. Skluzavky Fantoccini jsou pojmenovány podle italského slova pro loutky jako loutky nebo skákací zvedáky.

Animace před filmem

Řada zařízení, která úspěšně zobrazovala animované obrázky, byla představena dlouho před příchodem celuloidového filmu a filmu v roce 1888 . Tato zařízení sloužila k pobavení, ohromení a někdy i k vyděšení lidí. Většina těchto zařízení nepromítala své obrázky a mohla je zobrazit pouze jedna nebo několik osob najednou. V té době byly z velké části považovány za optické hračky . Mnoho z těchto zařízení stále vyrábí a pro studenty filmu učí základní principy animace.

Předehra

Článek v Quarterly Journal of Science, Literature, and The Arts (1821) zvýšil zájem o optické klamy zakřivených paprsků v rotujících kolech viděných svislými otvory. V roce 1824 Peter Mark Roget poskytl matematické podrobnosti o objevujících se zakřiveních a přidal pozorování, že paprsky vypadají nehybně. Roget tvrdil, že iluze je dána skutečností „že dojem vytvořený tužkou paprsků na sítnici, bude -li dostatečně živý, zůstane ještě určitou dobu po ukončení příčiny“. To bylo později považováno za základ pro teorii „perzistence vidění“ jako princip toho, jak vidíme film jako pohyb, nikoli postupný proud statických obrazů skutečně prezentovaných oku. Tato teorie byla od roku 1912 vyřazena jako (jediný) princip účinku, ale zůstává v mnoha vysvětleních filmové historie. Rogetovy experimenty a vysvětlení však inspirovaly další výzkum Michaela Faradaye a Josepha Plateaua, který nakonec přinesl vynález animace.

Thaumatrope (1825)

V dubnu 1825 publikoval W. Phillips (v anonymní spolupráci s Johnem Ayrtonem Paris ) první thaumatrop a stal se populární hračkou. Zdá se, že obrázky na obou stranách malého kartonového disku se mísí do jednoho kombinovaného obrazu, když je rychle zkroucené připojenými řetězci. Toto je často používáno jako ilustrace toho, čemu se často říkalo „ přetrvávání vidění “, pravděpodobně s odkazem na efekt, ve kterém přetrvává dojem jediného obrazu, ačkoli ve skutečnosti jsou dva různé obrazy prezentovány s přerušením. Není jasné, jak velká část účinku se týká pozitivních afterimages . Ačkoli thaumatrope může být také použit pro dvoufázovou animaci, nejsou známy žádné příklady, které by byly vytvořeny s tímto efektem až dlouho poté, co phénakisticope zavedl princip animace.

Phénakisticope (1833)

Phénakisticope (lépe známý překlep phenakistiscope nebo phenakistoscope) byl první animace zařízení pomocí rychlé postupné nahrazení sekvenčních snímků. Obrázky jsou rovnoměrně rozmístěny radiálně kolem disku s malými obdélníkovými otvory na okraji disku. Animaci bylo možné prohlížet štěrbinami rotujícího disku před zrcadlem. Vynalezl ho v listopadu nebo prosinci 1832 belgický Joseph Plateau a téměř současně Rakušan Simon von Stampfer . Plateau poprvé o svém vynálezu publikoval v lednu 1833. Publikace obsahovala ilustrační desku fantaskopu se 16 rámečky zobrazujícími piruetujícího tanečníka.

Fénakisticope byl úspěšný jako hračka novinky a během jednoho roku bylo v Evropě vydáno mnoho sad stroboskopických disků s téměř stejným počtem různých názvů pro zařízení - včetně Fantascope (Plateau), The Stroboscope (Stampfer) a Phénakisticope (pařížský vydavatel Giroux & Cie).

Zoetrope (1833/1866)

V červenci 1833 Simon Stampfer popsal možnost použití principu stroboskopu ve válci (stejně jako na smyčkových pásech) v brožuře doprovázející druhé vydání jeho verze phénakisticope. Britský matematik William George Horner navrhl válcovou variaci Plateauova phénakisticope v lednu 1834. Horner plánoval vydat toto Dædaleum s optikem Kingem, Jr. v Bristolu, ale „setkalo se to s určitou překážkou pravděpodobně při skicování figur“.

V roce 1865 William Ensign Lincoln vynalezl definitivní zoetrop se snadno vyměnitelnými pruhy obrázků. To také mělo ilustrovaný papírový disk na základně, který nebyl vždy zneužíván na komerčně vyráběných verzích. Lincoln licencoval svůj vynález společnosti Milton Bradley and Co., která jej poprvé inzerovala 15. prosince 1866.

Překlopná kniha (kineograf) (1868)

John Barnes Linnett patentoval první flip knihu v roce 1868 jako kineograf . Flip kniha je malá kniha s poměrně pružnými stránkami, z nichž každá má jeden ze série animovaných obrázků umístěných poblíž nevázaného okraje. Uživatel ohne všechny stránky zpět, obvykle palcem, a poté jim postupným pohybem ruky umožní uvolnit se po jedné. Stejně jako u fenakistoskopu, zoetropu a praxeinoskopu je iluze pohybu vytvořena zjevným náhlým nahrazením každého obrazu dalším v řadě, ale na rozdíl od těchto jiných vynálezů není vyžadována žádná clona nebo sestava zrcadel, která by narušovala výhled, a žádné prohlížení je naprosto nezbytné jiné zařízení než ruka uživatele. Raní filmoví animátoři uváděli flip knihy jako inspiraci častěji než dřívější zařízení, která nedosahovala tak širokého publika.

Starší zařízení ze své podstaty výrazně omezují počet obrazů, které lze zahrnout do sekvence, aniž by bylo zařízení velmi velké nebo obrazy neprakticky malé. Formát knihy stále ukládá fyzický limit, ale mnoho desítek obrázků dostatečné velikosti lze snadno pojmout. Vynálezci natáhli i tuto hranici pomocí mutoskopu , patentovaného v roce 1894 a někdy stále nalezeného v zábavních arkádách. Skládá se z velké kruhově vázané překlápěcí knihy v pouzdře, se zorným objektivem a klikou, která pohání mechanismus, který pomalu otáčí sestavu obrazů za úchyt, dimenzovanou tak, aby odpovídala době chodu celého kotouče filmu.

Praxinoskop (1877)

Francouzský vynálezce Charles-Émile Reynaud vyvinul praxinoskop v roce 1876 a patentoval jej v roce 1877. Je podobný zoetropu, ale místo štěrbin ve válci má dvanáct obdélníkových zrcadel umístěných rovnoměrně kolem středu válce. Každé zrcadlo odráží jiný obraz obrazového pásu umístěného naproti na vnitřní stěně válce. Při otáčení praxeinoskop ukazuje postupné obrázky jeden po druhém, což vede k plynulé animaci. Praktinoskop umožnil mnohem jasnější pohled na pohyblivý obraz ve srovnání se zoetropem, protože obrazy zoetropu byly ve skutečnosti většinou zakryty mezerami mezi jeho štěrbinami. V roce 1879 Reynaud zaregistroval změnu patentu praxe , aby zahrnoval Praxinoscope Théâtre , který využíval efekt Pepperova ducha k prezentaci animovaných postav na vyměnitelném pozadí. Pozdější vylepšení zahrnovala „Praxinoscope à projekce“ (uváděná na trh od roku 1882), která používala dvojitou kouzelnou lampu k promítání animovaných postav na stále projekci pozadí.

Zoopraxiskop (1879)

Eadweard Muybridge nechal na skleněné disky namalovat asi 70 svých slavných chronofotografických sekvencí pro projektor zoopraxiskopu , které používal při svých oblíbených přednáškách v letech 1880 až 1895. V osmdesátých letech 19. století byly obrazy namalovány na sklo v tmavých konturách. Pozdější kotouče vyrobené v letech 1892 až 1894 měly obrysy nakreslené Erwinem F. Faberem, které byly fotograficky vytištěny na disk a poté vybarveny ručně, ale ty pravděpodobně nebyly v přednáškách nikdy použity. Namalované postavy byly do značné míry transponovány z fotografií, ale bylo vytvořeno mnoho fantastických kombinací a někdy byly přidány imaginární prvky.

1888–1908: Nejstarší animace filmu

Théâtre Optique

Charles-Émile Reynaud dále rozvinul svůj projekční praxinoskop do Théâtre Optique transparentními ručně malovanými barevnými obrázky v dlouhém perforovaném pásu navinutém mezi dvěma cívkami, patentovaném v prosinci 1888. Od 28. října 1892 do března 1900 Reynaud předvedl celkem 12 800 představení více než 500 000 návštěvníků v Musée Grévin v Paříži. Jeho série animovaných filmů Pantomimes Lumineuses obsahovala 300 až 700 snímků manipulovaných tam a zpět, které trvaly 10 až 15 minut na film. Scéna na pozadí byla promítána samostatně. Živá byla předvedena klavírní hudba, píseň a některé dialogy, zatímco některé zvukové efekty byly synchronizovány s elektromagnetem. První program zahrnoval tři karikatury: Pauvre Pierrot (vytvořený v roce 1892), Un bon bock (vytvořený v roce 1892, nyní ztracený) a Le Clown et ses chiens (vytvořený v roce 1892, nyní ztracený). Později na titulech Autour d'une cabine (vytvořeno v roce 1894) a A rêve au coin du feu bude součástí představení.

Standardní obrazový film

Navzdory úspěchu Reynaudových filmů trvalo nějakou dobu, než byla animace adaptována ve filmovém průmyslu, ke kterému došlo po představení Lumiere's Cinematograph v roce 1895. Časné fantasy a trikové filmy Georgese Mélièse (vydané v letech 1896 až 1913) se příležitostně přiblížily včetně animace s efekty trikového zastavení , malovaných rekvizit nebo malovaných stvoření, která byla přesunuta před malované pozadí (většinou pomocí drátů), a ruční kolorizace filmu . Méliès také propagoval stop trik , s jedinou změnou na scéně mezi záběry, která již byla použita v Edisonově Popravě Marie Stuartové v roce 1895 a pravděpodobně o několik let později vedla k vývoji stop-motion animace. Zdá se, že to trvalo až do roku 1906, než se pořádné animované filmy objevily v kinech. Datování dřívějších filmů s animací je sporné, zatímco jiné filmy, které mohly použít stop motion nebo jiné animační techniky, jsou ztraceny a nelze je zkontrolovat.

Tištěný animovaný film

V roce 1897 měl německý výrobce hraček Gebrüder Bing první prototyp kinematografu. V listopadu 1898 představili tento projektor filmových hraček, možná první svého druhu, na festivalu hraček v Lipsku. Podobná zařízení brzy prodali další výrobci hraček, včetně Ernst Plank a Georges Carette. Přibližně ve stejnou dobu uvedla francouzská společnost Lapierre na trh podobný projektor. Hračkové kinematografy byly upraveny jako kouzelné lampiony s jednou nebo dvěma malými cívkami, které používaly standardní 35mm film „Edisonova perforace“. Tyto projektory byly určeny pro stejný typ trhu s hračkami „domácí zábavy“, který již většina těchto výrobců vybavila praktinoskopy a kouzelnými lampami. Kromě relativně drahých hraných filmů vyráběli výrobci mnoho levnějších filmů tiskem litografických kreseb. Tyto animace byly pravděpodobně vyrobeny černobíle z doby kolem roku 1898 nebo 1899, ale nejpozději do roku 1902 byly provedeny barevně. Obrázky byly často vysledovány z hraných filmů (podobně jako pozdější technika rotoscopingu ). Tyto velmi krátké filmy zobrazovaly jednoduchou opakující se akci a byly vytvořeny tak, aby byly promítány jako smyčka - nekonečné hraní se spojenými konci filmu. Litografický proces a formát smyčky navazují na tradici, kterou stanovil zoetrope a praxinoskop.

Katsudō Shashin , od neznámého tvůrce, byl objeven v roce 2005 a spekuluje se o tom, že je nejstarším dílem animace v Japonsku , přičemžnejpravděpodobnější bylNatsuki Matsumoto, odborník na ikonografii naOsacké univerzitě umění a historik animací Nobujuki Tsugata. vyrobeno v letech 1907 až 1911. Film se skládá ze série kreslených obrázků na padesáti rámcích celuloidového pásu a trvá tři sekundy při šestnácti snímcích za sekundu . Je na něm vyobrazen mladý chlapec v námořnickém obleku, který píše znaky kanji „活動 写真“ ( katsudō shashin neboli „pohyblivý obraz“), pak se otočí směrem k divákovi, sundá klobouk a pozdraví. Důkazy naznačují, že byl sériově vyráběn a prodán bohatým majitelům domácích projektorů. Pro Matsumota relativně špatná kvalita a low-tech tisková technika naznačují, že to bylo pravděpodobně z menší filmové společnosti.

J. Stuart Blackton

J. Stuart Blackton byl britsko-americký filmař, spoluzakladatel studia Vitagraph a jeden z prvních, kdo ve svých filmech používal animaci. Jeho The Enchanted Drawing (1900) lze považovat za první divadelní film zaznamenaný na standardní filmový film, který obsahoval animované prvky, ačkoli se to týká jen několika rámců změn v kresbách. Ukazuje Blacktona, jak dělá „bleskové skici“ obličeje, doutníků, láhve vína a sklenice. Obličej změní výraz, když Blackton nalije víno do úst a když si Blackton vezme doutník. Technika použitá v tomto filmu byla v podstatě stop trikem: jedinou změnou scén bylo nahrazení kresby podobnou kresbou s jiným výrazem obličeje. V některých scénách byla vytažená láhev a sklo nahrazeny skutečnými předměty. Blackton pravděpodobně použil stejnou techniku ​​ve ztraceném filmu skici s bleskem z roku 1896.

Blacktonův film Humorné fáze legračních tváří z roku 1906 je často považován za nejstarší známou kreslenou animaci na standardním filmu. Obsahuje sekvenci vytvořenou z tabulových kreseb, které se mění mezi snímky tak, aby zobrazovaly dva výrazy měnící tváře a vlnící se cigaretový kouř, a také dvě sekvence, které obsahují animaci výřezu s podobným vzhledem pro plynulejší pohyb.

Blacktonovo použití zastavení pohybu v The Haunted Hotel (1907) bylo velmi vlivné.

Émile Cohl

Francouzský umělec Émile Cohl vytvořil první animovaný film pomocí takzvaných tradičních animačních metod: Fantasmagorie z roku 1908 . Film se z velké části skládal z panáčka, který se pohyboval a setkával se se všemi druhy morfujících předmětů, jako je láhev vína, která se promění v květinu. Byly také části živé akce, kde by na scénu vstoupily ruce animátora. Film byl vytvořen tak, že každý rámeček byl nakreslen na papír a poté byl každý snímek natočen na negativní film , což dalo obrázku vzhled tabule. Cohl později šel do Fort Lee, New Jersey poblíž New Yorku v roce 1912, kde pracoval pro francouzské studio Éclair a rozšířil jeho animační techniku ​​do USA.

1910s: Od původních umělců k produkčním studiím „montážní linky“

Winsor McCay

Počínaje krátkým filmem jeho nejoblíbenější postavy Little Nemo z roku 1911 , úspěšný novinový karikaturista Winsor McCay poskytl svým ručně kresleným animacím mnohem více podrobností než jakákoli jiná animace, která byla dříve v kinech k vidění. Jeho film z roku 1914 Gertie Dinosaur představoval raný příklad vývoje postavy v kreslené animaci. Byl to také první film, který kombinoval živé akční záběry s animací. Původně McCay použil film ve svém estrádě: stál vedle obrazovky a mluvil s Gertiem, který reagoval řadou gest. Na konci filmu se McCay procházel za projekčním plátnem a byl plynule nahrazen předem zaznamenaným obrazem, jak vstupuje na obrazovku, jak se dostává na záda kresleného dinosaura a vyjíždí z rámu. McCay osobně ručně kreslil téměř každý z tisíců kreseb pro své filmy. Dalšími pozoruhodnými tituly od McCaye jsou How a Mosquito Operates (1912) a The Sinking of the Lusitania (1918).

Cartoon Film Company - Buxton a Dyer

V letech 1915 až 1916 vyrobili Dudley Buxton a Anson Dyer během první světové války sérii 26 aktuálních karikatur, využívajících především animaci výřezu, vydané jako animovaný skicář Johna Browna. Epizody zahrnovaly ostřelování Scarborough německými bitevními loděmi a The Sinking of the Lusitania, č. 4 (červen 1915)

Studio Barré

V průběhu 19. století se průmyslová norma stávala většími animačními studiemi a umělci jako McCay se vytratili z očí veřejnosti.

Kolem roku 1913 Raoul Barré vyvinul kolíkový systém, který usnadnil zarovnání kreseb perforací dvou otvorů pod každým výkresem a jejich umístěním na dva pevné čepy. Také použil techniku ​​„lomítka a trhání“, aby nemusel pro každý snímek kreslit kompletní pozadí nebo jiné nehybné části. Části, kde bylo potřeba něco změnit pro další snímek, byly pečlivě vyříznuty z výkresu a vyplněny požadovanou změnou na níže uvedeném listu. Poté, co Barré zahájil svou kariéru v animaci v Edison Studios , založil v roce 1914 jedno z prvních filmových studií věnovaných animaci (původně společně s Billem Nolanem ). Barré Studio mělo úspěch s produkcí adaptace populárního komiksu Mutt a Jeff (1916–1926). Studio zaměstnávalo několik animátorů, kteří by měli pozoruhodnou kariéru v animaci, včetně Franka Mosera , Gregoryho La Cavy , Vernona Stallingsa , Toma Nortona a Pata Sullivana .

Bray Productions

V roce 1914 John Bray otevřel John Bray Studios , což znamenalo revoluci ve způsobu vytváření animace. Earl Hurd , jeden z Brayových zaměstnanců, si nechal patentovat techniku cel . Jednalo se o animaci pohybujících se objektů na průhledných celuloidových listech. Animátoři fotografovali listy na nepohyblivém pozadí, aby vytvořili sekvenci obrázků. Toto, stejně jako Brayovo inovativní použití metody montážní linky, umožnilo John Bray Studios vytvořit plukovník Heeza Liar , první animovanou sérii. Mnoho začínajících karikaturistů zahájilo svou kariéru v Brayi , včetně Paula Terryho (později slávy Heckle a Jeckle ), Maxe Fleischera (později slávy Betty Boop a Popeye ) a Waltera Lantze (později slávy Woodyho datla ). Kreslené studio fungovalo zhruba od roku 1914 do roku 1928. Některé z prvních kreslených hvězd ze studií Bray byly Farmer Alfalfa (Paul Terry) a Bobby Bumps (Earl Hurd).

Hearstova mezinárodní filmová služba

Novinový magnát William Randolph Hearst založil International Film Service v roce 1916. Hearst odlákal většinu animátorů Barré Studio, přičemž vedoucím studia se stal Gregory La Cava. Produkovali adaptace mnoha komiksů z Heartových novin poměrně omezeným způsobem, dávajíce jen malý pohyb postavám a hlavně používají dialogové balónky k dodání příběhu. Nejpozoruhodnější sérií je Krazy Kat , pravděpodobně první z mnoha antropomorfních kreslených postaviček koček a dalších mluvících zvířat . Než se studio v roce 1918 zastavilo, zaměstnávalo několik nových talentů, včetně Vernona Stallingsa , Bena Sharpsteena , Jacka Kinga , Johna Fostera , Grima Natwicka , Burta Gilletta a Isadora Kleina.

Fleischer Studios

V roce 1915 Max Fleischer požádal o patent (udělen v roce 1917) na techniku, která se stala známou jako rotoscoping : proces používání živých akčních filmových záznamů jako referenčního bodu pro snadnější vytváření realistických animovaných pohybů. Tato technika byla často používána v sérii Out of the Inkwell (1918–1929) pro John Bray Productions (a další). Série vyplynula z experimentálních rotoskopických snímků Dave Fleischera vystupujícího jako klaun, který se vyvinul do postavy, která se stala známou jako klaun Koko .

Kočka Felix

V roce 1919 vytvořil Otto Messmer z Pat Sullivan Studios kočku Felix . Pat Sullivan , vedoucí studia, si vzal veškerou zásluhu na Felixovi, což je běžná praxe v počátcích studiové animace. Felix the Cat byl distribuován Paramount Studios a přilákal velké publikum, nakonec se stal jedním z nejuznávanějších kreslených postav v historii filmu. Felix byl první karikaturou, která byla prodána.

Quirino Cristiani: první animované funkce

Prvním známým celovečerním animovaným filmem byl El Apóstol od Quirina Cristianiho , vydaný 9. listopadu 1917 v Argentině . Tato úspěšná 70minutová satira využívala techniku ​​výřezu z lepenky, údajně s 58 000 snímky rychlostí 14 snímků za sekundu . Cristianiho další funkce Sin dejar rastros byla vydána v roce 1918, ale nedostalo se jí žádného tisku a špatné účasti veřejnosti, než byla z diplomatických důvodů zabavena policií. Žádný z Cristianiho celovečerních filmů nepřežil.

1920: Absolutní film, přechod na synchronizovaný zvuk a vzestup Disney

Absolutní film

Na počátku dvacátých let minulého století vytvořil absolutní filmový pohyb s umělci jako Walter Ruttmann , Hans Richter , Viking Eggeling a Oskar Fischinger krátké abstraktní animace, které se ukázaly jako vlivné. Ačkoli některé pozdější abstraktní animované práce, například Len Lye a Norman McLaren, by byly široce oceňovány, žánr do značné míry zůstal relativně obskurní avantgardní uměleckou formou, zatímco v mainstreamové animaci se občas objevily přímé vlivy nebo podobné nápady (např. ve filmech Disneyho Toccata a Fuga d moll ve Fantasii (1940) - na nichž Fischinger původně spolupracoval, dokud nebylo jeho dílo sešrotováno, a částečně inspirováno dílem Lye - a v The Dot and the Line (1965) od Chucka Jonese).

Raný synchronizovaný zvuk: Song Car-Tunes a Aesop's Sound Bajky

Od května 1924 do září 1926 produkovalo Dave and Max Fleischer's Inkwell Studios 19 zvukových karikatur, které jsou součástí série Song Car-Tunes , pomocí procesu „ zvuk na film “ Phonofilm . Série také představila „ poskakující míč “ nad texty, aby vedla diváky k zpívání s hudbou. Můj starý domov v Kentucky z června 1926 byl pravděpodobně prvním filmem, který obsahoval trochu synchronizovaného animovaného dialogu, přičemž raná verze Bimba hubovala slova „Následujte míč a připojte se, všichni“. Postava Bimba byla dále rozvíjena ve Fleischerových Talkartoons (1929–1932).

Paul Terry ‚s Dinner Time , z jeho Bajky Aesop (1921-1936) sérii, která měla premiéru 1. září 1928 se synchronizovaným soundtrack s dialogem. Terry byl nucen přidat novinku proti jeho vůli novým majitelem studia Van Beuren. Ačkoli série a její hlavní postava Farmer Al Falfa byly populární, diváci nebyli touto první epizodou se zvukem ohromeni.

Lotte Reiniger

Nejdříve dochovaným animovaným celovečerním filmem je silueta-animovaný Die Abenteuer des Prinzen Achmed (Dobrodružství prince Achmeda) z roku 1926 , který používal barevně tónovaný film . Režie se ujala Němka Lotte Reiniger a její manžel Carl Koch . Walter Ruttmann vytvořil efekty vizuálního pozadí. Francouzský/maďarský spolupracovník Berthold Bartosch a/nebo Reiniger vytvořili hloubku ostrosti tím, že scénografické prvky a postavy umístili na několik úrovní skleněných desek s osvětlením zespodu a kamerou svisle nahoře. Později se podobná technika stala základem víceplošné kamery .

Early Disney: Laugh-O-Grams, Alice, Oswald a Mickey

V letech 1920 až 1922 pracovali karikaturisté Walt Disney , Ub Iwerks a Fred Harman ve společnosti Slide Company (brzy přejmenované na Kansas City Film Ad Company), která produkovala reklamy s vystřihovací animací. Disney a Ub studovali Muybridgovu chronofotografii a jednu knihu o animaci v místní knihovně a Disney experimentoval s kreslenou technikou animace v garáži svých rodičů. Dokázali do společnosti přinést nějaké inovace, ale jejich zaměstnavatel nechtěl opustit důvěryhodnou techniku ​​odpojení. Disneyho domácí experimenty vedly k sérii, která satirizovala aktuální místní témata a která se mu podařilo prodat majiteli tří místních Newman Theaters jako týdenní Newman Laugh-O-Grams v roce 1921. Při uzavírání dohody 19letý Disney zapomněl zahrnout ziskovou marži, ale byl rád, že někdo zaplatil za jeho „experiment“ a díky projekcím získal místní proslulost. Disney také vytvořil svou první opakující se postavu, profesora Whosisa, objevujícího se ve vtipných veřejných oznámeních pro Newmana.

Disney a Harman založili na straně vlastní Kaycee Studio, experimentovali s filmy přehrávanými pozpátku, ale jejich snaha vydělat peníze reklamami a záběry z týdeníku nebyla příliš plodná a Harman odešel v roce 1922. Prostřednictvím inzerátu v novinách Disney „najal“ Rudolpha Isinga výměnou za to, že ho naučí vstupy a výstupy animace. Inspirovaný Terryho Aesop bajky , Disney odstartoval sérii circa sedmi minutových modernizovaných pohádkových kreseb a novou sérii satirických skutečnostech s názvem Lafflets , s Isingův o pomoc. Po dvou pohádkových karikaturách společnost Disney ukončila práci ve společnosti Film Ad a s pomocí investorů založila společnost Laugh-O-Gram Films, Inc. Iwerks, Fredův bratr Hugh Harman a Carman Maxwell byli mezi animátory, kteří by produkovali dalších pět pohádkových karikatur Laugh-O-Gram a sponzorovaný zub Tommyho Tuckera v roce 1922. Sérii se nepodařilo vydělat peníze a v roce 1923 studio zkusilo něco jiného s živě hraná „Song-O-Reel“ Martha a Alice's Wonderland . 12minutový film představoval živě akční dívku ( Virginii Davisovou ) v interakci s mnoha kreslenými postavičkami, včetně Felixem inspirovaného Juliuse Kocourka (který se již objevil v pohádkách Laugh-O-Gram, beze jména). Než mohl Disney obraz prodat, jeho studio zkrachovalo.

Disney se přestěhoval do Hollywoodu a podařilo se mu uzavřít smlouvu s newyorskou filmovou distributorkou Margaret J. Winklerovou , která právě ztratila práva na Felix the Cat a Out of the Inkwell . Aby natočili sérii Alice Comedies (1923–1927), přestěhovali se Iwwerks také do Hollywoodu, později následovali Ising, Harman, Maxwell a kolega z filmové reklamy Friz Freleng . Série byla dostatečně úspěšná, aby vydržela 57 epizod, ale Disney nakonec dala přednost vytvoření nové plně animované série.

Oswald Lucky Rabbit následoval v roce 1927 a stal se hitem, ale po neúspěšných jednáních o pokračování v roce 1928 převzal Charles Mintz přímou kontrolu nad výrobou a Disney ztratil kvůli Mintzovi svou postavu a většinu svých zaměstnanců.

Disney a Iwerks vyvinuli Mickey Mouse v roce 1928, aby nahradili Oswalda. První film s názvem Plane Crazy nedokázal zapůsobit na testovací publikum a nevzbudil dostatečný zájem potenciálních distributorů. Poté, co byly úspěšné některé hrané filmy se synchronizovaným zvukem , Disney pozastavil novou karikaturu Mickey Mouse The Gallopin 'Gaucho, aby zahájil práci na speciální zvukové produkci, která by sérii přesvědčivěji zahájila. Velká část akce ve výsledném Steamboat Willie (listopad 1928) zahrnuje vydávání zvuků, například Mickey dělá hudbu pomocí hospodářských zvířat na palubě lodi. Film měl obrovský úspěch a Mickey Mouse se brzy stane nejpopulárnější kreslenou postavou v historii.

Bosko

Bosko vytvořili v roce 1927 Hugh Harman a Rudolf Ising , konkrétně s ohledem na vysílačky . V té době ještě pracovali pro Disney, ale odešli v roce 1928, aby pracovali na karikaturách Oswalda Lucky Rabbit v Universal asi rok, a poté vyrobili Boska, pilota Talk-Ink Kid v květnu 1929, aby nakoupil pro distributora . Podepsali se s produkcemi Leona Schlesingera a zahájili sérii Looney Tunes pro Warner Bros. v roce 1930. Bosko byl hvězdou 39 karikatur Warner Bros., než Harman a Ising vzali Boska do MGM poté, co opustil Warner Bros .. Po dvou karikaturách MGM se postava obdržel dramatický make-up, který byl mnohem méně oceněn publikem. Boskova kariéra skončila v roce 1938.

1930: Barva, hloubka, kreslené superhvězdy a Sněhurka

Litografické filmy pro domácí použití, které byly v Evropě k dispozici v prvních desetiletích dvacátého století, byly vícebarevné, ale nezdá se, že by tato technika byla použita pro divadelně vydané animované filmy. Zatímco původní tisky Dobrodružství prince Achmeda obsahovaly tónování filmu , většina divadelně vydaných animovaných filmů před rokem 1930 byla čistě černobílá. Efektivní barevné procesy byly v Hollywoodu vítanou novinkou a zdály se obzvláště vhodné pro karikatury.

Dvoupruhová barva

Kreslený segment v celovečerním filmu King of Jazz (duben 1930), který vyrobili Walter Lantz a Bill Nolan, byla první animací uvedenou ve dvouproužkové Technicolor.

Fiddlesticks , vydaný společně s King of Jazz , byl prvnímfilmem Flip the Frog a prvním projektem, na kterém Ub Iwerks pracoval poté, co opustil Disney a založil si vlastní studio. V Anglii byla karikatura vydána v Harris Color, dvoubarevném procesu, pravděpodobně jako první divadelně vydaná samostatná animovaná karikatura, která se pyšní zvukem i barvami.

Hloupé symfonie Disney v Technicoloru

Když byla série Silly Symphonies , která byla zahájena v roce 1929, méně populární, než jak Disney doufal, obrátil se k nové technické inovaci, která má zlepšit dopad série. V roce 1932 spolupracoval se společností Technicolor na vytvoření první plnobarevné animace Flowers and Trees , která debutovala technikou tří pásů (první použití v hraných filmech přišlo zhruba o dva roky později). Karikatura byla úspěšná a získala Oscara za krátké předměty, karikatury . Společnost Disney dočasně uzavřela exkluzivní smlouvu na použití plně barevné techniky Technicolor v animovaných filmech. Dokonce chvíli čekal, než vyrobil pokračující sérii Mickey Mouse v barvě, takže Silly Symphonies bude mít pro publikum zvláštní přitažlivost. Poté, co v září 1935 vypršela exkluzivní dohoda, se plnobarevná animace brzy stala průmyslovým standardem.

Silly Symphonies inspiroval mnoho kresleného seriálu, který chlubí různé jiné systémy barev až Technicolor nebyl exkluzivní k Disney už, včetně Ub Iwerks' Comicolor Kreslené (1933-1936), Van Beuren Studios " duhový průvod (1934-1936), Fleischerův Color Classics ( 1934-1941), Charles Mintz své Color Rhapsody (1936-1949), MGM šťastný harmonie (1934-1938) George Pal ‚s Puppetoons (1932-1948), a Waltera Lantz je Swing Symphony (1941-1945).

Víceúrovňové kamery a stereoptický proces

K vytvoření dojmu hloubky bylo vyvinuto několik technik. Nejběžnější technikou bylo nechat postavy pohybovat se mezi několika vrstvami pozadí a/nebo popředí, které by bylo možné nezávisle přesouvat, což odpovídá zákonům perspektivy (např. Čím dál od kamery, tím nižší rychlost).

Lotte Reiniger již pro Die Abenteuer des Prinzen Achmed navrhla typ víceplošné kamery a její spolupracovník Berthold Bartosch použil podobné nastavení pro svůj složitě detailní 25minutový film L'Idée (1932).

V roce 1933 Ub Iwerks vyvinul víceplošnou kameru a použil ji pro řadu epizod Willie Whopper (1933–1934) a ComiColor Cartoons .

Fleischerovi vyvinuli velmi odlišný „stereoptický proces“ v roce 1933 pro své barevné klasiky . Byl použit v první epizodě Betty Boop v Chudé Popelce (1934) a ve většině následujících epizod. Proces zahrnoval trojrozměrné sady postavené a vytesané na velkém gramofonu. Cels byly umístěny do pohyblivé sady, takže se zdálo, že se animované postavy pohybují před a za 3D prvky ve scéně, když byl otočný talíř otočen.

Zaměstnanec Disney William Garity vyvinul víceplošnou kameru, která mohla mít až sedm vrstev uměleckých děl. Byl testován v Silly Symphony The Old Mill (1937), který získal Oscara, a byl prominentně používán ve Sněhurce a pozdějších funkcích.

Nové barevné kreslené superhvězdy

Poté, co byly přidání zvuku a barev pro Disney obrovským úspěchem, následovala další studia. Do konce tohoto desetiletí byly téměř všechny divadelní karikatury vyrobeny v plné barvě.

Zpočátku byla hudba a písně středem zájmu mnoha sérií, jak naznačují názvy seriálů jako Song Car-Tunes , Silly Symphonies , Merrie Melodies a Looney Tunes , ale byly to rozpoznatelné postavy, které skutečně uvízly u publika. Mickey Mouse byl první kreslenou superhvězdou, která překonala popularitu kočky Felixe, ale brzy následovaly další desítky kreslených superstar, z nichž mnohé zůstávaly populární po celá desetiletí.

Warner Bros. měl rozsáhlou hudební knihovnu, kterou bylo možné propagovat prostřednictvím karikatur na základě dostupných melodií. Zatímco Disney potřeboval vytvořit hudbu pro každou karikaturu, snadno dostupné noty a písně ve Warner Bros. poskytly inspiraci pro mnoho karikatur. Leon Schlesinger prodal Warner Bros. druhou sérii s názvem Merrie Melodies , která do roku 1939 smluvně potřebovala obsahovat alespoň jeden refrén z hudebního katalogu. Na rozdíl od Looney Tunes s Boskem, Merrie Melodies představovalo jen několik opakujících se postav jako Foxy , Piggy a Goopy Geer, než Harman a Ising odešli v roce 1933. Bosko byl nahrazen Buddy pro sérii Looney Tunes, ale vydržel jen dva roky, zatímco Merrie Melodies zpočátku pokračovalo bez opakujících se znaků. Nakonec se tyto dvě série staly nerozeznatelné a přinesly mnoho nových postav, které se staly populární. Animátor/režisér Bob Clampett navrhl Porky Pig (1935) a Daffy Duck (1937) a byl zodpovědný za velkou část energické animace a neuctivého humoru spojeného se sérií. Ve 30. letech 20. století došlo také k rané anonymní inkarnaci postav, z nichž se později staly superhvězdy Elmer Fudd (1937/1940), Bugs Bunny (1938/1940) a Sylvester the Cat (1939/1945). Od roku 1937 Mel Melc vykonával většinu hlasů postav.

Společnost Disney představila ve vesmíru Mickey Mouse nové postavy, které se stanou velmi populárními - hrát společně s Mickey a Minnie Mouse (1928): Pluto (1930), Goofy (1932) a postavou, která se brzy stane novým oblíbencem: Donald Duck (1934). Disney si uvědomil, že úspěch animovaných filmů závisí na vyprávění emocionálně poutavých příběhů; vyvinul „příběhové oddělení“, kde by se umělci storyboardu oddělení od animátorů soustředili pouze na vývoj příběhu, což se osvědčilo, když studio Disney vydalo v roce 1933 první animovaný krátký film s propracovanými postavami Tři malá prasátka . Disney by rozšířil své studio a zahájil další a další produkční aktivity, včetně komiksů, zboží a zábavních parků. Většina projektů byla založena na postavách vyvinutých pro divadelní krátké filmy.

Fleischer Studios představila nejmenovanou psí postavu jako Bimbovu přítelkyni v Dizzy Dish (1930), z níž se vyvinula lidská žena Betty Boop (1930–1939) a stala se Fleischerovým nejznámějším výtvorem. Ve třicátých letech přidali do svého repertoáru také Hunky a Spunky (1938) a populární animovanou adaptaci Popeye (1933).

Haysův kód a Betty Boop

Hays " produkční kodex morálních pokynech byla použita v roce 1930 a pevně prosazována mezi 1934 a 1968. To mělo velký vliv na filmařů, kteří rád vytvořit relativně rozpustilá materiál. Jako nechvalně známý příklad Betty Boop velmi trpěla, když musela být změněna z bezstarostného bubeníka s nevinným sex -appealem na zdravější a mnohem krotitelnější postavu v plnějších šatech. Zmizení jejího přítele Bimba bylo pravděpodobně také důsledkem nesouhlasu kódů mezi smíšenými druhy.

Sněhurka a průlom animované funkce

Před Disneyho Sněhurkou a sedmi trpaslíky bylo vydáno nejméně osm celovečerních animovaných filmů , přičemž nejméně další dva dřívější animované celovečerní projekty zůstaly nedokončené. Většina z těchto filmů (z nichž přežily pouze čtyři) byla vytvořena pomocí technik vystřihování , siluety nebo stop-motion . Mezi ztracenými animovanými prvky byly tři funkce Quirina Cristianiho , který měl svůj třetí celovečerní film Peludópolis premiéru 18. září 1931 v Buenos Aires se synchronizovaným soundtrackem zvuku Vitaphone na disku . Kritici to přijali docela pozitivně, ale nestal se hitem a pro filmaře to bylo ekonomické fiasko. Cristiani brzy pochopil, že v Argentině už nemůže dělat kariéru s animací. Pouze recenze Oscarů na Walt Disney Cartoons- také od Disney-byla zcela ručně nakreslena. Bylo vydáno sedm měsíců před Sněhurkou, aby podpořilo nadcházející vydání Sněhurky . Mnozí to nepovažují za skutečný celovečerní film, protože jde o balíčkový film a trvá pouhých 41 minut. Splňuje oficiální definice celovečerního filmu Britského filmového institutu , Akademie filmových umění a věd a Amerického filmového institutu , které vyžadují, aby měl film délku přes 40 minut.

Když vyšlo najevo, že Disney pracuje na celovečerní animaci, kritici tento projekt pravidelně označovali jako „Disneyho bláznovství“, protože nevěřili, že by diváci mohli tak dlouho vydržet očekávané jasné barvy a vtipy. Sněhurka a sedm trpaslíků měla premiéru 21. prosince 1937 a stala se celosvětovým úspěchem. Film pokračoval v Disneyově tradici přivlastňovat si staré pohádky a jiné příběhy (počínaje Laugh-O-Grams v roce 1921), stejně jako většina Disneyho funkcí, které následovaly.

Studia Fleischer následovala Disneyho příklad s Gulliverovými cestami v roce 1939, což byl u pokladny menší úspěch.

Raná televizní animace

V dubnu 1938, kdy bylo připojeno asi 50 televizních přijímačů, vysílala NBC osmiminutovou nízkorozpočtovou karikaturu Willie červ . Speciálně to pro toto vysílání vyrobil bývalý zaměstnanec Disney Chad Grothkopf, hlavně s výřezy a trochou cel animace.

Asi o rok později, 3. května 1939, měl Disney's Donald's Cousin Gus premiéru na experimentálním kanálu W2XBS NBC několik týdnů před uvedením do kin. Karikatura byla součástí prvního celovečerního programu.

40. léta 20. století

Válečná propaganda

Několik vlád již používalo animaci ve veřejných informačních filmech, jako například filmová jednotka GPO ve Velké Británii a japonské vzdělávací filmy. Během druhé světové války se animace stala běžným prostředkem propagandy. USA měly svá nejlepší studia pracující pro válečné úsilí.

Aby společnost Warner Bros. instruovala servisní personál o všech druzích vojenských předmětů a posílila morálku, byla objednána na několik krátkých filmů a speciální animované série Private Snafu . Postavu vytvořil slavný filmový režisér Frank Capra , Dr. Seuss se podílel na scenáristice a sérii režíroval Chuck Jones. Disney také vyrobilo několik instruktážních šortek a dokonce osobně financovalo celovečerní Victory Through Air Power (1943), které propagovalo myšlenku dálkového bombardování.

Mnoho populárních postav propagovalo válečné dluhopisy , jako Bugs Bunny in Any Bonds Today? , Malá prasátka Disney v The Thrifty Pig a celá hromada postav Disney v All Together . Daffy Duck požádal o šrot pro válečné úsilí ve hře Scrap Happy Daffy . Minnie Mouse a Pluto pozvali civilisty, aby nasbírali tuk na vaření, aby jej bylo možné použít k výrobě výbušnin v Out of the Frying Pan Into the Fire Line . Bylo několik dalších krátkých filmů politické propagandy, například Warner Bros. ' Myš páté kolony , Disney's Chicken Little a serióznější Vzdělávání pro smrt a rozum a emoce (nominováno na Oscara).

Takové válečné filmy byly velmi ceněny. Bugs Bunny se stal něčím jako národní ikonou a Disneyho propagandistický krátký Der Fuehrer's Face (v hlavní roli s Duckem Duckem) získal společnost desátou Cenu Akademie za kreslené krátké předměty .

První japonský celovečerní anime桃 太郎 海 の 神兵 (Momotaro: Sacred Sailors) byl vyroben v roce 1944 na objednávku ministerstva japonského námořnictva . Byl navržen pro děti a částečně inspirovaný Fantasií měl inspirovat sny a naději na mír. Hlavními postavami jsou antropomorfní opice, pes, medvěd a bažant, kteří se stanou parašutistickými vojáky (kromě bažanta, který se stane pilotem), jehož úkolem je napadnout Celebes . Epilog naznačuje, že Amerika je cílem příští generace.

Celovečerní animace ve čtyřicátých letech minulého století

Vysoké ambice, překážky a škrty v americké celovečerní animaci

Disneyho další funkce ( Pinocchio a velmi ambiciózní koncertní film Fantasia , oba vydané v roce 1940) a druhý animovaný film Fleischer Studios Mr. Bug Goes to Town (1941/1942) byly kritiky přijaty příznivě, ale během pokladny neuspěly jejich počáteční divadelní běhy. Hlavní příčinou bylo, že druhá světová válka odřízla většinu zahraničních trhů. Tyto překážky odradily většinu společností, které měly plány s animovanými funkcemi.

Společnost Disney snížila náklady na další funkce a poprvé vydala film The Reluctant Dragon , který se většinou skládal z živého akčního turné po novém studiu v Burbanku, částečně černobílém, se čtyřmi krátkými kreslenými filmy. V celosvětové pokladně to byl mírný úspěch. To bylo následováno o několik měsíců později Dumbo (1941), jen 64 minut dlouhý a animovaný v jednodušším ekonomickém stylu. To pomohlo zajistit zisk u pokladny a kritici i diváci reagovali pozitivně. Disneyho další celovečerní film Bambi (1942) se vrátil k většímu rozpočtu a honosnějšímu stylu, ale dramatičtější příběh, temnější nálada a nedostatek fantastických prvků nebyl během prvního spuštění dobře přijat a přišel o pokladny.

Ačkoli všech osm dalších funkcí Disneyho ve čtyřicátých letech minulého století byly balíčkové filmy a/nebo kombinace s hranou akcí (například Saludos Amigos (1943) a Tři Caballeros (1944)), společnost Disney si zachovala víru v animovanou celovečerní animaci. Po celá desetiletí bylo Disney jediným americkým studiem, které pravidelně vydávalo animované divadelní celovečerní filmy, ačkoli některým dalším americkým studiím se do začátku 90. let podařilo vydat více než hrstku.

Síly animace mimo USA

Americké cel-animované filmy dominují celosvětové produkci a spotřebě divadelních animovaných filmů od 20. let 20. století. Zvláště Disneyho práce se ukázala být velmi populární a nejvlivnější po celém světě. Studia z jiných zemí sotva mohla konkurovat americké produkci. Relativně mnoho producentů animací mimo USA se rozhodlo pracovat s jinými technikami než „tradiční“ nebo cel animace, jako je loutková animace nebo vystřihovaná animace. Několik zemí (zejména Rusko, Čína a Japonsko) však vyvinulo vlastní relativně velký „tradiční“ animační průmysl. Ruské animační studio Sojuzmultfilm , založené v roce 1936, zaměstnávalo až 700 kvalifikovaných pracovníků a během sovětského období produkovalo v průměru 20 filmů ročně. Některé tituly zaznamenané mimo jejich domácí trhy zahrnují铁扇公主 (Princess Iron Fan) (Čína 1941, vlivný v Japonsku), Конёк-Горбунок (The Humpbacked Horse) (Rusko 1947, vítěz zvláštní ceny poroty v Cannes v roce 1950), I Fratelli Dinamite (The Dynamite Brothers) (Itálie 1949) a La Rosa di Bagdad (The Rose of Baghdad) (Itálie 1949, anglický dub 1952 hrál Julie Andrews ).

Úspěšné divadelní krátké karikatury čtyřicátých let minulého století

Během „zlatého věku americké animace“ soutěžila nová studia se studiemi, která přežila bitvy o inovace zvuku a barev předchozích desetiletí. Kreslená zvířata byla stále normou a hudba byla stále relevantním prvkem, ale často ztrácela svou hlavní přitažlivost k melodramatickému vyprávění Disney nebo divokému humoru v Looney Tunes a dalších kreslených filmech.

Disney pokračovalo ve svých kreslených úspěších a přidalo Daisy Duck (1940) a Chip 'n' Dale (1943/1947) do světa Mickey Mouse , zatímco Warner Bros. vyvinul nové postavy, aby se připojil k jejich oblíbenému obsazení Merrie Melodies/Looney Tunes, včetně Tweety ( 1941/1942), Henery Hawk (1942), Yosemite Sam (1944/1945), Foghorn Leghorn (1946), Barnyard Dawg (1946), Marvin the Martian (1948) a Wile E. Coyote and Road Runner (1949).

Dalšími novými populárními postavami a seriály byly Terrytoons ' Mighty Mouse (1942–1961) a Heckle and Jeckle (1946) a Screen Gems ' The Fox and the Crow (1941–1948).

Fleischer/Famous Studios

Fleischer zahájil svou velkolepou adaptaci Supermana v roce 1941. Úspěch přišel příliš pozdě na to, aby se studio zachránilo před finančními problémy, a v roce 1942 převzal studio od rezignujících Fleischer Brothers studio Paramount Pictures . Přejmenované Famous Studios pokračovalo v sérii Popeye a Superman , vyvinulo populární adaptace Little Lulu (1943–1948, licencováno Gold Key Comics), Casper the friendly ghost (1945) a vytvořilo nové série, například Little Audrey (1947) a Baby Huey (1950).

Produkce Walter Lantz

Walter Lantz zahájil svou animační kariéru v Hearstově studiu ve věku 16 let. Pracoval také pro Bray Studios a Universal Pictures , kde v roce 1929 získal kontrolu nad karikaturami Oswald the Lucky Rabbit (údajně vyhrál postavu a kontrolu studia v pokerové sázce s prezidentem Universal Carlem Laemmlem ). V roce 1935 bylo studio Universal přeměněno na nezávislou společnost Walter Lantz Productions , ale zůstalo na šarži Universal a pokračovalo ve výrobě karikatur pro distribuci Universal. Když Oswaldova popularita slábla a postava byla nakonec v roce 1938 v důchodu, Lantzovy inscenace se obešly bez úspěšných postav, dokud v roce 1939 nevyvinul Andyho Pandu . Antropomorfní panda do roku 1949 hrála ve více než dvou tuctech karikatur, ale brzy ho zastínil ikonický Woody Woodpecker. , který debutoval v kresleném filmu Andy Panda Knock Knock v roce 1940. Mezi další oblíbené postavy Lantze patří Wally Walrus (1944), Buzz Buzzard (1948), Chilly Willy (1953), Hickory, Dickory a Doc (1959).

MGM

Po rozeslání Ub Iwerks' Flip srdcovky a Willie nehorázná lež karikatur a šťastný harmonie od Harman a Ising , Metro-Goldwyn-Mayer založil svůj vlastní karikatura studio v roce 1937. Ateliér měl hodně úspěchů s Barney medvěda (1939-1954), Hanna a Joseph Barbera ‚s Tom a Jerry (1940) a Spike a Tyke (1942).

V roce 1941 Tex Avery opustil Warner Bros. pro MGM a vytvořil by tam Droopy (1943), Screwy Squirrel (1944) a George and Junior (1944).

UPA

Zatímco Disney a většina ostatních studií hledala v animaci smysl pro hloubku a realismus, animátoři UPA (včetně bývalého zaměstnance Disney Johna Hubleye ) měli jinou uměleckou vizi. Vyvinuli mnohem řidší a stylizovanější typ animace, inspirovaný ruskými příklady. Studio vzniklo v roce 1943 a zpočátku pracovalo na vládních zakázkách. O několik let později podepsali smlouvu s Columbia Pictures, převzali The Fox and the Crow od Screen Gems a získali nominace na Oscara za své první dvě divadelní šortky v letech 1948 a 1949. Zatímco oblasti animace dominovaly antropomorfní zvířata, když studio bylo dovoleno vytvořit novou postavu, přišli s krátkozrakým starcem. Pan Magoo (1949) se stal hitem a bude uveden v mnoha krátkých filmech. V letech 1949 až 1959 získala UPA 15 nominací na Oscara, přičemž svou první Oscara získala s adaptací Dr. Seusse Geralda McBoing-Boinga (1950), následovaly další dvě za When Magoo Flew (1954) a Magoo's Puddle Jumper (1956). Výrazný styl byl vlivný a dokonce ovlivnil velká studia, včetně Warner Bros a Disney. Kromě účinné svobody v uměleckém projevu UPA dokázal, že řidší animaci lze ocenit stejně jako (nebo dokonce více než) drahé honosné styly.

Televizní animace ve čtyřicátých letech minulého století

Pro televizní vysílání se velmi osvědčil zadní katalog animovaných karikatur mnoha studií, původně vytvořený pro krátký divadelní běh. Filmy pro malou smaženku (1947), které v úterý večer na newyorském kanálu WABD-TV uvedl „velký bratr“ Bob Emery , byl jedním z prvních televizních seriálů pro děti a představoval mnoho klasických karikatur Van Beuren Studios. Pokračovalo to na televizní síti DuMont jako denní show Small Fry Club (1948–1951) s živým publikem ve studiu.

Mnoho klasických seriálů Walter Lantz , Warner Bros. , Terrytoons , MGM a Disney podobně našlo nový život v televizních pořadech pro děti, s mnoha reprízami, po celá desetiletí. Namísto nastavení studia a živé akční prezentace by některé pořady obsahovaly novou animaci, která by představovala nebo spojovala starší karikatury.

Nejdříve americký animovaný seriál speciálně vyrobený pro televizi vznikl v roce 1949, s Adventures of Pow Wow (43 pětiminutových epizod vysílaných v neděli ráno od ledna do listopadu) a Jimem a Judy v Telelandu (52 epizod, později také prodáno Venuzuele a Japonsko).

50. léta: Přechod od klasických divadelních karikatur k omezené animaci v televizních seriálech pro děti

Většina divadelních karikatur byla vytvořena pro nespecifické publikum. Dynamická akce a roubíky s mluvícími zvířaty v jasných kresebných stylech a jasných barvách přirozeně přitahovaly malé děti, ale karikatury pravidelně obsahovaly násilí a sexuální narážky a často byly promítány společně se zpravodajskými kotouči a hranými filmy, které nebyly pro děti. V americké televizi se karikatury programovaly hlavně pro děti ve vhodných časových intervalech o víkendu ráno, odpoledne ve všední den nebo podvečer.

Omezení plánování amerického televizního animačního procesu z 50. let 20. století, zejména problémy se správou zdrojů (v porovnání s divadelní animací bylo nutné provést menší množství za kratší čas ve srovnání s divadelní animací), vedly k vývoji různých technik, dnes známých jako omezená animace . Řídší typ animace, který byl původně uměleckou volbou stylu pro UPA, byl přijat jako prostředek ke zkrácení výrobního času a nákladů. Full-frame animace („on ones“) se ve Spojených státech stala vzácnou mimo její použití pro stále méně divadelní produkce. Chuck Jones vytvořil termín „ilustrované rádio“, aby odkazoval na nekvalitní styl většiny televizních karikatur, který závisel více na jejich zvukových stopách než na vizuálech. Někteří producenti také zjistili, že omezená animace vypadala lépe na tehdejších malých (černobílých) televizních obrazovkách.

Animovaný televizní seriál z 50. let minulého století

Jay Ward produkoval populární Crusader Rabbit (testováno v roce 1948, původní vysílání v letech 1949–1952 a 1957–1959) s úspěšným využitím stylu omezené animace.

Na konci padesátých let začalo soutěžit několik studií věnovaných produkci televizní animace. Zatímco konkurence v divadelní animaci byla zaměřena na kvalitu a inovace, nyní se přesunula na poskytování animace rychle a levně. Kritici poznamenali, že kvalita mnoha pořadů byla často špatná ve srovnání s klasickými karikaturami, s unáhlenými animacemi a příběhy za běhu. Vedoucí sítě byli spokojeni, pokud byl dostatek diváků, a obrovské množství mladých diváků se neobtěžovalo nedostatkem kvality, který kritici vnímali. Sledování kresleného programování v sobotu ráno, které trvalo až čtyři hodiny, se od poloviny 60. let 20. století stalo oblíbenou zábavou většiny amerických dětí a bylo oporou po celá desetiletí.

Disney vstoupil do televizní produkce relativně brzy, ale po celá desetiletí se zdržel vytváření nově animovaných seriálů. Místo toho měl Disney od roku 1954 ve vzduchu vlastní sérii antologií v tříhodinových automatech v hlavním vysílacím čase, počínaje sérií Disneyland od Walta Disneyho (1954–1958), což jasně propagovalo zábavní park Disneyland, který byl otevřen v roce 1955. Walt Disney osobně hostil sérii že na rozdíl od starších karikatur obsahovaly segmenty, například pohledy do zákulisí filmových procesů nebo nových hraných dobrodružství.

William Hanna a Joseph Barbera (tvůrci Toma a Jerryho) pokračovali jako Hanna-Barbera poté, co Metro-Goldwyn-Mayer zavřelo své animační studio v roce 1957, kdy MGM považoval jejich zadní katalog za dostatečný pro další prodej. Zatímco Hanna-Barbera natočila pouze jednu divadelně vydanou sérii s Loopy de Loop (1959–1965), po několik desetiletí se ukázali být nejplodnějšími a nejúspěšnějšími producenty animovaných televizních seriálů. Počínaje The Ruff and Reddy Show (1957–1960), pokračovali úspěšnými seriály jako The Huckleberry Hound Show (1958, první půlhodinový televizní program s pouze animací) a The Quick Draw McGraw Show (1959–1961).

Jiné pozoruhodné programy zahrnují UPA ‚s Geraldem McBoing Boing (1956-1957), Soundac je plukovník pípnutí (1957-1960, první animovaný televizní seriál v barvě), Terrytoons ‘ s Tom úžasný (1958) a Jay Ward Dobrodružství Rockyho a Bullwinkle a přátelé (1959–1964).

Na rozdíl od mezinárodního filmového trhu (vyvinutého v době ticha, kdy se jazykové problémy omezovaly na titulní karty), se průkopnictví v televizi ve většině zemí (často spojené s rozhlasovým vysíláním) zaměřilo na domácí produkci živých programů. Spíše než importovat animované seriály, které by obvykle musely být dabovány, by programování dětí mohlo být jednodušeji a levněji produkováno jinými způsoby (například s loutkovým hraním). Jednou z pozoruhodných metod byla „animace“ vystřihovánek v reálném čase ve filmu Kapitán Pugwash (1957) na BBC . Jeden z mála brzy animovaného seriálu pro televizi, který byl viděn v zahraničí byl Belvision Studios " Les Aventures de Tintin, d'après Hergé (Hergé Tintin) (Belgie 1957-1964, režie Ray Goossens ), vysílání BBC v roce 1962 a syndikovaný ve Spojených státech od roku 1963 do roku 1971.

Divadelní krátké karikatury v 50. letech 20. století

Warner Bros. představil nové postavy Sylvester Jr. (1950), Speedy Gonzales (1953), Ralph Wolf a Sam Sheepdog (1953) a Tasmánský ďábel (1954).

Divadelní celovečerní animace v 50. letech 20. století

Disney

Po sérii balíčkových funkcí a komba s živými akcemi/animacemi se Disney v roce 1950 vrátil k plně animovaným celovečerním filmům s Popelkou (první od Bambiho ). Její úspěch prakticky zachránil společnost před bankrotem. To bylo následováno Alenka v říši divů (1951), který propadl u pokladny a byl kriticky snímán. Peter Pan (1953) a Lady and the Tramp (1955) byly hity. Ambiciózní, hodně opožděná a dražší Šípková Růženka (1959) přišla o peníze u pokladny a způsobila pochybnosti o budoucnosti animačního oddělení Walta Disneyho. Stejně jako „Alice in Wonderland“ a většina Disneyho propadáků by později byl komerčně úspěšný díky re-vydání a nakonec by byl považován za skutečnou klasiku.

Mimo USA

• Jeannot l'intrépide (Johnny the Giant Killer) (Francie, funkce z roku 1950)
• Le Roi et l'Oiseau (The King and the Mockingbird) (Francie, 1952 nedokončené vydání funkce, 1980 hotové vydání, vliv na Hayao Miyazaki a Isao Takahata )
• Animal Farm (UK/USA, 1954 feature)
• Why 为什么 是 黑 的 (Why is the Crow Black-Coated) (Čína, 1956 krátký film, Benátský filmový festival )
• Снежная королева (Sněhová královna) (Sovětský svaz, rys 1957)
• Krtek (Mole) (Československo, série krátkých filmů 1956)
• 白蛇 伝 (Panda and the Magic Serpent) (Japonsko, funkce z roku 1958)
• Magic 猿 飛 佐 助 (Magic Boy) (Japonsko, funkce z roku 1959, první anime vydané v USA v roce 1961)

60. léta 20. století

Americké animované televizní seriály a speciály v šedesátých letech minulého století

Společnost Total Television byla založena v roce 1959 za účelem propagace produktů General Mills s originálními kreslenými postavičkami v reklamách na Cocoa Puffs (1960–1969) a televizním seriálu King Leonardo a jeho krátké předměty sponzorovaném společností General Mills (1960–1963, přebalené pořady do roku 1969), Tennessee. Tuxedo a jeho příběhy (1963–1966, přebalené pořady do roku 1972), The Underdog Show (1964–1967, přebalené pořady do roku 1973) a The Beagles (1966–1967). Animace pro všechny série byla vytvořena v Gamma Studios v Mexiku. Total Television přestala vyrábět po roce 1969, kdy je General Mills už nechtěl sponzorovat.

Mnoho z amerických animovaných televizních seriálů od 60. do 80. let bylo založeno na postavách a formátech, které se již ukázaly jako populární v jiných médiích. UPA produkoval The Dick Tracy Show (1961-1962), založený na komiksech. Filmation , aktivní od roku 1962 do roku 1989, vytvořilo několik původních postav, ale mnoho adaptací DC Comics , hraných televizních seriálů (včetně Lassieho záchranných strážců (1973–1975) a Star Trek: Oživená série ), některé hrané funkce ( včetně Journey to the Center of the Earth (1967–1969), and much more ). Grantray-Lawrence Animation byl první studio přizpůsobit Marvel Comics superhrdiny v roce 1966. Pop skupinách dostal animované verzi v The Beatles (1965-1966) a Rankin / Bass ‚s The Jackson 5ive (1971-1972) a The Osmonds (1972). Hanna-Barbera proměnila komiky v kreslené postavičky s Laurelem a Hardym (1966–1967) a The Abbott and Costello Cartoon Show (1967–1968). Format Films ' The Alvin Show (1961-1962) byl spin-off z roku 1958 novinkou písně a následné komiksy s přepracovanými verzemi Alvin a Chipmunks . Další série obsahovaly neoprávněné položky. Například film Hanna-Barbera The Flintstones (1960–1966) byl zjevně inspirován sitcomem Novomanželé a tvůrce Jackie Gleason zvažoval, že Hannu-Barberu zažaluje, ale nechtěl být znám jako „chlapík, který vytrhl Freda Flintstonea ze vzduchu“ .

Flintstones byl první animovaný seriál v hlavním vysílacím čase a stal se nesmírně populárním. Zůstal nejdéle fungujícím síťovým animovaným televizním seriálem, dokud nebyl tento rekord překonán o tři desetiletí později. Hanna-Barbera zaznamenala více hitů s The Yogi Bear Show (1960–1962), The Jetsons (1962–1963, 1985, 1987) a Scooby-Doo, Where Are You! (1969–1970, později následovaná další sérií Scooby-Doo).

Zhruba od roku 1968, po atentátu na Martina Luthera Kinga Jr. , poté na Robert F. Kennedyho a další násilné činy učinily veřejnost méně příjemnou s násilím v oblasti zábavy, si sítě najaly cenzory, aby zakázaly cokoli, co bylo považováno za příliš násilné nebo sugestivní z programování dětí .

Kromě pravidelného seriálu, tam bylo několik pozoruhodné animovaný televizní (dovolená) speciály, počínaje Upa pana Magoo koleda (1962), následoval o pár let později dalších klasických příkladů, jako je například řetězec Billa Melendez " Arašídy speciály (1965- 2011, podle komiksu Charlese M. Schulze ) a Chucka Jonese Jak Grinch ukradl Vánoce! (1966, podle příběhu Dr. Seusse ).

Cambria Productions

Cambria Productions pouze příležitostně používala tradiční animaci a často se uchýlila k pohybům kamery, pohybům mezi popředím a pozadím v reálném čase a integraci živých záběrů. Tvůrce Clark Haas vysvětlil: "Neděláme animované karikatury. Fotografujeme 'motorizované hnutí' a - největší trik ze všech - kombinujeme to s živou akcí .... Záběry, které Disney dělá za 250 000 dolarů, my za 18 000 dolarů." Jejich nejslavnějším trikem byla technika Syncro-Vox překrytí mluvících rtů na tváře kreslených postaviček namísto oživujících úst synchronizovaných do dialogu. Tento optický tiskový systém byl patentován v roce 1952 partnerem Cambria a kameramanem Edwinem Gillette a byl poprvé použit pro populární reklamy „mluvících zvířat“. Metoda by později byla široce používána pro komediální efekt, ale Cambria ji použila přímo ve svých sériích Clutch Cargo (1959–1960), Space Angel (1962) a Captain Fathom (1965). Díky nápaditým příběhům byla Clutch Cargo hitem překvapení. Jejich poslední série The New 3 Stooges (1965–1966) již nepoužívá Syncro-Vox. Obsahoval 40 nových živě-akčních segmentů s původními třemi loutkami, které byly rozšířeny a opakovány v 156 epizodách společně s novou animací (občas způsobující, že lidé při opakování živých akčních záběrů vypnou televizi, přesvědčeni, že epizodu již viděli ).

Americká divadelní animace v šedesátých letech minulého století

U Sto a jednoho dalmatina (1961) byly výrobní náklady omezeny, k čemuž přispěl proces xerografie, který eliminoval proces barvení. Ačkoli relativně povrchní vzhled nebyl Walt Disney osobně oceněn, neobtěžoval kritiky ani publikum a film byl dalším hitem pro studio. Meč v kameni (1963) byl dalším finančním úspěchem, ale během let se stal jednou z nejméně známých funkcí Disney. To bylo následováno živě-akční/animovaný hit Mary Poppins (1964), který získal 13 nominací na Oscara, včetně nejlepšího filmu. Největší animovanou funkcí společnosti Disney v 60. letech byla Kniha džunglí ( The Jungle Book, 1967), která byla kritickým i komerčním úspěchem. Toto byl také poslední film, na který dohlížel Walt Disney před jeho smrtí v roce 1966. Bez Waltovy představivosti a kreativního úsilí nebyly animační týmy schopny v 70. a 80. letech produkovat mnoho úspěšných filmů. To bylo až do vydání Malé mořské víly (1989), o 22 let později.

UPA produkoval jejich první celovečerní film 1001 Arabian Nights (1959) (v hlavní roli pan Magoo jako Alladinův strýc) pro Columbia Pictures, s malým úspěchem. Zkoušeli to znovu s Gay Purr-ee v roce 1962, vydané Warner Bros .. To bylo dobře přijato kritiky, ale neuspělo u pokladny a bude to poslední funkce, kterou kdy studio vyrobilo.

Pokles divadelní krátké karikatury

Rozsudek Nejvyššího soudu ve věci Hollywood Anti-Trust Case z roku 1948 zakázal „blokové rezervace“, v nichž byly hrané filmy exkluzivně nabízeny majitelům divadel v balíčcích spolu s týdeníky a karikaturami nebo krátkými hranými filmy. Krátké karikatury místo toho, aby dostaly rozumné procento balíčku, musely být prodávány samostatně za ceny, které za ně byli ochotni zaplatit majitelé divadel. Krátké karikatury byly poměrně drahé a nyní je bylo možné z programu vypustit, aniž by lidé ztratili zájem o hlavní rys, což se stalo rozumným způsobem, jak snížit náklady, když se zdálo, že stále více potenciálních diváků zůstává doma a sleduje filmy na svých televizorech. . Většina karikatur musela být znovu vydána několikrát, aby se vrátil investovaný rozpočet. Na konci šedesátých let přestala většina studií vyrábět divadelní karikatury. Dokonce i Warner Bros. a Disney, až na občasné výjimky, přestali dělat krátké divadelní karikatury po roce 1969. Walter Lantz byl posledním z klasických producentů kreslených filmů, který to vzdal, když v roce 1973 zavřel své studio.

DePatie – Freleng

DePatie – Freleng Enterprises , založené Frizem Frelengem a Davidem H. DePatie v roce 1963 poté, co Warner Bros. zavřelo své oddělení animace, bylo jediným studiem, které po 50. letech 20. století našlo nový úspěch s krátkými divadelními kreslenými seriály. V roce 1963 vytvořili Pink Panther za úvodní a závěrečné titulky živě hrané filmové série The Pink Panther s Peterem Sellersem . Jeho úspěch vedl k sérii krátkých filmů (1964–1980) a televizních seriálů (1969–1980). Po Růžovém panterovi následoval spin-off Inspektor (1965–1969), Mravenec a Aardvark (1969–1971) a hrstka dalších divadelních sérií. Dogfather (1974–1976) byl poslední novou sérií, ale karikatury Pink Panther se objevovaly v divadlech až do roku 1980, krátce před zánikem studia v roce 1981. Od roku 1966 do roku 1981 DePatie – Freleng produkoval také mnoho televizních seriálů a speciálů.

Vzestup anime

Japonsko bylo pozoruhodně plodné a úspěšné díky svému vlastnímu stylu animace, který se v angličtině stal známým zpočátku jako Japanimation a nakonec jako anime . Obecně platí, že anime bylo vyvinuto technikou omezené animace, která ve srovnání s americkou animací klade větší důraz na estetickou kvalitu než na pohyb. Rovněž uplatňuje relativně „filmový“ přístup se zoomováním, posouváním, komplexními dynamickými záběry a velkou pozorností u pozadí, která jsou nástrojem k vytváření atmosféry.

Anime byl poprvé v tuzemsku vysílán v televizi v roce 1960. Export divadelních anime funkcí začal přibližně ve stejnou dobu. Během několika let bylo vyrobeno několik anime televizních seriálů, které by také obdržely různé úrovně airplay ve Spojených státech a dalších zemích, počínaje velmi vlivným鉄 腕 ア ト ム (Astro Boy) (1963), následovanýmジ ャ ン グ ル Kim (Kimba White Lion) (1965–1966),エ イ ト マ ン (8. muž) (1965),魔法 使 い サ リ ー (čarodějnice Sally) (1966–1967) aマ ッ ハ GoGoGo (Mach GoGoGo aka Speed ​​Racer) (1967).

V tuzemsku populárníサ ザ エ さ ん / Sazae-san začal v roce 1969 a je pravděpodobně nejdelší animovanou televizní show na světě s více než 7 700 epizodami.

Raná animace zaměřená na dospělé a kontrakultura

Před koncem šedesátých let nebyla vytvořena téměř žádná animace zaměřená na dospělé . Významnou výjimkou byl pornografický krátký film Eveready Harton in Buried Treasure (1928), který pravděpodobně vyrobili slavní animátoři pro soukromou párty na počest Winsora McCaye a který nebyl veřejně promítán až do konce 70. let minulého století. Po roce 1934 poskytl Haysův kód filmařům ve Spojených státech malou volnost při uvolňování rizikového materiálu, dokud nebyl kód nahrazen systémem hodnocení filmů podle Motion Picture Association of America v roce 1968. Zatímco televizní program animace přiměl většinu lidí uvažovat o něm jako o médium pro děti nebo pro rodinnou zábavu, nové divadelní animace dokázaly opak.

Filozofické, psychologické a sociologické podtóny televizních speciálů Peanuts byly pravděpodobně orientovány na dospělé, zatímco speciály byly také příjemné pro děti. V roce 1969 režisér Bill Mendelez rozšířil úspěch série do kin s A Boy Named Charlie Brown . Divadelní pokračování Snoopy Vrať se domů (1972) byl kasovní propadák, a to navzdory kladným recenzím. Race for Your Life, Charlie Brown (1977) a Bon Voyage, Charlie Brown (and Don't Come Back !!) (1980) byli jedinými dalšími divadelními tradičně animovanými celovečerními filmy pro Peanuts , zatímco televizní speciály pokračovaly až do roku 2011.

Boom protikulturního boje proti establishmentu na konci šedesátých let zasáhl Hollywood brzy. V animaci byly protiválečné nálady jasně přítomny v několika krátkých podzemních filmech, jako je Ward Kimball 's Escalation (1968) (vyrobený nezávisle na zaměstnání v Disney) a parodie Mickey Mouse ve Vietnamu (1969). Méně politická parodie Bambi meets Godzilla (1969) od Marva Newlanda, dalšího podzemního krátkého filmu pro dospělé, je považována za velkou klasiku a byla zařazena do 50 největších karikatur (1994) (na základě hlasování 1 000 lidí pracujících v animačním průmyslu ).

Popularita psychedelie údajně dělala 1969 re-vydání Disney Fantasia populární mezi teenagery a vysokoškoláky, a film začal vytvářet zisk. Podobně se Disneyho Alenka v říši divů stala oblíbenou u televizních projekcí v tomto období a s jeho opětovným uvedením do kin v roce 1974.

Také ovlivněn psychedelickou revolucí, The Beatles 'animovaný hudební celovečerní Yellow Submarine (1968) ukázal širokému publiku, jak by se animace mohla zcela lišit od známých televizních karikatur a funkcí Disney. Jeho osobitý design pochází od uměleckého ředitele Heinze Edelmana . Film získal široké uznání a dokázal by být vlivný. Peter Max dále propagoval podobný vizuální styl ve svých dílech.

Non-USA animace v roce 1960

• The ん ぱ く 王子 の 大蛇 退 The (The Little Prince and the Eight-Headed Dragon) (Japan, 1963 feature)
• 大 鬧天宮 (Havoc in Heaven) (Čína, funkce z roku 1963)
• G リ バ ー の 宇宙 旅行 (Gulliver's Travels Beyond the Moon) (Japonsko, funkce 1965)
• Calimero (Itálie/Japonsko 1963–1972, televizní seriál)
• Belvision ‚s Pinocchio v kosmickém prostoru (Belgie / USA 1965, celovečerní režie Ray Goossens )
• West and Soda (Itálie 1965, první celovečerní film od Bruna Bozzetta )

70. léta 20. století

Průlom dospělé a kontrakulturní celovečerní animace

Ralph Bakshi si myslel, že myšlenka „dospělých mužů sedících ve skříních kreslících motýly vznášející se nad poli květin, zatímco americká letadla shazují bomby ve Vietnamu a děti pochodují po ulicích, je směšná“. Proto vytvořil více sociálně-politickou typ animace, počínaje Fritz the Cat (1972), založený na Robert Crumb komiksů ‚s a první animované funkce obdrží X-rating . K propagaci filmu bylo použito hodnocení X a stalo se nejvýdělečnějším nezávislým animovaným filmem všech dob. Úspěch Heavy Traffic (1973) učinil Bakshiho prvním od Disneyho, který měl za sebou dva finančně úspěšné animované hrané filmy. Film využíval uměleckou kombinaci technik se statickým fotografováním jako pozadím v částech, živou akční scénu modelů s malovanými tvářemi vykreslenou v negativní kinematografii, scénu vykreslenou ve velmi omezené útržkovité animaci, která byla jen částečně barevná, detailní kresba, archivní záběry a většina postav animovaných v konzistentním kresleném stylu, to vše kromě posledních deseti minut, které byly plně natočeny jako standardní hraný film. Ve většině svých dalších projektů pokračoval v experimentování s různými technikami. Jeho další projekty Hey Good Lookin ' (dokončeno v roce 1975, ale odloženo Warner Bros. až do vydání v upravené verzi v roce 1982) a Coonskin (1975, trpělo protesty proti jeho vnímanému rasismu, zatímco ve skutečnosti ho satirizovalo) byly mnohem méně úspěšné, ale později získal větší uznání a stal se kultovním filmem.

Bakshi našel nový úspěch s fantasy filmy Čarodějové (1977) a Pán prstenů (1978). Oba používali rotoscoping pro masivní bitevní scény. Pro Wizards byla tato technika použita na archivních záběrech jako řešení rozpočtových problémů a vykreslena v psychedelickém a uměleckém stylu. Pro Pána prstenů se stal prostředkem k vytvoření vzhledu, který Bakshi popsal jako „skutečnou ilustraci na rozdíl od karikatur“ pro film, který chtěl být věrný Tolkienově dílu, s referenčním materiálem natočeným s kostýmovanými herci ve Španělsku. Rodinněji zaměřený televizní film Návrat krále (1979) od Rankina/Bassa a Topcrafta je někdy považován za neoficiální pokračování poté, co Bakshiho zamýšlený druhý díl nebyl natočen, ale už nezávisle zahájili adaptaci příběhu v televizi. s Hobitem v roce 1977.

Nápaditá francouzsko/česká sci-fi inscenace La Planète sauvage (1973) byla oceněna zvláštní cenou poroty Grand Prix na filmovém festivalu v Cannes 1973 a v roce 2016 byla zařazena na 36. největší animovaný film všech dob od Rolling Stone .

Britská produkce Watership Down (film) (1978) měla obrovský mezinárodní úspěch. Představoval zvířecí postavy, které na akvarelovém pozadí vypadaly realističtěji než antropomorfně. Navzdory svým temným a násilným aspektům byl považován za vhodný pro všechny věkové kategorie ve Velké Británii a hodnocen jako PG ve Spojených státech.

Anime v Evropě

Import anime nabízel relativně levné animované seriály, ale někteří evropští provozovatelé vysílání považovali animaci za něco pro malé děti a podle toho až příliš snadno naprogramovanou anime sérii. To vedlo k velké kritice, když byly některé programy považovány za příliš násilné pro děti. Adaptace evropských příběhů přátelská k dětem zajistila v Evropě mnohem větší úspěch, s populárními tituly jakoア ル プ ス の 少女 ハ イ ジ (Heidi, Dívka z Alp) (1974) aみ つ ば ち マ ー ヤ の 冒 険 (Včelka medonosná) (1975).

V Evropě působilo jen několik animačních studií a zahájení nového studia vyžadovalo mnoho času, úsilí a peněz. Pro evropské producenty, kteří se zajímají o animované seriály, dávalo smysl spolupracovat s japonskými studiemi, která by mohla poskytovat cenově dostupné animace v relativně vysoké kvalitě. Výsledné produkce zahrnují Barbapapa (Nizozemsko/Japonsko/Francie 1973–1977), Wickie und die starken Männer/小 さ な バ イ キ ン グ ビ ッ ケ (Vicky the Viking) (Rakousko/Německo/Japonsko 1974), Il était une fois ... (Once Upon a Time ...) (Francie/Japonsko 1978) a Doctor Snuggles (Nizozemsko/Západní Německo/Japonsko/USA 1979).

Umělecké krátké animace

Krátké animované filmy se většinou staly médiem filmových festivalů, ve kterých nezávislí animátoři předváděli svůj talent. Vzhledem k tomu, že velká studia jsou mimo obor, byla cena Akademie za nejlepší krátký animovaný film a nominace v 70. a 80. letech minulého století obvykle pro relativně neznámé umělce.

La Linea (Itálie 1971, 1978, 1986) je populární animovaná série s hlavní postavou, která se skládá z části jinak rovné bílé čáry, která běží vodorovně po obrazovce.

Sovětský/ruský animátor Jurij Norstein „je mnohými považován nejen za nejlepšího animátora své doby, ale za nejlepšího všech dob“. V 70. letech vydal několik oceněných krátkých filmů:

• Bitva u Kerzhenets ( Сеча при Керженце , 1971), ve spolupráci s Ivanem Ivanovem-Vano
• Liška a zajíc ( Лиса и заяц , 1973).
• Volavka a jeřáb ( Цапля и журавль , 1974).
• Ježek v mlze ( Ёжик в тумане , 1975).
• Tale of Tales ( Сказка сказок , 1979).

Od roku 1981 pracuje na The Overcoat ( Шинель ) a účastnil se Winter Days (冬 の 日, 2003) .

Raná animovaná hudební videa

Ačkoli kombinace hudby a animace měla dlouhou tradici, trvalo nějaký čas, než se animace stala součástí hudebních videí poté, co se médium v ​​polovině 70. let stalo správným žánrem.

Halas a Batchelor vytvořili animované video pro Rogera Glovera Love Is All (1974), které bylo po desetiletí vysíláno mezinárodně, často jako intersticiální program .

Videoklip Pink Floyd z roku 1977 Welcome to the Machine , animovaný Geraldem Scarfe, byl původně používán pouze jako pozadí pro koncertní vystoupení.

Elvis Costello ‚s Nehody se stávají (1979) byl vyroben Annabelle Janckel a Rocky Morton, známý pro své animované reklamy. I přes zpočátku vlažné přijetí si video od té doby získalo uznání.

Roger Mainwood a John Halas vytvořil animovaný videoklip k Kraftwerk ‚s dálnici v roce 1979. Tento krátký dokument beze slov Making se pohybovat ... ukázaly výrobní proces.

Karikatura pro Linda McCartney ‚s more Žena byla vyrobena Oscar Grillo a vyhrál Zlatou palmu za nejlepší krátký film na festivalu v Cannes v roce 1980.

80. léta 20. století

Nízký bod americké animace (počátek 80. let)

Animace pro americké televizní pořady se rozrostla do stereotypu, často na základě postav známých z jiných médií, přičemž velká část skutečné (omezené) animační práce byla zadávána levným asijským dělníkům. Několik populárních animovaných televizních seriálů pro děti bylo možné vnímat jako málo více než reklamy, protože byly založeny na hračkách, včetně Mattell 's He-Man a Masters of the Universe (1983–1985) a Hasbro 's GI Joe (1983 –1986), Transformátory (1984–1987) a My Little Pony (1986–1987).

Většinou zpětně byly celovečerní filmy Disney v prvních desetiletích po smrti Walta Disneye v roce 1966 vnímány jako procházející temným věkem (navzdory stabilnější sérii úspěchů v pokladnách než během desetiletí, kdy Walt žil). Neúspěch filmu The Black Cauldron (1985) z ambiciózního rozpočtu byl zjevně novým minimem.

Nejvýznamnější animace mimo USA

Ve srovnání s americkou produkcí animací na začátku 80. let se anime a mezinárodní koprodukce zdály nápaditější a slibnější.

Jedním z největších televizních hitů za poslední roky byl film Šmoulové (1981–1989), který produkoval SEPP International Belgičana Freddyho Monnickendama ve spolupráci s Hanna-Barbera. Úspěšně spolupracovali také na Snorks (1984–1989) a Foofur (1986–1988). Produkci pro Bibifoc (Seabert) společnosti Bzz Films (1984–1988) zajišťovala také společnost SEPP.

Mezi další významné mezinárodní koprodukce patří Inspector Gadget (Francie/USA 1983) a The Wonderful Wizard of Oz (Kanada/Japonsko 1986–1987).

Nová japonská anime série založená na evropském materiálu zahrnovalaニ ル ス の ふ し ぎ な The (The Wonderful Adventures of Nils) (1980-1981) aス プ ー ン お ば さ ん (Mrs. Pepper Pot) (1983-1984).

Anime, spolu s tištěnou mangou , si v Japonsku vybudovalo obrovské fandomství a stalo se velkou součástí mainstreamové kultury země. Mezi anime mnoha žánrů, mecha (obří robot sci-fi) se stal obzvláště kultovní. Relativně nový trh s domácím videem se velmi rozrostl a původní video animace (OVA) se stala velmi ceněným médiem, často s kvalitnější produkcí, než je produkce pro televizi (na rozdíl od USA, kde přímý přenos videa byl hlavně médium pro vydání, u nichž se neočekávalo, že budou dostatečně populární, aby si zasloužily uvedení v kinech nebo v televizním vysílání, a proto byly často produkovány s mnohem nižším rozpočtem). Médium OVA přirozeně vyhovovalo konzumaci erotických a pornografických animací. Prvním vydáním erotických vajíček byla sérieロ リ ー タ ア ニ メ (Lolita Anime) od února 1984 do května 1985, brzy následovaná sérií Cream Lemon (srpen 1984 - 2005). Žánr se stal mezinárodně známým jako hentai a je nechvalně proslulý tím, že často obsahuje zvrácené předměty, včetně nezletilého sexu, sexu s monstry a chapadlového sexu (původně navržen jako prostředek k obejití japonských cenzurních předpisů).

Epické divadelní prvky Hayao Miyazakiho Nausicaä z Údolí větru (1984) podle jeho vlastní mangy a天空 の 城 ラ ピ ュ タ (Castle in the Sky) (1986) jsou pravidelně oceňovány jako jedny z největších animovaných filmů ze všech čas . Castle in the Sky byla první funkce pro Studio Ghibli , založené v roce 1985 Miyazaki s Isao Takahata a dalšími. Studio Ghibli pokračovalo v úspěchu filmem Takahaty z 2. světové války火 垂 る の 墓 (Hrob světlušek) (1988) a Miyazakiho ikonickýmiと な り の ト ト ロ (Můj soused Totoro) (1988) a魔女 の 宅急便 (Kiki's Delivery Service) (1989).

Renesance americké animace

Don Bluth , který opustil Disney v roce 1979 společně s dalšími devíti animátory, začal v roce 1982 v kinech soutěžit se svým bývalým zaměstnavatelem o The Secret of NIMH . Film sklidil ohlas u kritiků, ale u pokladny sklidil jen mírný úspěch. Ve spolupráci s Steven Spielberg je Amblin Entertainment , Američan Tail (1986) se stal komerčně nejúspěšnějším non-Disney animovaný film v té době. Země před časem (1988) byla stejně úspěšná, ale dalších pět celovečerních filmů Blutha propadlo.

Mighty Mouse: The New Adventures (1987–1989) byl jedním z prvních animovaných televizních pořadů, které zachytily dřívější kvalitu a originalitu amerických karikatur. To bylo produkováno Ralph Bakshi a první sezóna byla pod dohledem Johna Kricfalusi, s velkou svobodou pro umělce pracovat ve svém vlastním stylu. Spíše než k nostalgickému přepracování původní série Terrytoons se snažila obnovit kvalitu a bláznivý humorklasik Looney Tunes .

V kinech se také živě-akční/animovaný hit Roberta Zemeckise Who Framed Roger Rabbit (1988) vrátil ke kvalitní a bláznivé komedii zlatého věku karikatur s portréty mnoha superhvězd té doby, včetně Mickeyho, Minnie , Donald, Goofy, Betty Boop, Droopy, Woody Woodpecker a Bunny Bugs Bunny, Daffy Duck, Porky Pig, Tweety a Sylvester. Film získal několik Oscarů a pomohl oživit zájem o celovečerní divadelní animaci a klasické karikatury. Plně animovaný krátký film Roger Rabbit Tummy Trouble (1989) byl poté zabalen s živě hranou rodinnou komedií Zlato, zmenšil jsem děti a věřil, že pomohl rychlému začátku filmu u pokladny.

Matt Groening to Simpsonovi byl zahájen v dubnu 1987 jako krátký úsek in-náčrtek komediální představení The Tracey Ullman Show , a dostal svůj prime-time půlhodinu situační komedie v prosinci 1989. To se stalo jedním z největších hitů v historii kreslených a je nejdelší skriptovaný americký primetime televizní seriál .

Zatímco úspěchy filmů The Great Mouse Detective (1986) a Oliver and Company (1988) již pomohly dostat studio Disney zpět do starých kolejí, dosáhly zlata díky rekordnímu hitu The Little Mermaid (1989). Záběr na duhovou sekvenci na konci Malé mořské víly byl prvním dílem celovečerní animace, který byl vytvořen pomocí systému CAPS ( Computer Animation Production System ), který Disney a Pixar společně sestavily. Tento digitální inkoustový a natěračský systém nahradil drahou metodu ručního barvení a barvení celků a poskytl filmařům nové kreativní nástroje.

V roce 1990 byl boom animovaných hitů ohlašován jako comeback, který by mohl soupeřit se zlatým věkem karikatur.

Divadelní animace zaměřená na dospělé v 80. letech 20. století

Bakshiho rockový muzikál Americký pop (1981) byl dalším úspěchem, vyrobeným převážně technikou rotoskopu v kombinaci s některými vodovými barvami, počítačovou grafikou, živými akčními záběry a archivními záběry. Jeho další film Fire and Ice (1983) byl spolupráce s umělcem Frankem Frazettou . Byl to jeden z mnoha filmů žánru meče a čarodějnictví vydaných po úspěchu filmů Barbar Conan (1982) a The Beastmaster (1982). Kritici ocenili vizuální a akční sekvence, ale ne jeho scénář, a film propadl u pokladny. Poté, co nedokázal dostat několik projektů ze země, Bakshi odešel na několik let do důchodu.

Kanadský hit antologie Heavy Metal (1981) byl založen na komiksech publikovaných v populárním časopise Heavy Metal a v koprodukci jeho zakladatelem. Smíšené recenze si myslely, že film je nerovnoměrný, mladistvý a sexistický. To bylo nakonec následováno v roce 2000 špatně přijatým heavy metalem 2000 a znovu představeno jako Netflix série Láska, smrt a roboti v roce 2019.

Temný rockový operní film Pink Floyd-The Wall (1982) obsahoval 15 minut animovaných segmentů britského karikaturisty Geralda Scarfeho , který již navrhl související umělecká díla pro album z roku 1979 a koncertní turné 1980-81 . Některé z animovaných materiálů filmu byly dříve použity pro hudební video z roku 1979 pro „ Another Brick in the Wall: Part 2 “ a pro turné. Scarfe také vytvořil animace pro turné Pink Floyd 1977 In the Flesh .

Úspěšný britský film o jaderné katastrofě Když vítr fouká (1986) ukázal ručně kreslené postavy na skutečném pozadí se stop-motion objekty, které se pohybovaly.

Násilné postapokalyptické kyberpunkové anime Akira (1988) si získalo větší popularitu anime mimo Japonsko a nyní je široce považováno za klasiku.

MTV a animovaná videa

MTV byla zahájena v roce 1981 a dále propagovala hudební a video médium, které umožňovalo relativně hodně uměleckého vyjádření a tvůrčích technik, protože všichni zúčastnění chtěli, aby jejich video vyniklo. Mnoho z nejslavnějších hudebních videí 80. let představovalo animaci, často vytvořenou technikami, které se lišily od standardní cel animace. Například kultovní video ke hře Peter Gabriel's Sledgehammer (1986) obsahovalo claymation , pixilation a stop motion od Aardman Animations a Brothers Quay .

A-ha 's „ Take On Me “ (1985) skvěle kombinuje živou akci s realistickou animací kresby tužkou od Michaela Pattersona . Video režíroval Steve Barron , který by ve stejném roce režíroval také průkopnické počítačově animované Dire Straits „ Peníze za nic “. A-ha video bylo inspirováno absolventským filmem Alexa Pattersona CalArts Commuter (1984), který upoutal pozornost manažerů Warner Bros. Records a bude částečně znovu použit pro video Train of Thought od A-ha .

Patterson také režíroval film Paula Abdul 's Opposites Attract (1989), představující jeho animovanou tvorbu MC Skat Kat .

„ The Harlem Shuffle “ od The Rolling Stones (1986) obsahoval animované prvky režiséra Ralpha Bakshiho a Johna Kricfalusiho , vytvořené během několika týdnů.

Původní nárazníky přistávající na Měsíci na MTV byly staženy počátkem roku 1986 v důsledku katastrofy Challengeru. MTV poté rozšířila svůj divoký umělecký postmoderní obraz prostřednictvím množství experimentálních identických nárazníků, z nichž většina byla animovaná. Animátoři obvykle byli uncredited, ale mohli pracovat ve svých vlastních identifikovatelných stylech. Například příspěvek kanadského animátora Dannyho Antonucciho anonymně představoval jeho postavu Lupa Řezníka, které bylo dovoleno vyslovit jeho psychotické táraniny.

Zhruba od roku 1987 měla MTV vyhrazené oddělení animací a pomalu začala zavádět více animací mezi programováním hudby. Bill Plympton ‚s Microtoons je časný příklad.

90. léta 20. století

Disney's Beauty and the Beast (1991) (první animovaný film v historii, který byl nominován na Oscara za nejlepší film ), Aladdin (1992) a Lví král (1994) postupně lámaly rekordy v pokladnách. Pocahontas (1995) se otevřel protichůdným recenzím, ale byl finančním úspěchem a získal dvě ceny Akademie . Mulan (1998) a Tarzan (1999) nepřekonali Lvího krále jako nejlépe vydělávající (tradičně) animovaný film všech dob , ale oba byli úspěšní a vydělali více než 300 milionů dolarů na celém světě. Hrbáč Notre Dame (1996) byl v té době finančním úspěchem, ale obsahoval velmi temná a dospělá témata a od té doby se stal jedním z méně známých filmů společnosti Disney. Všechny filmy vydané v tomto období jsou považovány za součást Disney Renaissance nebo Druhého zlatého věku. Pouze pokračování The Rescuers Down Under (1990) a Hercules (1997) nesplnilo očekávání kasovních prodejen. Od roku 1994 pokračovala společnost Disney v produkci celovečerních pokračování úspěšných titulů, ale pouze jako vydání přímého videa.

Úspěch Disney Renaissance přitahoval pozornost mnoha animačních studií a filmových studií. Hlavní filmová studia založila nové divize animací, jako jsou Amblimation , Fox Animation Studios nebo Warner Bros. Feature Animation, aby replikovaly úspěch Disney tím, že promění své animované filmy v muzikály ve stylu Disney.

Vlivná show Johna Kricfalusiho The Ren & Stimpy Show (1991–1995) sklidila velký ohlas. Na chvíli to byl nejpopulárnější kabelový televizní pořad ve Spojených státech. Naprogramován jako dětská karikatura, byl notoricky kontroverzní pro svůj černý humor , sexuální narážky , vtipy pro dospělé a šokovou hodnotu .

Enormní úspěch Simpsonových a The Ren & Stimpy Show podnítil více originální a relativně odvážné série, včetně South Parku (od roku 1997), Krále kopce (1997–2010), Family Guy (od roku 1999) a Futuramy (1999– 2003).

Využití animace na MTV se zvýšilo, když kanál začal dělat stále více pořadů, které se opravdu nehodily k jejich přezdívce „hudební televize“. Liquid Television (1991 až 1995) představila příspěvky, které byly většinou vytvořeny nezávislými animátory speciálně pro show, a vytvořila samostatnou sérii Æon Flux a Beavis a Butt-Head (1993–1997). Mezi další kreslené seriály z 90. let na MTV patřily The Head (1994-1996) a The Maxx (1995), oba pod hlavičkou Oddities MTV . V roce 2001 MTV zavřela své oddělení animací, začala outsourcovat své animované seriály a nakonec importovala pořady z přidružených sítí.

24hodinový kabelový kanál Cartoon Network byl spuštěn ve Spojených státech dne 1. října 1992 a brzy jej následovaly jeho první mezinárodní verze . Původně programování sestávalo z klasických karikatur ze zadních katalogů Warner Bros, MGM, Fleischer/Famous a Hanna-Barbera. Od roku 1996 do roku 2003 běžela nová originální série jako Kreslené karikatury a představila oblíbené tituly Dexterova laboratoř (1996–2003), Johnny Bravo (1997–2004), Kráva a kuře (1997–1999), Já jsem lasice (1997–2000) „ The Powerpuff Girls (1998–2005) a Ed, Edd n Eddy (1999–2009).

Televizní animace pro děti také nadále vzkvétala ve Spojených státech na specializovaných kabelových kanálech jako Nickelodeon , Disney Channel / Disney XD , PBS Kids a v syndikovaných odpoledních časových intervalech.

2000s - 2010s: Ve stínu počítačové animace

Po úspěchu Pixar 's Toy Story (1995) a DreamWorks Animation 's Shrek (2001) se počítačová animace stala dominantní technikou animace v USA a mnoha dalších zemích. I animace, která vypadala tradičně, byla stále častěji plně vytvářena pomocí počítačů. Do roku 2004 již vznikaly pouze malé produkce tradičními technikami.

V prvních desetiletích 21. století se také 3D film stal hlavním proudem v divadlech. Výrobní proces a vizuální styl CGI se skvěle hodí pro 3D prohlížení, mnohem víc než tradiční animační styly a metody. Mnoho tradičně animovaných filmů však může být ve 3D velmi efektivní. Disney úspěšně vydalo 3D verzi The Lion King v roce 2011, následovanou Kráskou a zvířetem v roce 2012. Plánovaná 3D verze Malé mořské víly byla zrušena, když Kráska a zvíře a dva 3D konvertované tituly Pixar nebyly dostatečně úspěšné. pokladna.

Disney-Pixar

Společnost Disney začala vyrábět své vlastní počítačové animované prvky ve stylu 3D s Dinosaurem a Chicken Little , ale pokračovala ve vytváření animovaných prvků s tradičním vzhledem: The Emperor's New Groove (2000), Atlantis: The Lost Empire (2001), Lilo & Stitch (2002 ), Planeta pokladů (2002), Brother Bear (2003) a Home on the Range (2004).

Planeta pokladů a Domov na dosah byly velké propady s velkými rozpočty a vypadalo to, že Disney bude pokračovat pouze ve 3D počítačové animaci. Finanční analýza v roce 2006 ukázala, že společnost Disney skutečně přišla o peníze na své animované produkce z předchozích deseti let. Mezitím si funkce Pixar CGI vedly velmi dobře. V roce 2006 společnost Disney získala Pixar a v rámci dohody dala kreativní kontrolu nad společnostmi Pixar a Walt Disney Animation Studios do rukou Johna Lassetera společnosti Pixar . Studia by zůstala samostatnými právnickými osobami . Pod Lasseterem studio Disney vyvinulo animační projekty v tradičním i 3D stylu.

Divadelní krátký film How to Hook Up Your Home Theatre (2007) testoval, zda lze použít nové bezpapírové animační postupy pro vzhled podobný karikaturám čtyřicátých a padesátých let minulého století, přičemž Goofy se vrátil ke své roli „ Everyman “ při svém prvním sólovém vystoupení ve 42. let.

Funkce Rona Clementsa a Johna Muskera Princezna a žabák (2009) byla mírným komerčním a kritickým úspěchem, ale ne hitem pro tradiční funkce, ve které studio doufalo. Jeho vnímaný neúspěch byl většinou obviňován z použití „princezny“ v názvu, což přimělo potenciální diváky, aby si mysleli, že je to jen pro malé dívky a staromódní.

Medvídek Pú (2011) získal příznivé recenze, ale u pokladny neuspěl a stal se dosud posledním tradičním rysem Disney. Frozen (2013) byl původně koncipován v tradičním stylu, ale přešel na 3D CGI, aby umožnil vytvoření určitých požadovaných vizuálních prvků a stal se v té době největším hitem Disney a překonal Lvího krále i Toy Story 3 jako animovaný film s nejvyššími příjmy film všech dob . Studio získalo první Oscara za nejlepší animovaný film.

Anime

Mimo Severní Ameriku byla ručně kreslená animace stále oblíbenější. Nejvíce pozoruhodně v Japonsku, kde tradičně stylizované anime bylo stále dominantní technikou. Popularita anime na domácím trhu stále stoupala-rekordní 340 anime seriálů bylo vysíláno v televizi v roce 2015 i v zahraničí, s vyhrazeným blokem Toonami na Cartoon Network (1997–2008) a Adult Swim (od roku 2012) a streamování licencovat služby jako Netflix a Amazon Prime a produkovat stále větší množství anime.

Ghibli pokračoval ve svém obrovském úspěchu s Miyazakiho Spirited Away (2001),ハ ウ ル の 動 く 城 (Howl's Moving Castle) (2004),崖 の 上 の ポ ニ ョ (Ponyo) (2008) a風 立 ち ぬ (The Wind Rises) (2013) a Hiromasa Yonebayashi The り ぐ ら し の ア リ エ ッ ッ テ The (The Secret World of Arrietty) (2010), všechny celosvětově vydělají více než 100 milionů dolarů a objevují se v první desítce nejlépe vydělávajících anime filmů všech dob (od roku 2020). Takahatinaか ぐ や 姫 の 物語 (Příběh princezny Kaguya) (2013) byla nominována na Oscara za nejlepší filmovou cenu Akademie animovaných filmů a řadu dalších ocenění.

Makoto Shinkai režíroval君 の 名 は。 (Vaše jméno) (2016, mezinárodně nejvýdělečnější anime film všech dob) a天 気 の 子 (Weathering with You) (2019).

Srovnání se zastavením pohybu

Po průkopnické práci od J. Stuarta Blacktona , Segunda de Chomóna a Arthura Melbourne-Coopera se stop motion stal odvětvím animace, které bylo mnohem méně dominantní než ručně kreslená animace a počítačová animace. Nicméně, tam bylo mnoho úspěšných stop motion filmů a televizních seriálů. Mezi animátory, jejichž práce s animovanými loutkami získala nejvyšší uznání, patří Wladyslaw Starewicz , George Pal a Henry Selick . Mezi oblíbené tituly využívající animovanou hlínu patří Gumby (1953), Mio Mao (1970), The Red and the Blue (1976), Pingu (1990-2000) a mnoho produkcí Aardman Animations ( Morph (1977) a Wallace a Gromit (1989)) .

V rukou vlivných filmařů, jako jsou Jan Svankmajer a Brothers Quay , byl stop motion vysoce uměleckým médiem. Mimo abstraktní animaci, absolutní film a přímou animaci má (figurativní) ručně kreslená animace relativně méně asociací s uměleckým využitím.

Do značné míry nahrazen počítačově animovanými efekty byl stop motion také populární technikou pro speciální efekty v živých akčních filmech. Pionýr Willis O'Brien a jeho chráněnec Ray Harryhausen animovali mnoho příšer a stvoření pro živé akční hollywoodské filmy pomocí modelů nebo loutek s armaturami. Pro srovnání, ručně kreslená animace byla relativně často kombinována s živou akcí, ale obvykle zjevným způsobem a často používána jako překvapivý trik, který kombinuje „skutečný“ svět a svět fantazie nebo snů. Ručně kreslená animace byla jen velmi příležitostně použita jako přesvědčivé speciální efekty (například při vyvrcholení filmu Highlander (1986)).

Srovnání s animací výřezu

Vystřihovací techniky byly v animovaných filmech používány poměrně často, dokud se animace cel nestala standardní metodou (alespoň ve Spojených státech). Nejranějšími animovanými celovečerními filmy od Quirina Cristianiho a Lotte Reinigera byly vystřihovací animace.

Před rokem 1934 používala japonská animace spíše techniky výřezu než cel animaci, protože celuloid byl příliš drahý.

Jelikož výřezy byly často ručně kresleny a některé inscenace kombinují několik animačních technik, může výřezová animace někdy vypadat velmi podobně jako ručně kreslená tradiční animace.

I když se někdy používá jako jednoduchá a levná metoda animace v dětských programech (například v Ivor the Engine ), animace vystřihování zůstala relativně uměleckým a experimentálním médiem v rukou například Harryho Everetta Smitha , Terryho Gilliama a Jima Blashfielda .

Dnes se animace ve stylu výřezu často vyrábí pomocí počítačů , přičemž fyzicky řezané materiály nahrazují naskenované obrázky nebo vektorová grafika . South Park je pozoruhodným příkladem přechodu, protože jeho pilotní epizoda byla provedena s papírovými výřezy před přechodem na počítačový software . Podobné stylistické volby a kombinace s různými technikami v počítačové animaci ztěžovaly rozlišení mezi „tradičními“, výřezovými a Flash animačními styly.

Počítačová animace

Počáteční experimenty s počítači pro generování (abstraktních) pohyblivých obrazů byly prováděny od čtyřicátých let minulého století.

Nejdříve známá interaktivní elektronická hra byla vyvinuta v roce 1947 a připravila půdu pro médium, které lze považovat za interaktivní odvětví počítačové animace (což je zcela odlišné od animovaných filmů).

Krátká vektorová animace auta jedoucího po plánované dálnici byla vysílána švédskou národní televizí dne 9. listopadu 1961.

V roce 1968 sovětští fyzici a matematici vytvořili matematický model pro pohyb kočky, pomocí kterého vytvořili krátký animovaný film.

V roce 1971 byla uvedena na trh první komerční videohra (na mince). Příští rok Pong od Atari, Inc. , s velmi jednoduchou dvojrozměrnou grafikou, byl obrovským úspěchem.

Od sedmdesátých let se digitální zpracování obrazu a počítačem generované snímky, včetně raných 3D animací modelu drátěného rámu , příležitostně používaly v reklamách i pro reprezentaci futuristické počítačové technologie ve velkých hollywoodských produkcích (včetně Star Wars ).

Od roku 1974 se pořádají výroční konvence SIGGRAPH, které mají demonstrovat aktuální vývoj a nový výzkum v oblasti počítačové grafiky.

3D animace začala mít více kulturního dopadu v 80. letech minulého století, což bylo ukázáno například ve filmu Tron z roku 1982 a hudebním videu Peníze za nic (1985) režiséra Dire Straits. Tento koncept dokonce vytvořil populární umělou 3D animovanou AI postavu: Max Headroom .

Během devadesátých let se 3D animace stává stále více mainstreamem, zejména ve videohrách, a nakonec má velký průlom v roce 1995 s Pixarovým hraným filmovým hitem Toy Story .

Více či méně fotorealistická 3D animace se používá pro speciální efekty v reklamách a filmech od 80. let minulého století. Průlomové efekty byly zaznamenány v Terminátoru 2: Soudný den (1991) a Jurský park (1993). Od té doby se techniky vyvinuly do fáze, že rozdíl mezi CGI a skutečnou kinematografií je jen zřídka zřejmý. Filmaři mohou oba typy obrazů bezproblémově kombinovat s virtuální kinematografií . Matrix (1999) a jeho dvě pokračování jsou obvykle považovány za průlomové filmy v této oblasti.

Vzhledem ke složitosti funkcí, emocí a interakcí lidského těla jsou filmy s důležitými rolemi pro plně 3D animované realisticky vypadající lidské postavy vzácné. Čím realističtější je postava CG, tím obtížnější je vytvořit nuance a detaily živého člověka a tím větší je pravděpodobnost, že postava spadne do tajemného údolí . Mezi filmy, které se pokusily vytvořit realisticky vypadající lidi, patří Final Fantasy: The Spirits Within v roce 2001, Final Fantasy: Advent Children v roce 2005, The Polar Express v roce 2004, Beowulf v roce 2007 a Resident Evil: Degeneration v roce 2009.

Vytváření virtuálních světů umožňuje ve virtuální realitě animaci v reálném čase , což je médium, s nímž se experimentuje od roku 1962 a v 90. letech se začalo objevovat komerční zábavní aplikace.

V prvních desetiletích 21. století se techniky počítačové animace pomalu staly mnohem běžnějšími než tradiční cel animace. Aby byl obnoven tolik ceněný vzhled tradiční animace pro 3D animované techniky, byly vyvinuty stínicí techniky. Je pravda real-time cel-shading byl poprvé představen v roce 2000 Sega ‚s Jet Set Radio jejich Dreamcast konzoly.

První v animaci

Rok	Milník	Film	Poznámky
1917	Celovečerní film	El Apóstol	Vytvořeno s animací výřezu ; nyní považován za ztracený
1926		Dobrodružství prince Achmeda	Nejstarší dochovaný animovaný celovečerní film, animace výřezu siluety
1919	Natočeno v Rotoscope	Klaunovo štěně	Krátký film
1924	Synchronizovaný zvuk na filmu	Ach, Mabel	Krátký film; použity Lee de Forest ‚s Phonofilm zvuk na filmovém procesu, i když žádná z postav‚mluvit‘na obrazovce
1926	Synchronizovaný zvuk ve filmu s animovanými dialogy	Můj starý domov v Kentucky	Krátký film; na film použil proces Phonofilm od Lee de Forest; psí postava vyřkne slova: „Následujte míč a připojte se, všichni!“
1930	Natočeno ve dvoubarevném Technicolor	Král jazzu	V premiéře v dubnu 1930 se v tomto celovečerním hraném hraném filmu Technicolor objevuje tříminutová kreslená sekvence produkovaná Walterem Lantzem .
1930	Dvoubarevný Technicolor v samostatné karikatuře	Smyčec	Tento krátký film Ub Iwerks, vydaný v srpnu 1930, je první samostatnou barevnou karikaturou.
1930	Celovečerní loutkový animovaný ( stop-motion ) film	Příběh lišky
1931	Celovečerní zvukový film	Peludópolis
1932	Natočeno ve třech proužcích Technicolor	Květiny a stromy	Krátký film
1937	První film pomocí Disneyho víceplošného fotoaparátu	Starý mlýn	Krátký film. Předchůdce techniky více letadel již byl použit pro Dobrodružství prince Achmeda . Ub Iwerks vyvinul ranou verzi víceplošné kamery v roce 1934 pro jeho The Headless Horseman Comicolor Cartoon.
	Funkce natočená ve třech proužcích Technicolor	Sněhurka a sedm trpaslíků
1940	Stereofonní zvuk	Fantasia	Zaznamenáno ve Fantasoundu s 33 mikrofony na osmi kanálech, ale reprodukce vícekanálového Fantasoundu v divadlech byla nakonec omezenější, než bylo zamýšleno
1942	První film s omezenou animací	The Dover Boys	Krátký film
1951	První animované 3-D filmy	Nyní je čas - nasadit si brýle	Abstraktní dvoupásmové stereoskopické krátké filmy od Normana McLarena pro Festival Británie
		Kolem je kolem
1953	První kreslený film v širokoúhlém formátu	Toot, Whistle, Plunk a Boom	Krátký film
1955	První animovaná funkce v širokoúhlém formátu	Dáma a tulák
	První stop-motion televizní seriál	Gumby Show
1956	První americký animovaný primetime televizní seriál	CBS Cartoon Theatre	Kompilace televizního seriálu
1957	První animovaný televizní seriál vysílaný barevně	Plukovníku Bleep	Televizní seriál
1959	Syncro-Vox	Spojkový náklad	Televizní seriál
1960	Proces xerografie (výměna ručního inkoustu)	Goliáš II	Krátký film
	První primetime animovaný sitcom	Flinstonovi	Televizní seriál
1961	Celovečerní film využívající proces xerografie	Sto a jeden dalmatin
1964	První celovečerní film podle televizní show	Hej, to je Yogi Bear!
1969	První animovaná funkce považovaná za hodnocenou x	Tisíc a jedna noc	Japonský anime hit. Pro phénakisticope a krátký film Buried Treasure s Eveready Hartonem (kolem roku 1928) již byly vytvořeny pornografické animace.
1978	Animovaná funkce bude prezentována ve zvuku Dolby	Watership Down
1983	3D hraný film - stereoskopická technika	Abra Cadabra
	Animovaná funkce obsahující počítačem generované snímky	Rock and Rule
	Animované televizní seriály se zaznamenávají ve stereofonním zvuku	Inspektor Gadget
1985	Celovečerní hliněný animovaný film	Dobrodružství Marka Twaina
1988	První celovečerní film s hranou a kreslenou animací, která sdílí obrazovku celého filmu	Kdo zarámoval králíka Rogera
1989	Televizní karikatura bude vysílána ve zvuku Dolby Surround .	50. Hanna-Barbera: Oslava Yabba Dabba Doo
1990	Vyrábí se bez kamery Celovečerní film s digitálním inkoustem a barvou	Záchranáři dole	První celovečerní film kompletně vytvořený pomocí Disney's Computer Animation Production System
1991	První animovaný film nominovaný na Oscara za nejlepší film	Kráska a zvíře	Od roku 2019 žádný animovaný film nezískal cenu za nejlepší film.
1994	CGI-animovaný televizní seriál	Hmyz
1995	Celovečerní film plně animovaný s počítači Celovečerní film CGI s hodnocením G.	Příběh hraček
	Animovaný televizní seriál bude vysílán v Dolby Surround	Pinky a mozek
1997	První animovaný seriál vytvořený pro internet Flash animovaný seriál	Zatracený George Liquor Program
1999	První animovaná funkce IMAX	Fantasia 2000
2001	Animace zachycení pohybu PG-13-hodnocený CGI animovaný film	Final Fantasy: The Spirits Within
	První cena akademie za nejlepší animovaný film	Šrek	Monsters, Inc. a Jimmy Neutron: Boy Genius byli také nominováni.
2002	Flash-animovaný televizní seriál	¡Mucha Lucha!
2003	První flash-animovaný film	Čarodějové a obři
2004	Cel-stínovaná animace	Aplikovaný Steamboy
	První film animovaný zcela pomocí motion capture .	Polární expres
2005	Funkce pořízená digitálními fotoaparáty	Mrtvá nevěsta
2007	Funkce digitálně animovaná jednou osobou	Flatland
	Prezentováno v prostorovém zvuku 7.1	Ultimate Avengers	Vydání Blu-ray
2008	Celovečerní film navržený, vytvořený a vydaný výhradně ve 3D	Fly Me to the Moon
2009	Zastavená pohybová postava animovaná pomocí rychlých prototypů	Coraline
	První celovečerní film přímo vyrobený ve stereoskopickém 3D, nikoli převáděný ve 3D po dokončení pomocí InTru3D	Monstra vs. vetřelci
2010	Celovečerní animovaný film s výdělkem více než 1 000 000 000 $ na celém světě Celovečerní film uveden v kinech v prostorovém zvuku 7.1	Příběh hraček 3
2012	Stop-motion film pro použití technologie barevného 3D tisku u modelů	ParaNorman

Další vývoj podle regionu

Amerika

Historie kubánské animace

• 1970: Juan Padrón vytváří postavu Elpidia Valdése , hvězdy dlouhodobé série krátkých filmů a dvou filmů.
• 1985: ¡Vampiros en la Habana od Juana Padróna !
• 1992: Na Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano byla přidána kategorie animace .

Historie mexické animace

• 1935: Alfonso Vergara produkuje Paco Perico en premier , krátký animovaný film.
• 1974: Fernando Ruiz produkuje Los tres reyes magos , první celovečerní animovaný film v Mexiku.
• 1977: Anuar Badin podle filmu vytvořil film Los supersabios .
• 1983: Roy del espacio
• 2003: Ánima Estudios vydává Magos y gigantes celovečerní mexicko-animovaný celovečerní film po mnoha letech přestávky v průmyslu země.

Moderní animace ve Spojených státech (1986 až současnost)

• Úspěch animované série Disney: The Disney Afternoon (1985–1997).
• Spolupráce Stevena Spielberga s Warner Bros. Animation (1990–1999).
• Pokles karikatur v sobotu ráno v 90. letech.
• Blok animací Adult Swim od společnosti Cartoon Network se stává nesmírně populární a vede k oživení krátké animace pro dospělé.
• Filmy „Disney Revival“ (2009–2018).

Evropa

Historie estonské animace

Estonská animace začala ve třicátých letech minulého století a pokračovala až do moderní doby.

• 1931 - The Adventures of Juku the Dog , první estonský animovaný krátký film
• 50. léta 20. století - založení loutkové animační divize Tallinnfilmu od Elberta Tuganova
• 1970 - založení divize tažené animace, Joonisfilm , od Rein Raamat

Historie italské animace

• 1914: První použití stop-motion animace jako speciálních efektů v Cabiria
• 1936: Dobrodružství Pinocchia , nedokončené, považováno za ztracené
• 1949: Jsou uvedeny první dva italské animované filmy: La Rosa di Bagdad v režii Antona Gina Domeneghiniho a The Dynamite Brothers v režii Nina Pagota
• 1962: Narodilo se italské animované kreslené umění a průmysl ( La Linea , Mio Mao , Calimero ...).
• 1977: Animovaná italská klasika, Allegro non troppo , je parodií a poctou Disney Fantasia ; toto je nejambicióznější dílo režiséra Bruna Bozzetta a jeho třetí celovečerní animace, po Westovi a Sodovi , animovaném Spaghetti Western a VIP my Brother Superman , parodii na superhrdiny, ačkoli režíroval také několik pozoruhodných kratších děl včetně Mr. Rossi a kobylky (Cavallette) nominovaní na Oscara .
• 2001: Magic Bloom , pilot pro Winx Club
• 2004: Winx Club , produkoval Rainbow SpA
• 2009: Huntik: Secrets & Seekers
• 2016: Akademie Regal

Historie animace v Chorvatsku (v bývalé Jugoslávii)

• 1953: Zagreb Film slavnostně otevírá záhřebskou školu animace.
• 1975: Škola Animiranog Filma Čakovec (SAF) zahajuje Čakovec školu animace.

Asie

Animace byla součástí čínské kinematografie již ve 20. letech 20. století, jak je vidět v dochovaných filmech. Princezna Iron Fan (1941) od bratří Wanů je údajně prvním čínským celovečerním animovaným filmem.

Oceánie

Historie australské animace

Viz: Animal Logic , Yoram Gross , Flying Bark Productions

• 1977: Tečka a klokan
• 1979: Malý odsouzenec
• 1982: Sedmý zápas (také známý jako Sarah )
• 1984: Velbloudí chlapec
• 1984: Epic: Days of the Dinosaurs (také známý jako EPIC )
• 1991: Kouzelná hádanka
• 1992: Blinky Bill: Mischievous Koala
• 1992: FernGully: Poslední deštný prales
• 2000: Kouzelný pudink (2000)
• 2006: Happy Feet (koprodukce s Amerikou)

Historie novozélandské animace

Viz: Weta Digital

• 1986: Footrot Flats: The Dog's Tale
• 2015: 25. dubna
• 2019: Mosley

Média

• Přehrávejte média

  1921 Pokračování na winsor McCay je‘ Gertie Dinosaur ", 1914, první kreslený film s animací osobnosti

Poznámky

Reference

Citace

Citované práce

externí odkazy

• Llewellyn, Richard (2013). „Úvod do chronologie animace“ . Richardovi animovaní divoti .
• „Seznam animovaných filmů vyrobených v Evropě“ . Animace Evropa .
• Herbert, Stephen. „Animace před filmem“ . Kolo života .
• Čínská filmová klasika: Animace a karikatury (manhua) : Příklady a diskuse o animaci v raném čínském filmovém průmyslu, z vědeckého webu chinesefilmclassics.org